来源：中国艺术现场

蒋志个展：一切

展期：2016年11月19日至2017年3月26日

地点：OCAT深圳馆展厅A

策展人：刘秀仪、李荣蔚、卓沐曦

展厅设计：吴家莹

开幕活动：15:00 策展人与艺术家对谈（展厅B）

    17:00 开幕导览（展厅A）

OCAT深圳馆将于2016年11月19日至2017年3月26日在展厅A呈现“蒋志个展：一切”。此次展览是蒋志2012年后举办的首个美术馆个展，亦是艺术家阔别深圳多年的重返。“蒋志个展：一切”囊括艺术家不同时期的作品，形式涵盖绘画、摄影、录像、雕塑及装置。“一切”并非以单纯的编年史方式收纳蒋志多年的艺术实践，而是通过艺术家的创作探讨“整体性”如何被构建。

▲ 蒋志，《注定之物》（暂名）之五，2015-2016，摄影，146cm x 196cm；图片由艺术家提供

“光”是勾勒作为“整体”的可视世界之基本形式，是可视世界的磐石。蒋志的艺术实践一直与光挂钩：他娴熟地应用被称为“光之写作”的摄影和录像媒介，“光源”的符号亦经常出现在其作品中——例如摄影作品《彩虹》（2005）的霓虹灯、装置作品《微物之神》（2011）的手电筒、摄影系列《情书》的暗蓝火焰。古代的光源主要是日月星辰，太阳是重要的直接光源，日升月恒又是循环式时间的依据。现代主义视光为理性、中立、透明的解剖性凝视。随着人造光源的用途的多元化（娱乐、宣传等），强光全天候在城市四处折射，在打破日／夜时间节奏的同时，也模糊了公共与个人空间的界线。蒋志作品中的“光”与其说是现代主义式的透明凝视， 不如说是信息世界中对私人领域的“过度曝光”，公共图像渐渐取代了公共空间。蒋志的摄影系列《事情一旦发生就会变得简单》（2006）中人物被强光照射，个人的特征、情感都在“可视性”的权力下消失。 强烈的感官体验在艺术家的摄影作品《哀歌》系列及《花》系列中被视觉化为镜头下的白色线条，如同侵入个人空间的强光，在暗黑背景下与肢体、生命体形成牵引与拉扯的焦灼状态，刻画出可见的刺痛经验。

▲ 蒋志，《悲歌》之二，2013，摄影，65cm x 90cm；图片由艺术家提供

时间在蒋志的作品中亦通过“光”得以在肉眼视野内定格。数朵处于燃烧过程中的花，在镜头的机械眼睛中以安静的火光同时凋敝与绽放（《情书》系列）。蒋志于2009年开始创作“故障绘画”，“写生”故障的电脑屏幕，画布上复杂的颜色和看似抽象的线条，却是“写实”。绘画系列《世界是你们的也是我们的》将无法被电脑系统解读的视觉噪音，转化成平面上可被图像历史解构的视觉地貌。视频作品《太初》（2008）是重复回放的烟花火光，经过变速、变向的过程，营造出宇宙混沌的创世景象，以道家哲思探讨世界整体的本原。蒋志对整体性的探寻，在展厅最后方的作品上达至完满。

▲ 蒋志，《世界是你们的也是我们的——上升，加速比》，2014，

布面油画，220cm x 275cm；图片由艺术家提供

古斯塔夫·多雷 (Gustave Doré) 版本的《神曲》(Divina Commedia) 插图描绘了天堂最高层——“至高天” (Empyrean) ：一层一层的天使环绕着天空跳舞，在神的荣光之下他们面目模糊，成为神性结构的一部分。装置作品《我是你的诗歌》第七号“天使之痒”中两幅异性的“皮”透过灯光的照射构成对称性结构：常以肌肤表达的情欲在半透明的硅胶皮下失语，取而代之的是宗教的灵光——去蔽同时遮蔽的对称性——这在艺术家参与的展厅设计中亦有体现。摄影作品《一半》（2007）系列中，实物在光下倒映出虚物的影像，经过对称性结构组成了一个可视物件的完全体。但这是否就是所能被观看的一切？借此问题，此展集中展示了艺术家的创作脉络，通过解析“光”的复杂含义以及“可视性”的概念，进一步思考何谓“一切”。

▲ 蒋志，《一半》 之二，2007，摄影，120cm x 96 cm；图片由艺术家提供

蒋志，1971年生于湖南沅江，1995年毕业于中国美术学院，现居于北京，早年曾生活于深圳。过去参与的重要展览包括：“世变”（Para Site，香港，2016），“颗粒到像素——摄影在中国”（上海摄影艺术中心，上海，2015），“以退为进” （上海外滩美术馆，上海，2014），“三影堂首届实验影像开放展”（三影堂摄影艺术中心，北京，2014），第八届深圳国际水墨双年展（深圳，2013），“城市边缘”第五届深港城市/建筑双年展（深圳，2013）“重新发电”第九届上海双年展（上海，2012），“见所未见”第四届广州三年展（广州，2012）等。蒋志的艺术创作涵盖录像、绘画、摄影、装置以及文本，通过图像反思符号学认识论、可视性和视觉噪音等问题。