采访：曹丝玉 来源：Hi艺术
portrait by Judy Zhou(2008) ©曹斐
Hi艺术＝Hi 曹斐＝曹
当城市作为游戏的界面
Hi:这次香港巴塞尔的艺术项目《乐旧•图新》本身语义就很直接。旧指的是什么？又在图什么新？
曹：这是我第二次在香港做公共项目，上一次在香港M+“充气展”做的《珠玉满堂》，那是一头大型观众可以进入它身体内部的充气烧猪，“珠玉”在粤语里就是“猪肉”的谐音。一直以来，我的作品起名一般不会太文学化太晦涩，对我来说，公共艺术项目应该具有高的辨识度。
《乐旧•图新》效果图 2015 ©曹斐
曹：我出生在南方，从小就看香港电影，香港大众文化中是特别强调“励志”，比如许冠杰的歌曲、周星驰的电影里都会无意间出现对未来的向往与现实的挣扎，但另一方面是对现实高压、身份阶层的自嘲与释怀。我这次的合作方香港环球贸易中心（ICC）反复提到“正能量”，即“正面价值”对港人在这个时刻的意义。“图新”，是渴望新的变化、期待新的感觉，尽管现实可能是无力的，这种无力不单针对港人，可能也是反映今天整个中国社会，乃至全球的现状，问题是如何找到新的突破点。
《乐旧•图新》实景图 2015 ©曹斐
《乐旧•图新》实景图 2015 ©曹斐
《乐旧•图新》实景图 2015 ©曹斐
曹：ICC的建筑很挺拔，很窄长，它是香港的地标性建筑，490米的高度在尖沙咀港湾的城市地平线上相当突出，几乎从港岛到上环到柴湾任何位置都能看到它。构思时我就想到80年代的一系列小游戏，生于在60末、70、 80年代的人会对这些游戏怀有很深的感情记忆。香港人叫“食鬼”的游戏会首先出现在建筑上，鬼追着吃豆人一直往天际线上面冲，香港城市夜景成为了这个游戏的巨幅界面，延伸出新的寓意，人们仿佛一直被某种东西追赶，在迷失也在挣扎。
《A Mirage》75 x 100 cm C-print 2004 ©曹斐
《Diversionist》75 x 100cm C-print 2004 ©曹斐
《A Ming at Home》 75 x 100cm C-print 2004 ©曹斐
Hi: 作品中会考虑巴塞尔的存在吗？
曹：这个公共艺术项目是香港巴塞尔博览会主委会专门委托创作的，它脱离了巴塞尔博览会室内场馆，脱离了画廊摊位的白墙，现在，你抬头就看到了，就像看天空看月亮、看星星一样，无论通过港民自家的窗户、湾仔高架桥上移动的出租车内，中环海傍情侣依偎阑珊处，比华利山顶，还是维多利亚港的渡轮上，你都能轻易看到它，公共艺术探讨如何回到大众视野，参与日常社会生活，并给予公众参与社会评论的可能，发酵一种无形的、看得见却抓不住的“象征”。
《My Future Is Not A Dream 03》120 x 150cm C-print 2006 ©曹斐
《My Future Is Not A Dream 02》 120 x 150cm C-print 2006 ©曹斐
曹：我相信许多市民可能根本不知道这个项目，甚至这个作品依旧被看作ICC建筑上日常的商业视觉内容，一如香港海傍建筑上各种滚动的商家标志、商业霓虹，广告画连接成为明信片式的香港，我用它们城市原有的方式融入它们的商业图景，只是这次，不再推销什么，也不是仅仅为了节庆狂欢，一种模糊的边界，它可能是“艺术”，可能不是（艺术），可能仅仅给予城市注入某种昙花一现的“能量”，别样的视觉“消费”。我看到一些年轻人通过微博、论坛的方式约着一起去看这个项目，这种线上与线下的聚集、交互、传播，一如昔日篝火的围合，重新思考公共空间艺术项目的可能性。
《i.Mirror 01》2007 ©曹斐
《i.Mirror 02》2007 ©曹斐
曹：不需要物理性的占有。许多人认为今天的成名，要从作品的体量、体积，或者是占有的空间判断。这次香港巴塞尔的项目，看似它占有了全景天际线，但是对我来说只要把播放文件删除，放映活动结束，它就不存在了。但它存在其他维度，占据人们的视觉、记忆系统，比如新闻，比如社交网络上图片和短视频的传播分享，加上评论点赞转发等等，它会变成一系列当下的信息波，为互联网海量信息添加多一页符码文献。
Hi:你更重视作品在视觉记忆里的力量。
曹：包括对情感记忆的共鸣，比如复古游戏，可能像七、八十年代的人比较感觉，他们和我差不多年龄，现在可能都是香港的中流砥柱，所以这种东西能勾起他们的共鸣。而更年轻的观众在游戏文化中成长，这样的游戏视觉形式，也能吸引他们。
《RMB CITY: A Second Life City Planning 09》 120 x 160cm Digital print 2007 ©曹斐
《RMB CITY: A Second Life City Planning 06》120 x 160cm Digital print 2007 ©曹斐
Hi:从开始拍电影就选择用多媒体的方式，那时便已确定了自己的方向吗？
曹：一切都是机缘巧合，时代推动，1999年我完成了处女作《失调257》，被策展人侯瀚如看到，他认为像dv影像应该是新一代年轻人表达的工具，那件作品此后被归类为“艺术”，而我也就不由自主地在这些那些被冠以“新人类”的标签下继续创作至今天成为所谓的“中坚”一代。
《The Fashions of China Tracy 04》 36 x 65 cm C-print 2009 ©曹斐
曹：从天然本能的创作，到有方法论的创作，到抛弃方法，也是一个过程。我2003年第一次参加侯瀚如策划的威尼斯双年展“紧急地带”里面的“广东快车”部分。那时候大学刚毕业，通过出去兼职商业广告工作去支撑自己搞艺术，那个阶段的作品会更多地关注地区性的社会问题，比如《三元里》，《谁的乌托邦》（西门子工厂）。
《Haze and Fog 03》 105 x 70 cm C-print 2013 ©曹斐
《Haze and Fog 07》 105 x 70 cm C-print 2013 ©曹斐
曹：艺博会主要是涉及艺术品的交易，观众里面藏家占了主要，双年展则普遍注重学术性。今天许多人也在质疑双年展这个系统，而今天的艺博会甚至能做到双年展那样的架构，有公共艺术项目、学术论坛、出版物、艺术奖项等，吸引许多资本力量、媒体关注，成为业界不能忽略的盛事。双年展寻求突破也非常困难，这种困境跟全球的艺术生态息息相关。今年威尼斯双年展的策展人奥克维•恩威佐（Okwui Enwezor）有意地与博览会做出回避姿态，比如巴塞尔期间3月16日他在亚洲区的新闻发布会地点选择了上海，而不是香港，时间上几乎是同时，在今天商业化的艺术语境里如何坚持双年展的学术性，去抗衡强大的商业力量腐蚀，相信是策展人的宣言与策略。
《La Town: Center Plaza》 80 x 120 cm C-print 2014 ©曹斐
《La Town: Theater》80 x 120 cm C-print 2014 ©曹斐
曹：今年夏天会在奥地利维也纳分离派美术馆做个展，过往我没有在维也纳整体地性地展出过，所以我对维也纳的观众来说是新人，分离派美术馆展出过很多优秀的当代艺术家，比如我们熟悉的中国艺术家陈箴，英国YBA（Young British Artists）一代艺术家萨拉•卢卡斯（Sarah Lucas）,侯瀚如和乌尔里希•奥布里斯特（Hans-Ulrich Obrist）共同策划的展览《运动中的城市》（city on the move）。这次个展我计划会有新作品与旧作品融合，是一个相对整体的呈现。另外，这个美术馆里比较少展出与互联网相关的艺术作品，所以我会考虑植入一些探讨虚拟社会、社交媒体相关的作品，还有比如影片《霾》（2013）有中国当下现实性的作品，作为一虚一实的交错。
《La Town: Train Station》 130 x 70 cm C-print 2014 ©曹斐
