给霍克尼80岁最好的生日礼物: 泰特不列颠为其举办创作60年回顾展
发起人:天花板  回复数:0   浏览数:1098   最后更新:2017/02/16 19:51:59 by 天花板
[楼主] 天花板 2017-02-16 19:51:59

来源:TANC艺术新闻中文版 乔德安


泰特不列颠美术馆的展览“霍克尼:创作六十年”全面回顾了霍克尼60多年来的艺术创作,从他60年代最具代表性的作品,到近期在加州创作的画作以及数字艺术作品。展览将巡展至巴黎蓬皮杜艺术中心和纽约大都会艺术博物馆两大世界重要艺术机构,作为大卫·霍克尼80岁生日之年的最佳献礼。


大卫·霍克尼1937年出生于英格兰北部的布拉德福德(Bradford),曾在布拉德福德艺术学院(Bradford College of Art)学习,随后于1959年赴伦敦皇家艺术学院(Royal College of Art)就读。作为现今公认的最成功英国艺术家之一,霍克尼当年险些无法从皇家艺术学院毕业,只因他只想接受艺术创作上的考察、拒写毕业论文。他创作于1962年的速写《毕业证书》(The Diploma)就是对此事的反抗。皇家艺术学院有感于他惊人的才能和日益见长的名气,最终修改了考核规定,霍克尼得以毕业。

大卫·霍克尼《毕业证书》(The Diploma),图片来源:Art-Sheep

年轻时期的大卫·霍克尼,图片来源:Art-Sheep

在皇艺学习的第二年,霍克尼的作品就参加了颇具影响力的展览“Young Contemporaries”。该展览由英国皇家艺术家协会于1949年建立,旨在扶持新生艺术家的创作。“Young Contemporaries”(现已更名为 New Contemporaries )一直是以其每年展出艺术学生以及近期毕业生的优秀作品而出名。霍克尼的作品当时与美国艺术家罗纳德·布鲁克斯·基塔伊(R.B.Kitai),阿伦·琼斯(Allen Jones),德雷克·博舍尔(Derek Boshier),乔·蒂尔森(Joe Tilson),彼得·菲利普斯(Peter Phillips)等知名艺术家的作品一起展出。这些艺术家后来都成为了60年代及后期伦敦艺术圈的核心人物。

1961年,大卫·霍克尼和德雷克·博舍尔在英国皇家艺术学院,图片来源:Linkedin


尽管如今人们常常把霍克尼的作品与波普艺术捆绑在一起,当时他的作品更具表现主义,常常包括抽象的形态与文字,并利用流行文化的图像作为素材。然而,在一次加州之行后,他开始使用丙烯颜料(而非油画颜料),并受启发创作了一系列写实、颜色对比强烈的游泳池场景。1964年,霍克尼搬去了洛杉矶,从那时起,他的作品便常常面临描绘方式的绘画挑战——反思我们作为个人如何感知这个世界,以及我们的感知如何在二维平面展现。

大卫·霍克尼《屋内场景》(Domestic Scene),图片来源:WikiArt


泰特不列颠美术馆(Tate Britian)的展览“霍克尼:创作六十年”(Hockney: 60 Years of Work)是与巴黎蓬皮杜艺术中心(Centre Georges Pompidou)、纽约大都会艺术博物馆(Metropolitan Museum of Art)携手策划的项目,展览将在这两个机构巡展。这个全面的回顾性展览展出的作品包括霍克尼60多年来的艺术创作,包括多件艺术家最知名的作品,从他创作于60年代的最具代表性的作品,到近期在加州家中及工作室创作的画作以及数字艺术作品。

大卫·霍克尼《模特与未完成的自画像》(Model with Unfinished Self Portrait ),1977年

展览策展人安德鲁·威尔森(Andrew Wilson)在一场与BBC进行的媒体采访中表示:“作为艺术家,他(霍克尼)能唤起强烈的情感。对公众打开大门,展示如此精美的作品,对我们来说非常重要。” 本展览是从1988年以来第一场霍克尼作品的大型回顾性展出,虽然部分作品曾于2012年在伦敦皇家艺术研究院(Royal Academy)展出,但他的很多作品都归私人收藏且很极少向公众展出。


本次展览以时间为轴,分布于12个展厅,从粉色到暗褐红,每个展厅的墙面都是不同的颜色。色彩对于霍克尼的作品非常重要。他具有与生俱来的联觉(synesthesia),一种感官刺激会引起另一种感知,比如听到音乐则会看到色彩,反之亦然。对于艺术家来说,在泰特展厅的这些色彩可能构成一种“音景”用以衬托作品。

大卫·霍克尼《蓝色阳台的花园》( Garden with Blue Terrace),2015年

霍克尼的通觉与草间弥生的通觉不同,并不在一切作品中表现出来。最常见的是在他的歌剧与芭蕾的舞台设计——颜色与灯光的选择都是基于他对表演音乐的感受。可惜的是霍克尼的舞台设计没有在本次展览中展出,同样没有展出的也有霍克尼知名的情色绘画。这些绘画曾在1988年在洛杉矶当代美术馆(Los Angeles Museum of Contemporary Art)的霍克尼个人回顾展中展出,并引起了众多关注及评价。

大卫·霍克尼《花园中的红花盆》(Red Pots in the Garden),2000年


由于缺失了上述的情色作品,本次回顾展看起来稍有欠缺,特别是考虑到对于霍克尼来说,性是令他着迷几十年的主题。我们常听说霍克尼对政治没有兴趣,却经常公开表达对同性恋权益的看法。在60年代“性放任”的伦敦,一个拥有言论自由及“爱情自由”的时期,同性恋行为仍被认作是犯罪。然而,霍克尼当时已经在创作中摸索并暴露了自己的同性恋性取向。泰特美术馆策展人克里斯·史蒂芬(Chris Stephen)、安德鲁·威尔森与海伦·丽特(Helen Little)其实并不回避艺术家的私生活,因为霍克尼的对同性恋的感知渗透了他的大多作品。然而,我们也可轻易的看出一些精妙的处理——策展人们在前几个展厅用开放、直接、也非常敏感的方式的带入了这个话题。

大卫·霍克尼《我们两个男孩黏在一起》,1961年


例如二号展厅展示了一幅富有表现力的抽象人物画作《我们两个男孩黏在一起》(We Two Boys Together Clinging),创作于1961年他仍在皇艺就读时。这幅作品受到一首同名诗歌的启发,取自惠特曼(Walt Whitman)有争议性的《草叶集》(Leaves of Grass)。出版于1990年的这本书,尤其是这首诗,丝毫都没有掩饰惠特曼与男男女女的私密生活。在同一空间展示的一幅作于1961年的《世界上最美的男孩》(The Most Beautiful Boy in the World)愈加彰显霍克尼的性渴望以及不惮于公开自己性取向的勇气。

大卫·霍克尼《世界上最美的男孩》,1961年


参展的作品反复在性与爱两个主题中徘徊。例如更写实的画作《家庭画面,洛杉矶》(Domestic Scene, Los Angeles)展示了一位裸身男士在浴室里给另一位男士(仅着粉色围裙)搓背的场景。而第四展厅展出的作于1967年的《彼得从尼克的泳池走出来》(Peter Getting Out of Nick’s Pool) 则更富有窥探性。画作展现后来成为霍克尼恋人的年轻画家彼得·施莱辛格(Peter Schlesinger)把自己拉出泳池的场景(在洛杉矶艺商与画廊主尼克·怀德的家中)。在前几个展厅展示了性与爱之后,策展人们接下来有更多自由将关注点放到霍克尼其他同样重要的作品上。

大卫·霍克尼《皮特从尼克的泳池中出来》(Peter Getting Out of Nick's Pool)


霍克尼作品的同性情色元素在展览中处于次要的位置,重点放在作品规模、构图以及形式上。霍克尼在整个六七十年代早期都对展现玻璃中的反射或者阳光照射在水面波光粼粼的样子有浓烈的兴趣,至今仍然如此。很多他在洛杉矶的画作的主体都是泳池,或在洗澡的人,或金光闪闪的洛杉矶玻璃与钢筋建筑。单调的颜色、重复出现的图案或直线几何图案——这一时期的作品可被简单认作是抽象的构图。自然元素及霍克尼的绘画方式使这些作品看起来与他最主要的抽象表现派艺术形式格格不入。明眼观众仍能看出霍克尼作品向其他艺术家/艺术类别的微妙致敬:这里一点梵高的天空,那里一点弗朗西斯·培根的三联画……在展览指南中甚至引用了霍克尼的话:一些早期作品是“刻意去证明自己能做四幅完全不同却类似于毕加索的作品”。

大卫·霍克尼《我的父母》(My Parents),1977年

展览的叙事让霍克尼的创作发展得以充分展现。将自然元素与写实风格更进一步的是,第五号展厅展出了霍克尼更正式的给家人和朋友画的肖像。这些细致的描绘与渲染其实多是基于照片和速写。《克拉克夫妇与铂希》(Mr and Mrs Clark and Percy)可能是最具辨识度的作品。英国礼服设计师欧兹·克拉克(Ozzie Clark)与他同样身为设计师的妻子和占据画布正中的爱猫铂希。画中他们位于西伦敦诺丁山公寓睡房,霍克尼当时有好几位朋友住在那个区域。

大卫·霍克尼《克拉克夫妇与铂希》,1970年

霍克尼尤其喜爱这个房间的光线,但布景确有挑战。整幅画构图是没有正面的补光,我们能看到的只有阳光透过窗子给三位主角留下的剪影。通常来说这种光线问题对摄影艺术也是挑战。两个展厅之后,我们逐步能看出霍克尼对摄影这种艺术形式日益增长的倾心与关注。

大卫·霍克尼《阳光下的泳池》( sun on the pool),1982年


随着绘画技巧的进步,霍克尼开始创作一系列的照片拼贴。他发现一张照片仅提供一个角度,并不能满足他想记录的整个场景。他也觉得广角镜头过于扭曲景物。所以,霍克尼选择了从不同角度拍摄多张宝利来照片(或标准35mm照片) ,然后将他们合成为一幅作品。霍克尼觉得,每张照片不同的角度以及稍微不同的颜色和色调呼应了人类的视觉方式——将从多个角度、不计其数的分散视觉信息在脑中整合到一起。

大卫·霍克尼《比利和奥黛丽·怀德》( Billy & Audrey Wilder),1982年

有一小段时间霍克尼将自己的精力完全转移到了图片拼贴作品而暂停了绘画。80年代早期霍克尼重新拾起画笔,将这些照片拼贴的技术融合到了自己的新作里:他创作多幅小型画作,然后将它们拼接成为一件特别大的风景作品。第八、九展厅就展示了一些这样的作品。80与90年代,霍克尼大都在美国创作,并时常回到自己在英国约克郡(Yorkshire)的出生地——他的创作素材与地点通常与自己的童年记忆有关。他当时经常回英国几周探望他母亲和附近小镇的一个朋友。到2005年,他开始更频繁待在英国创作乡村室外写生。母亲去世后,霍克尼在离他出生地差不多30英里的海边小镇布里德灵顿(Bridlington)建立了自己的家及工作室。

大卫·霍克尼在作画,2012年,图片来源:NYT

目前年近80岁的霍克尼仍在丰富自己的艺术风格和创作方式。从他早期的油画创作到后来用丙烯颜料创作肖像和洛杉矶游泳池系列作品,他一直都在尝试新的体裁和创作方式。1985年末,霍克尼甚至开始用新科技来创作。电视节目制作人迈克·蒂金(Michael Deakin)邀请霍克尼去尝试一个用来为电视节目创作图像的电脑程序 Quantel Paintbox。霍克尼立马就表现出极大的兴趣,并在1987年5月与艺术家霍华德·霍奇金(Howard Hodgkin)、西德尼·诺兰(Sidney Nolan)及理查德·哈密尔顿(Richard Hamilton)一同参加了一档BBC电视节目。节目中每个艺术家都被邀请用软件创作艺术作品,然后在全国范围内播放。

大卫·霍克尼肖像

在继续速写、拍照与绘画的同时,2008年霍克尼开始使用iPhone与iPad上的软件Brushes app创作快速又随性的风景画与肖像。2011年,加拿大皇家安大略博物馆(Royal Ontario Museum)通过25台iPads和20台iPods展示了超过100幅这样的作品。一年之后,霍克尼通过他的iPad创作了几幅大型的风景画,并在伦敦的皇家艺术研究院展出。

大卫·霍克尼《Going up Garrowby Hill》,2011年

通过数字艺术作品,霍克尼甚至创作了一系列动态绘画作品,一笔一笔地展示他绘画的过程。例如去年由3个同步iPad动态绘画视频构成的作品《吸烟室》(The Smoking Room)。然而,本次展览可能最引人注目的作品是 《四季》(The Four Seasons: Woldgate Woods, Spring 2011, Summer 2010, Autumn 2010, Winter 2010)。创作于2010至2011年,这4件大型屏幕装置通过36块平板显示器展示了36部同步视频。每一个季节单独占一整面墙,这些风景作品呼应了19世纪德国艺术家卡斯帕·弗里德里希(Casper David Friedrich)的浪漫主义画作。霍克尼的21世纪风景画展示在高清显示器上,色泽艳丽丰富。这些数字艺术作品展示着霍克尼不断变化的故乡约克郡,从某种意义来说,像是为他的艺术生涯作出一个叶落归根的完满总结。

大卫·霍克尼《Woldgate Woods, 6 & 9 November 2006》,2006年

本次博览性的展览提供了一个了解艺术家生活与创作的绝佳机会。不过似乎艺术家并没有放慢脚步的节奏——霍克尼仍然保持每天几小时的工作状态。作为参观者,你会欣赏到很多重要的艺术作品,并对霍克尼接下来的作品满怀期待。(撰文/Adrian George(乔德安) 译/邓赐麟)


*本文作者乔德安是国际策展人与作家。曾任泰特美术馆策展人,现任英国政府艺术品收藏副主任及资深策展人。

*除特殊注明外本文中图片均由Tate Britain提供

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