来源：TANC艺术新闻中文版

德国法兰克福现代艺术博物馆联合英国泰特利物浦美术馆及法国蓬皮杜梅斯中心推出的展览“想象中的美术馆”，正展出欧洲3家美术馆80余件馆藏作品，展览对安德烈 · 马尔罗最初提出“想象中的美术馆”这一命题作出回应，并构想出2052年美术馆的未来图景。在叙利亚等地文物和博物馆持续受到战乱的威胁，欧洲部分地区博物馆时常遭遇经费等方面问题之时，3馆合作的展览“想象中的美术馆”也正是引导公众去探讨艺术对人类社会的价值何在的一次尝试。

▲ 德国法兰克福现代艺术博物馆代馆长彼德·戈史鲁特介绍展览“想象中的美术馆”（视频来源：MMK）

美术馆的消失绝不仅仅是一种未来的幻想。

当实体美术馆受到消亡的威胁，艺术不复存在时，人类的文明会就此消失殆尽吗？我们将以何种方式保存艺术？德国法兰克福现代艺术博物馆（MMK Museum für Moderne Kunst）正以“想象中的美术馆”（Das imaginäre Museum）为题，构想出一幅未来图景。

▲ 德国法兰克福现代艺术博物馆“想象中的美术馆”展览现场

此次展览联合了欧洲三大重要美术馆——英国泰特利物浦美术馆（Tate Liverpool）及法国蓬皮杜梅斯中心（Centre Pompidou-Metz），展出了3家美术馆80余件馆藏作品，涵盖了20 世纪以来艺术史中众多重要艺术家，如路易丝·布尔什瓦（Louise Bourgeois）、马塞尔· 杜尚（Marcel Duchamp）、安迪·沃霍尔（Andy Warhol）等，展开了一场时空交错的奇特旅行。

▲ 马丁·基彭博格（Martin Kippenberger）作品《The Modern House of Believe or Not》（1985年）

“我们虽然不能改变过去，但可以通过记忆与往昔形成碰撞”

▲ 马塞尔·杜尚作品《Boîte》（1964年）

雷·布莱伯利（Ray Bradbury）在他的科幻小说《华氏451度》（Fahrenheit 451）中，描述了一个未来世界：这里禁止人们阅读，并焚毁书籍。最终导致一些具有反叛精神的流亡者聚集在乡野，以背诵的方式将文学经典传给他们的下一代。本次展览便以布莱伯利的文本为出发点，将这个文学幻景延伸至视觉艺术。

▲ 里格·布特勒（Reg Butler），《想象中的美术馆》（Musée Imaginaire），1961年-1963年

法国作家、政治家安德烈 · 马尔罗（André Malraux）最初提出“想象中的美术馆”（Musée imaginaire）这一命题时，他认为通过摄影对艺术作品的复制，可以使每个人建立起一座属于自己的美术馆。这个虚拟的场馆不会受到现实中藏品对地点要求的制约。艺术这种创造虚拟的功能，与文学十分类似。本次展览的策展人之一，法兰克福现代艺术博物馆代馆长彼德·戈史鲁特（Peter Gorschlüter）在接受《艺术新闻/中文版》采访时说：“如同布莱伯利在书中结尾处营造的场景，如果艺术在未来的人类社会中消亡，那么记忆将会是我们与过去建立联系的重要方式。”

▲ 丹·格雷厄姆作品《现在延续过去》（1974年）

在展览中，丹·格雷厄姆（Dan Graham）的一件视频空间装置《现在延续过去》[Present Continuous Past(s)]，让观众得以亲身体验过去。在一个三面置有镜 墙的空间里，其中一面墙上嵌入了屏幕，另两面镜墙上都安放了摄像头。其捕捉到的影像会在8秒后呈现在屏幕上，与此同时，屏幕中的镜子又反射了16秒前的影像。以此类推，形成一个连续的时空。艺术家通过这种方式表达：我们虽然不能改变过去，但可以通过记忆与往昔形成碰撞。

▲ 伊萨·根泽肯（Isa Genzken），《OIL XV und OIL XVI》，2007年

“美术馆的消失绝不仅仅是一种未来的幻想”

▲ 朵拉·加西亚（Dora Garcia），《记忆女神革命》（The Mnemosyne Revolution），2016年

作为一个大型的跨国项目，展览的初衷是增强对馆藏的展示。三大欧洲美术馆首先面对的现实便是：如何去除程式化模式，以更新颖的手法找到彼此馆藏在内容上的关联性。对此，3家美术馆专门成立了一个6人核心策展团队，经过3年的准备，呈现出“想象中的美术馆”。策展人戈史鲁特坦言：在这样一个大型合作项目中，3个国家的美术馆都有各自不同的历史与优势。在展览的诞生过程中，策展团队经历了无数次的沟通、协商，最终找到了共同的策展理念。这也是一次合作的胜利。

本次展览共分为9个章节，每章标题均取自同名小说，探讨了艺术的不同特性，如：《变形记》（Die Verwandlung）、《永不结束的故事》（Die unendliche Geschichte）、《理智与情感》（Sinn und Sinnlichkeit）、《另一边》（Die andere Seite）、《时光机》（Die Zeitmaschine）等。然而每个章节中所呈现的艺术品，并非是对原著内容的图解。这些标题更像一个导引，带领观众进入一个自由想象的空间。

▲ 荣· 穆克的作品《鬼魂》（1998年）

其中《变形记》一章中，诠释了艺术的一个重要特质，即对日常的转变。通过对日常事物尺寸、材质及性能的改变，在现实与非现实之间创造出一个奇特的空间。荣· 穆克（Ron Mueck）在《鬼魂》（Ghost）中，用聚酯塑造了一个高约2米、倚墙而立的身穿泳装的少女，捕捉了少女从孩童变为成人的奇妙瞬间，那些我们在青少年时期都经历过的成长。

▲ “想象中的美术馆”展览现场的《布里洛盒》

这种对日常的关照，也体现在安迪·沃霍尔的波普艺术中。《布里洛盒》（Brillo Soap Pads Box）、《100个坎贝尔罐》（100 Campbell’s Soup Cans），都是将日常用品艺术化的过程。而在丹尼尔·史波耶里（Daniel Spoerri）的《淋浴》（La Douche）中，背景中的风景画是来自跳蚤市场的现成品。艺术家在画面中央的溪流处安装了一个水龙头与莲蓬头。由此，原本的油画被注入了日常的新内涵。从现实到艺术，再从艺术回到当下。

▲ 丹尼尔·史波耶里的作品《淋浴》

《变形记》所揭示的这种双向性，使它成为对现实时空的最佳诠释。从宏观来看，“想象中的美术馆”虽然营造出了一个科幻场景，但却不乏对现实的关照。放眼当下，叙利亚、伊拉克几乎每天都在发生艺术品被摧毁的事件。即便在德国也不断会有小乡镇因为缺乏资金，要求关闭当地的美术馆。因此，美术馆的消失绝不仅仅是一种未来的幻想。如戈史鲁特所言：本次展览是抛砖引玉，可以带动公众去探讨，艺术对人类社会的价值何在。

“数字化趋势会让观众产生更强烈的愿望——重返美术馆”

人类对未来的好奇与探索从未停止过，本次展览中不乏关于时间的作品。事实上在正式进入展厅之前,观众就会与第一件时间艺术相遇。在楼梯间里持续诵读着河原温（On Kawara）的《一百万年》（One Million Years）。展厅中亦可以看到这部卷帙浩繁的书籍。这部作品以《圣经》般庄严的方式,诠释出时间的浩渺与仪式感。展览中还有一件河原温的日期绘画《Jan. 1. 1984》。艺术家从1966年开始，一直持续这个主题创作，以日期的方式记录每一天，直至2014年辞世。每张日期绘画装入盒子的同时都会附上一张当天的报纸。它就像一颗时间囊，作为与未来沟通的方式，在无尽的时间中思考有限的生命周期。

▲ 河原温的《Jan. 1. 1984》

本次展览的另一个亮点在于：“想象中的美术馆”其实发生在展览之后。2016年9月4日展览结束，所有展品将撤离现场。之后的周末——9月10日、11日，展厅将再次对公众开放，每件艺术品都相应地被观众替代。这些经过挑选的“图像人” （Bildermensch），如同布莱伯利小说中的“图书人”（Büchermensch），凭借他们的记忆与想象，诠释艺术作品。这个极具创造力的行动，作为一个集体性实验，探讨当艺术从人类社会中消失时,我们将如何记忆并再现它？而问题的答案是多元而开放的。这些“图像人”可以用语言、肢体、声音以讲述、表演或歌唱的形式来描述艺术作品。策展人戈史鲁特在谈到之前泰特利物浦美术馆的实验时表示，观众对此兴趣浓厚，收到了很好的反馈。对于法兰克福展开的互动，他表示，虽然规则并无太大差异，但这是以人为本的实验，所以不同的参与者肯定会带来不一样的诠释方式。

▲ 卡洛斯·科鲁兹-迪亚兹（Carlos Cruz-Diez），《Physichromie 506》，1970年

人类未来的美术馆究竟是什么样子？在一个信息过剩的时代，数字化趋势已势不可当。如今各类美术馆都提供数字平台，线上展览、导引、收藏已不再新鲜。然而任何一种发展都具有双向性。在通往虚拟次元的道路中，似乎存在着一个反作用力，把我们拉回到现实中。对于美术馆来说，这种反作用力则是现场感。与艺术面对面的交流，身体与美术馆空间的接触，这种生理上的真实感知是任何数字化都不能取代的。如戈史鲁特所言：数字化趋势会让观众产生更强烈的愿望——重返美术馆。（撰文／韩焱）

本文部分图片由法兰克福现代艺术博物馆提供