来源：TANC艺术新闻中文版

北京。“彼得·韦恩·刘易斯：助推器”暨“弗雷德里克·J·布朗：记忆1988”双个展于2016年1月15日在尤伦斯当代艺术中心（UCCA）开幕。同为非裔美籍艺术家的彼得·韦恩·刘易斯和已故的弗雷德里克·J·布朗具有相似的文化背景，均关切中国古典艺术、精通爵士乐，作为美国抽象派画家与北京这座城市产生独特的勾连——刘易斯在近10年间的重要作品全部在北京北郊名为“绿洲”的工作室内完成；而布朗早在1988年便成为首位在中国革命博物馆（现中国国家博物馆）举办个展的美国艺术家。

“彼得·韦恩·刘易斯”暨“弗雷德里克·J·布朗”展览现场

弗雷德里克·J·布朗：记忆1988

弗雷德里克·J·布朗（Frederick J.Brown）于1945年生于美国，2012年过世。其作品深受爵士乐的影响，青年时期的布朗在芝加哥就拥有众多音乐家朋友，搬到纽约后，他所居住的SOHO区云集了大批艺术家和作家，因此上世纪70年代的抽象表现主义也对其画风影响颇大。《纽约时报》的布鲁斯·韦伯（Bruce Weber）曾提及布朗深受德国表现主义画家的影响，“德库宁一度是他的导师”。

此次展出的几件油画作品全部来自1988年布朗在中国革命博物馆（现中国国家博物馆）举办的个展。创作于1974年的《校操场》源于艺术家的童年记忆，明显带有上世纪70年代纽约艺术家的勃勃生气，也是典型的抽象表现主义风格之作；而1986年开始创作的《假日》则有具象化的趋势，但仍为表现主义风格，用色鲜艳浓郁，且都体现出尺幅巨大的特征。而创作于1972年的《复活节早上》（1972）和《复活节晚餐时间》（1972）在题材上具有宗教特征，其形式则深受中国水墨影响，也为他日后和中国的渊源埋下伏笔。

▲弗雷德里克·J·布朗受到中国对外展览公司之邀于1988年在中国革命博物馆（现中国国家博物馆）举办个展，成为了第一位在此场馆举办个展的美国艺术家

▲弗雷德里克・J・布朗 《假日》（1986-1987）

▲弗雷德里克・J・布朗《首次开幕》（1970/1972）

彼得·韦恩·刘易斯：助推器

在《纽约时报》的一篇报道中，罗伯塔·史密斯（Roberta Smith）曾如是描写刘易斯的绘画： “彼得·韦恩·刘易斯的绘画有一种令人熟悉的融合风格，可称之为无意识色域绘画，或者极简抒情抽象主义。其精妙之处在于毫不做作且老练的笔触，清晰而活泼的用色，以及自成一体的结构。”

与中文含义略有不同，“助推器”（booster）在英文中有扩散及传播之意。此次UCCA在甬道高墙上以网状结构首次呈现了艺术家的大型绘画作品《蒙克节奏组曲》（2013）和《佛祖演奏蒙克》（2013-2015），本次展览的策展人之一陈怡辰认为，作为艺术家一生中向塞隆尼斯·蒙克（Thelonious Monk）致敬的最重要创作，刘易斯将内心的感受无限扩大（boost），并最终投射在巨型的画布之上。

▲彼得・韦恩・刘易斯《易形者》（2015）

▲ 彼得・韦恩・刘易斯《蒙克节奏1/15》（2013）

▲ 彼得・韦恩・刘易斯《银河系》（2015）

▲ 彼得・韦恩・刘易斯《蒙克节奏》（2013）展览现场图

艺术家的绘画语言在两组重要的作品中发生了转变，除深受蒙克的音乐触动之外，另一方面则源于他对量子物理的兴趣。“弦理论认为，所有的物质均作为振动的弦在不同的维度中运动着。这一理念将物理与我所热爱的音乐联系起来。弦的振动创造和声……宇宙是一首由色彩、光线与节拍所创作的交响曲。”刘易斯曾如此表述。

在展厅中，相比《蒙克节奏组曲》（2015）的大胆奔放，以蓝黄两色为主要色调《佛祖演奏蒙克》（2012-2015）则较为收敛。而使用藏传佛教标志性红黄色的《唐卡之梦》（2013）则让人联想到艺术家作品中一贯的精神性。此外，艺术家近期创作的《假真空》（2015）也在展出之列——该系列包含6幅绘画作品，灵感源于美国麻省理工学院的物理学家阿兰·古斯（Alan Guth）关于宇宙暴胀（cosmic inflation）的理论。

专访艺术家彼得·韦恩·刘易斯

彼得·韦恩·刘易斯

Peter Wayne Lewis

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1953年生于牙买加，现为麻省艺术设计学院的绘画系教授。

Q：此次首展的巨型绘画《佛祖演奏蒙克》（2012-2015）有一个很有趣的标题，为什么爵士乐和塞隆尼斯·蒙克（Thelonious Monk）对你和你的创作而言如此重要？

A：“Monk”既可以指塞隆尼斯·蒙克，也可以指佛祖，佛祖在觉悟之前也是和尚，这是一个小玩笑，同时对我而言也是很严肃的事情。佛祖将他的精神性带给了世界，我虽然不是佛教徒，但是一个很重视精神性的人。而塞隆尼斯·蒙克以他天赋异禀的节奏组织方式改造了爵士乐，也启发了我对色彩、线条和空间的不同理解。我认为佛祖会喜欢塞隆尼斯·蒙克的音乐，这也是这组作品想要表达的。音乐在我的成长过程中是一个非常重要的存在，所有的作品都可以回溯到音乐之上。从某种角度上说，我更像是一个失败的音乐家，绘画对我来说就像是用色彩来演奏爵士乐。

▲ 彼得・韦恩・刘易斯《蒙克节奏14/15—狡猾的兔子》（2013）

Q：你曾在采访中谈到“移民的身份至关重要，因为它决定了一个人怎样看待稳定”，而这种“不平衡”正是作品张力的来源。从个人经验出发，你认为“流浪式”（nomadic）的生活对于艺术家而言是必要的吗？

A：大家都会问的一个问题是“为什么是中国？”，我的回答是“为什么不”。我是一个文化创造者、艺术家和美术老师。我志在游历世界，去看最伟大的艺术家创造出的最伟大的作品。我不会只把我自己定位在西方世界中。我在牙买加出生，随着家庭移民到美国，而作为教育者则必须去遍游世界，去看艺术。人的一生是不够游历整个世界的，你知道的越多，你所了解的就越少。我会尽我所能去到更多地方，成为一个更好的人，更好的画家和教育者。我的创作是这些经历的副产品，是我对世界的理解，也是谦卑的礼物。一位艺术家能留给世界最好的礼物就是创作，在作品中方能不朽。

非洲离散艺术家的经历于我而言是一段个人史，对于来自欧洲和亚洲的移民而言也如是一样。移民的身份影响了我们。牙买加其实受到中国文化的很大影响，19世纪曾有许多中国人作为苦力被卖到牙买加（在牙买加也使用“coolie”一词），我们同样也会庆祝中国春节。

▲ 彼得・韦恩・刘易斯《蒙克节奏2/15》（2013）

Q：为什么2016年北京的尤伦斯当代艺术中心会举办你和布朗的双人展？在布朗的故事中，我们很难不联想起今年即将在这里举办纪念展的劳森伯格。

A：劳森伯格于1985年在中国美术馆举办过展览，这段历史非常重要。我和劳森伯格虽然不算非常要好的朋友，但认识彼此。鲍勃（Bob，指劳森伯格）和我的很多共同朋友都在新泽西生活，后来他们都纷纷去世了。其实劳森伯格在中国的时候布朗也在，他当时也做了一个很重要的美术馆展览。每个人都记得劳森伯格，但是却忘了布朗。今年6月UCCA将举办大型的劳森伯格纪念展览，展出长达450米的《四分之一英里画作》（The 1/4 Mile）。15年前，我曾在麻省现代艺术博物馆（MASS MoCA）看过这件作品，据说它也在1985年的中国个展上展出，许多年后竟然又来到UCCA。所以2016年的北京有罗伯特·劳森伯格、弗雷德里克·J·布朗和彼得·韦恩·刘易斯，说明了自80年代开始的文化交换一直在进行着。

艺术的美妙之处在于你所创作的作品在离世之后还能继续产生影响。每个人都希望他们的人生是有意义的，这其实是对艺术力量的证言——艺术能够持续地影响人们，只要世界存在，它就会一直存在。颜料、画布、木头，都是平庸至极的物件，但艺术是对这些材料的操纵，让意义从中显现。