和作品一样，李姝睿的对话简单，直接而犀利，她正视自我的态度，具有真实的感染力。

在李姝睿的作品中，有一种较劲与强迫，艺术家好像甘于这样的折磨，不断地修正，也是不断地挖掘。李姝睿从身体的感受出发，希望传递出微妙细微的丰富性，这也是人本来具有的丰富性；创作的过程就是让力道畅通，观众在面对作品的时候有效的对接，从眼睛，到身体内部，乃至精神的深处，两种经验，在那里发生了奇妙的反应。

也许是金牛座的属性，李姝睿习惯于自我的梳理，在硬件与软件构成的形同中，她发现了中立的bug, 那是一种惯性的附着，没有逻辑和理由，在应对事物的一刹那，它带来莫名而懵懂的强大力量，让人无法自拔。李姝睿不甘于在以后的人生中被这样的力量摆布，至少她希望看清楚，这种力量到底是什么。一切的努力，都归结于消除bug。她希望在不可逆转的时间轴里面，接近终点目标的时候，起落更小。到最后的那个点，能够把自己清干净，平平静静，了无牵挂地离开这个世界。

艺术家坦然承认不太了解自己的性格，她很难画出自己的样子，或者说自我的绝知和外在表相之间存在无法直接连接的空隙。李姝睿觉得，定性的事物太简单化，缺乏魅力。现代社会的表述不是提炼，是简洁的界定，并成为很难跳出的圈子，是加码的包袱，是隐性的木马。

在作品中，观念性会成为限制，断了人本应生动的气。在画面的形式里，李姝睿希望在斗争的情绪之后，呈现平静的微澜。对作品的挖掘，也是对自己的挖掘，对感知系统的整理，找出基因里的吸引力。所有重要的东西，都是懵的，过不去的，所以永远是身体先行，而不是逻辑先行。

《见山见水》是李姝睿大学时代的作品，它打开了艺术家的审美体验，并奠定了对空间化美感的追求，在一种优雅的空中，涵盖一种氤氲的丰富性。

在后来以光为主体的绘画作品中，李姝睿渐渐将自我的情绪和感受作为创作的核心，精神性成为丰富性的明确指向对象。“纯粹的光，不要附着在东西上”，似乎也暗示了一种精神性的归宿。她希望通过不断地修正作品，提炼出筋道的情绪，与观众的身体发生反应。所以创作是为自己做，也是为别人做，与自我的经验感受达到平衡前提下，作品是能量/气息的发射器，通过修正作品，它们能够稳定，精确，美好地传播出去。

李姝睿现在已不喜欢化学的质感，她说：是身体带着你向前走。最近的作品《庇护所》中，呈现出一种安静的仪式感，庞大复杂的装置称为自我的画像，她“把自己供起来”，（其实先现实生活中，每个人何尝不是把自己供起来？）执着是自我聚集的力量，否则按照李姝睿的说法，早就灰飞烟灭了。自我在与环境的交互中，懵懂产生出焦虑的快感，是种难以细化的反应过程。李姝睿构建了这样一个场，自我性格的展示，是面对这个世界的真实感受，同时也是对自我的关照。看到自我，是一切问题背后的来源，也是自我超越的根本一步。

李姝睿现在的绘画过程愈加缓慢，如同梦幻的触碰，在硬朗理性的线条结构之外，流溢着氤氲的自由；光粒细腻的差异变化，失焦到聚焦的过程，是趋近与回归的过程。她希望在作品在锤炼中，能够吸引到更多不同价值观的人，这要求更大的包容性和承载力，指向对于普世价值的追求。