来源：译言网

译者达骜原作者：JUDITH H. DOBRZYNSKI

原文标题：

高雅艺术是让人欣赏获取慰籍和灵感的，以往强调观众参与体验有些过头了/纽约时报

体验任何一种经历，都会占用我们生命的很多时间。无论在哪里，我们都会受到很多机会和活动的诱惑。不管我们身在何处，即便正在开车，我们都会发送和接收信息。我们不时会通过发帖，告诉大家我们在干什么和身在何处，让朋友们知道我们有多忙乎。我们参加越来越多的极限运动。我们不是单独工作，而是和团队一起在公共空间里，在打成隔断的大房子里办公，自由职业者则在咖啡店里做自己的事。而我们在度假时，会花时间去购物，吃饭和寻找刺激。即使在欧洲那些有悠久历史的城市，一些人也会在卢浮宫或乌菲齐美术馆停下驻足，但一般只是用手机照几张相，以证明自己曾经到此一游。

为了跟上时代的步伐， 文化机构也在发生着变化，提供更多的几乎所有其他地方都提供的各种参与体验。剧作家现在让戏迷们参与编写，或决定故事的结局。植物园都在加盖空中玻璃走廊，以让游客能在树顶之上闲庭信步游览观赏。博物馆在画廊里举行通宵活动，还在为扩大空间而建设的巨大中庭里举办舞会。位于曼哈顿中城第五大道的地标性建筑--纽约公共图书馆艺术中心 -- 一家鲜为人知的研究机构，可能很快会进行改造，加建一座大型的图书馆分馆，其中的主要亮点是公共聚会场所和青少年及儿童的活动场所。一家咖啡店已经进驻一层，谁还需要星巴克哪？

这样的一些举措是必须的，也是很好的。但在改造过程中，我们的文化资源却要满足太多的需要，它们也变得逐渐趋同，失去了各自的特色--特别是那些艺术博物馆。

去年秋季的一天，我在参观克利夫兰艺术博物馆时，进到了一个在拐角处用玻璃隔离出来的画廊里，想去观赏英国艺术家马丁·克里德的“作品第965号：在一定空间的半空中。”突然间，我的头顶上充满了紫色的气球，我什么也看不见，只能看到葡萄一样颜色的胶皮，或偶尔看到别的参观者的胳膊和脑袋。我拥挤着走过去，气球在我的头上翻转跳跃，我终于来到了出口，我满头都是静电，衣服紧紧贴着我的身体。

克里德先生的幽默作品--他的本意是想让无形（空气）变得有形--却被描绘成了一座“史诗般的雕塑/装置/偶发的艺术，”但实际上，这是一种体验。不参与，你就根本“看”不见它。

“作品第965号”只占了博物馆里的很小一个角落，这个地方以前是摆放罗丹雕像的，但它却代表了价值观上的冲突，它们让博物馆偏离了自己的历史。克里夫兰艺术博物馆的策展人，格里菲思.曼（他最近刚受雇于纽约大都会博物馆做策展人，负责中世纪艺术部和回廊艺术展的工作），在他宣布克里德先生的艺术品将会“激活”博物馆的东楼时，或许是不经意，也透露出了同样的意思。很早以前，艺术馆不需要被激活。它们是收藏艺术品的地方，藏有丰富的艺术珍品，是为了让它们能长期被保存下来，展示给世人。参观一家博物馆也是一个社交的机会--你和朋友一起去--但是相当被动。人们去看美丽的东西，寻找灵感，丰富经历，有时候是一种精神上的需求。博物馆保存着自己的藏品，这是它们存在的理由。

但是“作品第965号”的幽灵却无处不在，普遍存在于馆长，主管，当然还有艺术家们之间。在纽约现代艺术博物馆的PS1展馆里，夏季很受欢迎的展项“下雨的房间”（这个展览被宣传为可以让“参观者体验控制下雨的感觉”。）里，你可以看到它；在大都会博物馆夏季在屋顶举办的展览，如斯塔恩兄弟（2010）的作品“大片竹林”，及托马斯.萨拉西诺反映模块化居住环境的作品“云之都”--两者都在预展时--就成了全市热谈的话题，你也能看到它；而安东尼•卡罗的钢结构雕塑（2011），以及今年由伊姆兰.库雷希设计的景观，就没有这样的效应。

在纽约新当代艺术博物馆，卡斯腾.奥莱恰如其分起的名字“体验”，给参观者机会从一个蜿蜒曲折的坡道上从四楼滑到二楼，纽约时报把这形容为“是一个艺术世界的游乐园，”2001年时吸引了大量居民来参观。我需要提一下2010年在纽约现代艺术博物馆，玛丽娜·阿布拉莫维奇表演的“艺术家就在眼前”，这是一个观众可以参与的表演作品，很多纽约人排了好几个小时的大队，来和这位艺术家默默相对而坐，她仅仅是报以对视吗？除了这种体验，那是要达到什么目的？

在商业社会里，这种趋势已经发展了几十年。到了1998年，两位咨询师，B.约瑟夫.潘恩二世和詹姆斯H.吉尔莫，发明了术语“体验经济”，并鼓励企业给顾客提供一个难忘的时刻，而不是一件产品或服务。他们的理论，建立在那些像查克芝士公司，造熊车间，耐克城艺术公司，作为旅游景点的酒店及整个拉斯维加斯之上。（顺便说一下，这个地方已经不再有任何艺术博物馆--在开办了近60年后，拉斯维加斯艺术博物馆于2009年2月关闭，因为来参观的人太少及捐赠越来越少。）

在这样的社会里，站在艺术品前感受到的震撼--除了那些大名鼎鼎的艺术家，像梵高，维米尔，莫奈和毕加索（不包括当代的艺术家，他们靠引发争议吸引眼球来出名）--似乎不足以让大多数人感到激动。那么博物馆该怎么办哪？

纽约现代艺术博物馆主任，格伦·D·洛瑞看到了未来。在他不久前在澳大利亚所做的一次讲话中，他介绍说，博物馆必须进行“改变，从被动式体验向互动式或参与式体验转变，从把艺术品挂在墙上，向让观众成为其中的一部分方向发展。”他还说，艺术博物馆还必须去除把自己当作储藏室的思想，而要设法成为一个公共场所。

他对这些想法进行了一些说明，称他主要指的是那些从事当代艺术品展出的博物馆。但我不能肯定这种论点或其说明--或其运用。我见过有些博物馆，让观众参与组织展览，让观众从自己的藏品中选择拍卖哪件艺术品来筹资，让他们决定是否一件受损的画作应该按原状修复，给画廊布置设计提意见，以及参与更多的事情。这些决策是否不需要让专家去做？如果不需要，那么他们应该做什么？为什么还要研究艺术史？

这种趋势的另一种表现是，博物馆在它们的画廊里安装了互动式显示屏。他们让展出游戏化。有些还重新设计了讲解内容--这吸引了老年观众。如明尼阿波利斯艺术学院的美术史学者及“策展内容战略家”，亚历山大.波特罗特去年向我说的，年轻人希望博物馆能把他们和创意经济联系到一起。他们不愿意听某些从纽约飞来的美术史学者讲课；他们更愿意和当地艺术圈子里的人建立联系，参与讨论问题。

这都是以参与和体验的名义进行的--也被叫做观众参与度--但它却改变了博物馆的特性，以及观众的期望。它改变了博物馆观众的构成及去博物馆的目的。

几十年以来，博物馆一直都在提供社交体验--在画廊里可以交谈总比行为艺术有优势--而这是件好事。但现在天平是否向体验倾斜得太多了？它们是否在失去自己的特色？博物馆是否真需要沿着这种“体验”的路走下去？

如果他们这样做，那么就会失去一些东西。在今年四月发生波士顿马拉松恐怖袭击事件后，大都会博物馆的馆长，托马斯·P·坎贝尔，主动和波士顿艺术博物馆联系，提出借给在波士顿举办的一个特殊免费展览三幅画，全都是隐含默祷意思的画。他当时说：“伟大的博物馆是获取慰籍和灵感的地方，特别是在发生灾难的地方。”当那么多的人去那里不是为了体验，艺术博物馆的这种趋向--其特点的一个重要部分--便岌岌可危了。