超级资料:凯利·沃克(Kelley Walker)& 韦德·盖顿(Wade Guyton)
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[楼主] 艺术眼artspy 2012-03-21 14:41:56
凯利·沃克(Kelley Walker)& 韦德·盖顿(Wade Guyton)
作者:陈颖编译  2012-3-21    来源:artspy艺术眼

 凯利·沃克(Kelley Walker)
 


凯利·沃克(Kelley Walker)凯利·沃克(Kelley Walker)1969年出生于美国佐治亚州哥伦布,1995年时在田纳西大学获得了美术学士学位,现生活并工作于纽约。在过去的10多年中,凯利·沃克(Kelley Walker)的作品曾在布鲁塞尔WIELS画廊、牛津现代美术馆、纽约MoMA PS1以及伦敦皇家艺术学院等展出过。他还参加了第七届沙迦双年展、2006年的惠特尼双年展以及2007年的里昂双年展等。纽约Paula Cooper画廊、柏林Capitain Petzel画廊、伦敦Thomas Dane画廊等代理了他的作品。
 
凯利·沃克(Kelley Walker)属于电脑、数码照片、图像修改软件引导其对技术进行了重新界定的那一代艺术家。他热衷于利用新闻图片来打造自己的图像,并根据事先准备好的表现技巧(如再构造、放大、增多、交叉绘制影线、叠印等)来确定阐释过程的方向。凯利·沃克(Kelley Walker)的创作目的在于揭示当代图像作为媒体过度曝光的受害者在多大程度上失去了其在新闻、信息方面的潜在价值:长期以来,图像复制品在各种媒体(杂志、电视、广告、网站、手机等等)中的传播削弱了大多数图像的叙述及文化力量,仅仅只保留了其感官上的一部分内容。以这个目的作为出发点,凯利·沃克(Kelley Walker)利用并且展示了当代图像重复使用的现象,同时指明了这种状态的危险性。
 

Untitled,2001凯利·沃克(Kelley Walker)创作于2001年的作品“Untitled”是以汽车的挡风玻璃为原材料的。这件作品曾在萨奇画廊展出过,看起来就像是一场可怕的车祸遗留下来的汽车残骸一样,让人们联想到一些令人不安的事件。被扭曲、粉碎了的挡风玻璃融合了美丽与恐怖,呈现出了一种形式上的吸引力以及装饰性的有利条件——碎成了一片片的玻璃像极了被收集在一起的冰晶,而变形虫一样的油漆斑点充满了一种装饰过的节日感。与所有的事故现场一样,残酷的现实正是存在于那些昭然若揭的证据中:这张撞得粉碎的挡风玻璃上有一些涂有糖果色油漆的斑块,而这件作品则用某种抽象和引人注目的东西描绘了一次正面碰撞,一种带有与流行文化一样的轻薄特性的致死性力量。
 

He tried to become so familiar with his equipment that using it became as automatic as driving a car,2001作品“他试着去熟悉他的装备,这样才能像驾驶一辆汽车一样机械地使用它(He tried to become so familiar with his equipment that using it became as automatic as driving a car)” 也是在2001年时创作的。创作者身份与真实性一直是凯利·沃克(Kelley Walker)的作品主要关注的东西之一。他从公共场地中“劫持”来原材料,进一步地复杂化了图像的日常交易,将信息媒体的陈词滥调转变成受人推崇但同时又令人惊恐的事物的实例。在这件作品中,凯利·沃克(Kelley Walker)将一个政治广告放大到了非常大的规模,从而将原始的新闻暨宣传图片转变成了一个虚拟的场景。凯利·沃克(Kelley Walker)在图片上喷溅了一些铁青色的、像抽象化了的水坑一样的东西,从而将抗议的刺激性转变成了电子游戏里的暴力元素,描绘出了一个看不到的“超级大反派”病态的消遣方式。通过对恐怖主义的暗示,凯利·沃克(Kelley Walker)实际上是强调了一种更加难以捉摸的危险:媒体的力量同时引发并且表现出了忧虑和不稳定性。
 

We joked that under the pavings stones there was gold,2001凯利·沃克(Kelley Walker)用电脑处理过的图片远远不止对广告的破坏,也没有将目标放在特别的机构或是原因之上,而是批判性地曝光了以恒定的常态存在于当代文化之中的焦虑。作品“我们开玩笑说在铺路石的下方藏着金块(We joked that under the pavings stones there was gold)”(2001)就将看似无伤大雅的愚蠢的行为变成了一个可怕的噩梦。以一张反资本主义的海报(它从根本上颠覆了对灾难的阐释)为起点,凯利·沃克(Kelley Walker)用一种没有限制的增添物介入到了这种恐慌之中。这张海报也许会被错误地理解为邀请人们去“探索物体间隙的关系”,而凯利·沃克(Kelley Walker)则用“一条带有剧毒物质的橙色河流”填满了坍塌的路面裂口:这种方式将作品名字中对于财富的追求以及广告的暴力信息包含到了一种超自然的“末日灾难”中,同时又充满了令人迷茫的诱惑。
 

Maui,2001利用出现在了贝纳通(Benetton,服装品牌名)1995年《Colours》杂志封面上的那张著名的毛伊岛飞机失事的照片,凯利·沃克(Kelley Walker)在作品“毛伊岛(Maui)”(2001)中探索了作为这样一种平台存在的媒体图片的传播——在这个平台上,落魄与欲望都变得无法辨别了。艺术家用许多糖果色的圆点对画面进行了模糊化的处理,使该服装公司的“United Colours”口号变得可见了;他同时还提及了数字媒体像素化的制式。这件作品具有能够打动人的魅力,但同时又让人感到惊愕:它揭示了图片的含义易受外境影响的特性,对一种人类价值以时尚和创伤为标准进行调整的世界秩序提出了质疑。
 

Marantz Model 6300 With Yellow Stripe,2004作于2004年的作品“Marantz Model 6300 With Yellow Stripe”结合了广告的禅学与抽象主义画作难以理解的特性,它压缩了迷惘的一代让人感到焦虑的观念论。在这件作品中,凯利·沃克(Kelley Walker)用几何图案盖满了一张70年代的立体声CD机的广告图,将消费品设定成了逃避主义的基础;此外,他还用一条半透明的黄色带状物横穿广告图的中心而过——这些光怪陆离的图案模糊了唱机的整个转盘位置。凯利·沃克(Kelley Walker)在这里参考了巴尼特·纽曼(Barnett Newman)抽象的色域以及在佛教冥想中使用到的坛场,并把这两者都归纳为一个设计的概念。他这种标志性的图像都是通过电脑修改表现出来的,显得粗糙而又空洞——这呼应了CD机说明标签上写着的“自动关机”。
 

schema;Aquafresh plus Crest with Whitening Expressions(Regina Hall),2006利用少男杂志《King》的封面,凯利·沃克(Kelley Walker)的系列作品“schema; Aquafresh plus Crest with Whitening Expressions”对媒体挑衅做出了消费主义至上的回应。这本杂志支持丰满、具有曲线美的女性而不是主流的消瘦,而这一系列作品则将其用作了一种积极的宣言。屈服于好莱坞女星莱吉娜·豪尔的诱惑力,凯利·沃克(Kelley Walker)在作品 “schema; Aquafresh plus Crest with Whitening Expressions(Regina Hall)”(2006)中表现了自己对低级、粗俗的“飞溅绘画”的持续热爱。从幽默诙谐的Pollock参照物中提取出了一些富有讽刺意味的双关语,凯利·沃克(Kelley Walker)的创作方式实际上是将牙膏喷射在原图上,然后将其扫描到电脑里。这件作品涉及到了一些复杂的种族、性别、身体图像以及表现方式等问题,用一种卑劣的产品来反抗另一种,最后以更加富有吸引力的方式将两者呈现出来。在同系列的另一件作品“schema; Aquafresh plus Crest with Whitening Expressions(Trina)”(2006)中,凯利·沃克(Kelley Walker)又将嘻哈天后Trina“沐浴“在了不同的牙膏产品中(这似乎是为了保证强力的增白效果)。艺术家用这种扭曲的幽默感来检验了作为市场营销策略而推出的种族和性表现方式中潜在的政治性。这张经过了数码化处理的图片被打印到了传统的画布上,凯利·沃克(Kelley Walker)以此刻画了在高端艺术领域中做广告的短暂;这些图像的直接性则增加了成为评判思考对象的动力。
 
 

 

schema;Aquafresh plus Crest with Whitening Expressions(Trina);2006

利用广告媒体的效力,同样创作于2006年的“Black Star Press”印刷作品占用了一些典型的文化图像。凯利·沃克(Kelley Walker)用数字技术对它们进行了修改,强调了潜在的政治与消费主义问题。在这一系列作品中,艺术家用大幅像广告牌一样的画布呈现了种族骚乱的场面。他首先将包含了一个白人警察和黑人小伙子的原图像翻转了90度,以这种方式来表现一个颠倒混乱的世界;然后将白色和巧克力色的抽象图案喷射到图像上,这模拟了暴力元素并形成了强烈的对比,同时还融入了道德上的堕落以及涂鸦文化。整件作品通过对原图的重复而达到了让人麻木的目的,它复制了大众媒体作为一个充满了使人麻木的暴行的领域的多样性。

 

Black Star Press,2006

 

Black Star Press,2006

 

Black Star Press,2006

 

Black Star Press,2006

 

 韦德·盖顿(Wade Guyton)
 

韦德·盖顿(Wade Guyton)韦德·盖顿(Wade Guyton)1972年出生于印第安纳州哈蒙德,1995年在田纳西大学获得了美术学士学位,1998年在纽约亨特学院获得了美术硕士学位。他的作品曾在汉堡艺术协会、科隆德维希现代艺术博物馆等场馆中展出。目前,纽约Friedrich Petzel画廊代理了他的作品。
韦德·盖顿(Wade Guyton)的艺术处于一种进退两难的困境中:无论他使用的是印刷材料还是三维立体的材料,他在作品中构思布置的形式与含义看起来似乎都是矛盾的。他的作品在不同的自相矛盾中展现了出来,例如功能主义与装饰,艺术与工业,原创与复制等。例如,他称之为“Untitled Action Sculptures”(1998年至今)的系列就是以这样一系列的矛盾状况为基础的:这些作品一方面具有手工制作和无定形的特性,另一方面还具有理性主义的暗示与原始材料的工业特性。韦德·盖顿(Wade Guyton)的雕塑作品被描述为“空间里的绘画作品”,而这些“Untitled Action Sculptures”的确是一些被转变成了三维立体的线条,进入到了真实的空间之中。
 

Untitled Action Sculpture(Breuer),2004

 

Untitled Action Sculpture,2006

 

Untitled Action Sculpture,2008

上世纪60年代,安迪·沃霍尔利用丝网印刷创作了一系列人们耳熟能详的作品。“画画太难了,”他说。“机器就没有那么多麻烦。我想做一部机器。” 而韦德·盖顿(Wade Guyton)也抱有相同的想法。在其他艺术家选择用画笔、光甚至是声音进行绘画作品的创作时,韦德·盖顿(Wade Guyton)却使用了喷墨打印机进行创作——“可能我太懒了,一点也不想动手作画。”这样的创作方式听起来像是缺乏激情而且过于圆滑,但事实上它却是一个不同寻常而且让人筋疲力尽的工作。因为这样的一件印刷作品——甚至可以看作是一个工业模型——并不是为了使用/滥用而创作出来的。喷墨打印机原本是以纸张为打印对象的,但如果其中塞满了画布,那么打印头就会不时地失去控制,因而产生一些缺失的部分或是线条。因此,艺术家在创作过程中必须不断地查看打印过程,调整画布的位置以获得希望出现的图像。

 

韦德·盖顿(Wade Guyton)创作作品的过程

 

韦德·盖顿(Wade Guyton)创作作品的过程

黑色的字母“X”是韦德·盖顿(Wade Guyton)绘画作品中的一个典型的意象。这些带有“X”的作品在大批量生产的视觉环境中表现出了一种瞬时就能扩散开去的状态。但正如艺术家自己认为的那样,困难并不在于“说出不存在一种可以被看作是原始图像的东西,而在于完全地理解这不是一件特别原创的事情。”因此,韦德·盖顿(Wade Guyton)的这些画作参考了一种包括弗兰克·斯特拉(Frank Stella)、索尔·勒维特(Sol LeWitt)以及巴尼特·纽曼(Barnett Newman)等艺术家在内的艺术史的环境。正如上面提到的那样,韦德·盖顿(Wade Guyton)作于2006年的作品“Painting”实际上是被印刷到亚麻纤维画布上的——画布被折叠起来,然后反复通过(有的时候还需要借助外力的猛然一拉)一部喷墨式打印机;因拖拽的行为和移位产生的 “开放式画风”效果因此也被留在了画布上。在这里,运气和意外事故决定了韦德·盖顿(Wade Guyton)作品的视觉效果,这正如其他艺术家将其创作材料的内部逻辑用作决定他们创作过程的参照因素一样。韦德·盖顿(Wade Guyton)自称是一个概念主义者,但他的作品却呈现出一种以自己的方式进行掌控的敏感性和精致。

 

Painting,2006

韦德·盖顿(Wade Guyton)在2007年时创作了另一种形式的“X”形画作。在这一系列作品中,艺术家使用了爱普生9600 Ultrachrome打印机,它的介质容量只有44英寸。他将预先准备好的亚麻布折叠起来,然后轮流地完成前/后、左/右的打印工作。每一件作品都“转译”了对打印过程的视觉记录:即打印头运动的轨迹,不同时期的堵塞状态,滚轮在湿润的墨迹上留下的标志等等;这些东西与画布因在地板上拖曳、以及反复通过打印机而产生的划痕和油迹混合在一起。上述作品曾于2009年在米兰的Gio Marconi画廊展出,同时展出的还有韦德·盖顿(Wade Guyton)当时创作的一系列新作——艺术家本人随意地将后者描述为是“条纹布”。这些作品的创作与之前那些作品的创作过程相似:将相同的数字化文件至少打印两次到同一张折叠起来的亚麻布上。那些黑色的条纹是在Photoshop中完成的,看起来就像是韦德·盖顿(Wade Guyton)某张黑色的单色印刷作品(在其中,有一半的打印头在打印宽的黑白条纹时被堵住了)被放大了的细节一样。

 

在Gio Marconi画廊的展览现场

 

在Gio Marconi画廊的展览现场

 

在Gio Marconi画廊的展览现场

 

在Gio Marconi画廊展出的作品

 

在Gio Marconi画廊展出的作品

 

在Gio Marconi画廊展出的作品

 

在Gio Marconi画廊展出的作品

 

在Gio Marconi画廊展出的作品

韦德·盖顿(Wade Guyton)的作品在材料和概念的层面上发挥了很好的作用,他创作于2008年的一件未命名画作完美地展现了其能利用人们熟悉的事物来达到一个新境界的事实,它们同时也很好地表现了这位艺术家如何巧妙地处理一系列众所周知的文化标识物。从创作材料上来看,它由平铺在长方形支撑结构上的亚麻布组成,因而其进入到了一个通常被划分为“画作”的物品体系之中。这张画布上分布了一些较细的线条:它们有的相互重叠产生一种黑色块体,有的线条分布较稀疏形成一些灰色的区域。这件作品没有什么具象化的主题——纯粹就是一种抽象构图——因而我们可以说它是表现主义的,建立在了中世纪美国现代主义绘画的历史与传统的基础上。但事实上,这件作品同样也是由喷墨打印机“绘制”而成的。灰色的区域是由于打印机墨水不够而形成的,较黑的区域是由于刚换上了新的墨盒而形成的;而中间的那条白线则是由于韦德·盖顿(Wade Guyton)将画布折叠起来而形成的——它的宽度大于爱普生9600一次性能打印到的宽度。这位艺术家否定了以美学标准做决定,更倾向于由机械的重复和技术的限制产生的奇特效果。另外,韦德·盖顿(Wade Guyton)倾向于在作品中使用黑色的墨水:与其它的色彩不同,黑色会让人联想到一种特别的喷墨印刷模式——信息与文字的发布;而这种并列放在一起的长方体的形式则呼应了印刷出来的每个专栏。

 

Untitled,2008

除了黑白等单色的印刷作品外,韦德·盖顿(Wade Guyton)也会创作一些色彩斑斓的作品。他的这一系列作品通常由来自展览画册或是建筑类书籍的插图组成。同样是在喷墨打印机的帮助下,韦德·盖顿(Wade Guyton)为原始的图像增添上了一些几何图形,两者无论在哪一个方面来看都毫无联系:其中某件作品展示了一张绘画至上主义的图画叠加在一件具有抽象生物形态的雕塑上;另一件作品是一个孔状物的长方形叠加在一张达达主义的海报上;还有一件作品则是数团“火焰”充斥在某些画作的复制品之中。

 




 

Guyton/Walker

凯利·沃克(Kelley Walker)与韦德·盖顿(Wade Guyton)从2004年起开始以“Guyton/Walker”的名字联合创作作品(当然,他们仍然会独立创作作品)。他们以Guyton/Walker组合的身份一起参加了2009年的威尼斯双年展等。《纽约时报》的艺术评论员Ken Johnson在评价他们时说:“凯利·沃克(Kelley Walker)与韦德·盖顿(Wade Guyton)擅长使用数字扫描、喷墨打印、照片丝网印刷以及模板印刷的方式来循环利用一批现成的图片。”

Guyton/Walker组合不是简单地将凯利·沃克(Kelley Walker)与韦德·盖顿(Wade Guyton)叠加到一起,而是引入了第三种艺术的、创造性的身份。2004年时,韦德·盖顿(Wade Guyton)受邀在圣保罗/明尼阿波利斯的Midway当代艺术中心举办个展,于是他借此机会邀请了他的“老相识”凯利·沃克(Kelley Walker)——他们俩共用一间工作室——共同举办了这场名为“XXXXX BBB XXXXXFFFFFF FFFF”的展览。从这场展览之后,Guyton/Walker就宣称他们自己是许多“物品”的创作者,尽管其对过去40年来艺术中的“陈词滥调”加以了疯狂地使用——其中包括波普艺术,形式主义,占用主义,复制的技巧,画面的地位,结构、画面与形式的问题,艺术家之间的合作以及画作本身的问题等等。他们作品的力量与印刷和图像修改技巧中那些公开的遗留物、以及美国艺术中对大幅面的使用有很大的关系。

2008年,Guyton/Walker的展览在洛杉矶LA >< ART举行。在这场展览中,他俩创作了一系列特定场域的丝网印刷画作,而这些作品的载体则是纸面石膏板、画布、该画廊现有的室内与室外建筑表面。Guyton/Walker对于新技术的创新性运用刷新了艺术史上波普文化中的合作。凯利·沃克(Kelley Walker)与韦德·盖顿(Wade Guyton)在展厅中布置了数张画布和250个一加仑的油漆罐,以此形成了关于广告、艺术和技术之间同层次的讨论;而那些看起来脏乎乎的、经过了艺术家修改的图像——我们明显能从上面看到艺术家用身体接触对其进行再创作利用的痕迹——则为技术如何被用来通过个性化颠覆品牌化的力量增添了另一个层次的观点。

 

 

在LA > < ART的展览现场




在LA > < ART的展览现场


在2009年的威尼斯双年展上,当人们步入意大利的展馆时,首先看到的便是一件由Guyton/Walker创作的未命名的装置作品。从这场展览的介绍中我们可以了解到:“凯利·沃克(Kelley Walker)与韦德·盖顿(Wade Guyton)的合作作品通常利用了波普艺术遗留下来的东西,有时还会结合艺术与设计中的惯例和习俗。而他们为本届双年展带来的作品则结合了开放式画风以及技术型的表现方式。”通过板条箱的使用,这件作品被安置在专门为其准备的一个设备和结构中,它结合了在干板墙和画布上进行的丝网印刷、喷墨打印以及手工绘制。另一些画作则被固定在颜料桶上进行展示,呈现出了一种工作室里的创作过程;而颜料桶本身也被涂上了各种各样的图案。丝网印刷作品看起来相当显眼,但是在石膏板上进行的喷墨打印似乎更让人着迷,观众甚至能够看到石膏板边缘由于过度喷墨而形成的痕迹,就好像它们的尺寸太过于小而完全被浸入了巨大的桌面喷墨打印机之中一样。而图像本身则带有浓重的经过了数字化修改的味道,它们的色彩和图案层次众多,似乎同时参考了安迪·沃霍尔、罗伊·李奇登斯坦(Roy Lichtenstein)以及格哈德·里希特(Gerhard Richter)等人的作品。

 

 

Guyton/Walker在2009年威尼斯双年展上展出的作品

经常会有这样一个问题出现在我们的脑海里:彩色条纹的牙膏是怎样形成的?我们找不到这个问题的答案,但是牙膏管一定经过了某种方式的设计所以才能挤出条纹状的牙膏。按照时间来说,它可以追溯到比现代的浴室更久远的年代;而且它还是一种被复制了的广告整体,出现在了各个地方的海报和布告牌上。Guyton/Walker的作品也是差不多的情况:他们作品中的颜料桶不仅盛放了颜料,同时也成为了画在颜料桶上那些图案的载体。然而,那些图案则是通过一系列的操作完成的,这个过程需要诸如扫描仪、Photoshop、数字打印机等工具辅助完成。原始的扫描图案既有辨识度又富于变化:它们是一些水果(如猕猴桃、香蕉、椰子、苹果、梨等)以及其它的物品(例如彼得·菲施利
与大卫·魏斯的雕塑)或是(为丹麦的家具、瑞士的一家航空公司做的)广告。我们能够想象这些图像是如何被生产出来的,但是我们不知道它们是如何出现在不同的支撑物(如画布、石蜡以及石膏板等)上的。Guyton/Walker的作品中存在如此多的复制和布告牌,这让它们看起来就像是为自己做的广告一样。而这正是Guyton/Walker在09年于巴黎Air de Paris画廊举办的一场展览的主题。“当凯利和我开始决定一起创作作品时,我们仔细思考了有没有什么东西能同时区别于他的和我的画作,”韦德·盖顿(Wade Guyton)说。“当时我们是把食物放在扫描仪上的,” 凯利·沃克(Kelley Walker)说。“于是我们想能不能测试一下扫描仪的限制。我们把柠檬片放在它上面——柠檬片本身几乎是液体的,但它扫描出来的样子却有些违背常理。”

 

 

在Air de Paris画廊的展览现场

 

Air de Paris画廊

 

Untitled,2009

 

Untitled,2009

 

Untitled,2009

 

Untitled,20092010年,当惠特尼美国艺术博物馆还未决定是否投资6.8亿美元在肉类加工区打造一座闹市中的博物馆时,它就已经开始策划在Gansevoort与Washington大街的一部分推出一系列户外展览。“我们邀请了三位艺术家参展,他们擅长利用数字化技术来创造一些寿命短暂的作品,”博物馆策展人Scott Rothkopf表示。这其中就包括了凯利·沃克(Kelley Walker)与韦德·盖顿(Wade Guyton)。他们将印有醒目而且色彩鲜艳的图案(如柑橘类水果、香蕉和斑马纹等)的塑料板固定在了规定区域周围长达450英尺的围栏上;而塑料板上的小洞则允许来往的路人透过其窥探里面的场景。
 




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