艺术眼展评：两个年轻人的展览
两个年轻人的展览
—— 文/ 郑笑仁
http://www.artspy.cn/exhibit/comment?i=20#20
每年的三月似乎都是青春洋溢的月份，惊蛰之后四处的年轻艺术家们像小虫儿一样率先开鸣，唧唧喳喳开启新一年的喧嚣。日复一日，年复一年，似乎只是成为了一种惯性下的生物习性，并无太多的喜悦之处。在这里我想从最近北京与上海的两个展览来说说我的一点看法。
泰康空间的“16位年轻艺术家群展”和上海的“占领舞台-回放”。这两个展览从策展的角度看是两个完全不同的方式。泰康群展坚持着他们一贯的无为之法，在尽量少的干预下让艺术家们肆意发挥。上海的回放则是在策展人事先强大的预设下产生的。在回放展览中，策展人要求艺术家们“各自选择当代艺术史上对自己产生了影响的带有现场性的作品，在此基础上进行再度创作”。范围条件乃至方式都有着强行的要求。姑且简单的把北京说成“弱策展”，上海说成“强策展”。在这一弱一强的策展中其目的都是想最大限度的展示出年轻人鲜活的一面，以最大限度的方式与目前许多成熟的艺术方式拉开距离。但是实际情况是怎么样的呢？
泰康群展里面的艺术家似乎并没带来多大的欣喜，大部分还是继续着日常生活下的趣味与智性快感。在我看来这样的快感是事后的自我幻想，如同行房完事之后需要再看一篇黄色小说或者Av来达到高潮一样。这种快感只是一种没有走出大脑的“自我娱乐”，反而真刀真枪鱼水之欢的时候却阳痿不举。这也正是观众在实际面对作品时，与艺术家所感所想的思维乐趣存在出入的关键之处。艺术家所想要的快感只适合在一种纯粹的理想条件下才会产生，一旦物化落地，便被现实若干瑕疵所吞噬。其次从社会的角度来审视，现今网络社会的diy式的碎片化展示早已经化解掉了这种趣味，让这种“艺术”实际的功效大打折扣。
再来看看上海的回放展，在追求新异的战斗中，物化疲软是全球艺术的流行病，以至于表演最近出奇的火热。首先来说，为什么要表演，为谁表演？在此次展览里面艺术家们毫不在意，并且也没获得多大的自主性。反而是策展人策略化的选者了一个新潮的方式，在新形式的诱惑下博得了一定的关注。但是这对艺术家本身来说好像并无多大帮助。在展览中所谓的这一切问题对于艺术家来讲其实都是虚假的，外在的。在这里艺术家反倒成为一次演出的道具而已。不光艺术家，就连策展人本人也并没有很好展示出“表演”与当下艺术所面临困难的相关性。这种空降式的“开放”再漂亮也顶多昙花一现。
在此这就追述到艺术家本体性的需求到底是什么？上面两种类型的展览里面艺术家们似乎都如同现在的景观社会里的“虚假消费”，并非真实需要。这些展览也就不免成为全球艺术景观里面的一个无足轻重的七彩泡泡。那么什么才是艺术家主体本身的真实需要？或许从结构主义哲学的观点来看，一切主体性都是虚假的。但是在这里我更愿意用巴迪欧的激进哲学来对待这个困惑——在斗争中存在。那么这就回到艺术家所面临的当下性问题到底是什么。真实的寻找到艺术家自身所面对的障碍。这种“斗争中的存在”才能从单纯的大脑快感中解放出来，从全球艺术景观的道具中解脱，感受到那一瞬间的真实。
艺术家越来越演变成仅仅是一种生存的方式。从艺术与供养人的关系来看，供养方其实一直在禁锢着艺术家的视角。艺术的求新求变，一方面是所谓的博物馆所制造的“新”，另一方面也是“观众”制造的，而这群观众在一定角度上看却是静止的。这个“静止”让艺术家不断的产生着突破的错觉，但艺术本身而言实际上却是静止的。目前而言很多时候艺术家们都只是在这个幻觉内创作。如何找到艺术家真真的需求，打破惯有的幻觉，我认为这将是“在斗争中存在“的开始。
—— 文/ 郑笑仁
http://www.artspy.cn/exhibit/comment?i=20#20
每年的三月似乎都是青春洋溢的月份，惊蛰之后四处的年轻艺术家们像小虫儿一样率先开鸣，唧唧喳喳开启新一年的喧嚣。日复一日，年复一年，似乎只是成为了一种惯性下的生物习性，并无太多的喜悦之处。在这里我想从最近北京与上海的两个展览来说说我的一点看法。
泰康空间的“16位年轻艺术家群展”和上海的“占领舞台-回放”。这两个展览从策展的角度看是两个完全不同的方式。泰康群展坚持着他们一贯的无为之法，在尽量少的干预下让艺术家们肆意发挥。上海的回放则是在策展人事先强大的预设下产生的。在回放展览中，策展人要求艺术家们“各自选择当代艺术史上对自己产生了影响的带有现场性的作品，在此基础上进行再度创作”。范围条件乃至方式都有着强行的要求。姑且简单的把北京说成“弱策展”，上海说成“强策展”。在这一弱一强的策展中其目的都是想最大限度的展示出年轻人鲜活的一面，以最大限度的方式与目前许多成熟的艺术方式拉开距离。但是实际情况是怎么样的呢？
泰康群展里面的艺术家似乎并没带来多大的欣喜，大部分还是继续着日常生活下的趣味与智性快感。在我看来这样的快感是事后的自我幻想，如同行房完事之后需要再看一篇黄色小说或者Av来达到高潮一样。这种快感只是一种没有走出大脑的“自我娱乐”，反而真刀真枪鱼水之欢的时候却阳痿不举。这也正是观众在实际面对作品时，与艺术家所感所想的思维乐趣存在出入的关键之处。艺术家所想要的快感只适合在一种纯粹的理想条件下才会产生，一旦物化落地，便被现实若干瑕疵所吞噬。其次从社会的角度来审视，现今网络社会的diy式的碎片化展示早已经化解掉了这种趣味，让这种“艺术”实际的功效大打折扣。
再来看看上海的回放展，在追求新异的战斗中，物化疲软是全球艺术的流行病，以至于表演最近出奇的火热。首先来说，为什么要表演，为谁表演？在此次展览里面艺术家们毫不在意，并且也没获得多大的自主性。反而是策展人策略化的选者了一个新潮的方式，在新形式的诱惑下博得了一定的关注。但是这对艺术家本身来说好像并无多大帮助。在展览中所谓的这一切问题对于艺术家来讲其实都是虚假的，外在的。在这里艺术家反倒成为一次演出的道具而已。不光艺术家，就连策展人本人也并没有很好展示出“表演”与当下艺术所面临困难的相关性。这种空降式的“开放”再漂亮也顶多昙花一现。
在此这就追述到艺术家本体性的需求到底是什么？上面两种类型的展览里面艺术家们似乎都如同现在的景观社会里的“虚假消费”，并非真实需要。这些展览也就不免成为全球艺术景观里面的一个无足轻重的七彩泡泡。那么什么才是艺术家主体本身的真实需要？或许从结构主义哲学的观点来看，一切主体性都是虚假的。但是在这里我更愿意用巴迪欧的激进哲学来对待这个困惑——在斗争中存在。那么这就回到艺术家所面临的当下性问题到底是什么。真实的寻找到艺术家自身所面对的障碍。这种“斗争中的存在”才能从单纯的大脑快感中解放出来，从全球艺术景观的道具中解脱，感受到那一瞬间的真实。
艺术家越来越演变成仅仅是一种生存的方式。从艺术与供养人的关系来看，供养方其实一直在禁锢着艺术家的视角。艺术的求新求变，一方面是所谓的博物馆所制造的“新”，另一方面也是“观众”制造的，而这群观众在一定角度上看却是静止的。这个“静止”让艺术家不断的产生着突破的错觉，但艺术本身而言实际上却是静止的。目前而言很多时候艺术家们都只是在这个幻觉内创作。如何找到艺术家真真的需求，打破惯有的幻觉，我认为这将是“在斗争中存在“的开始。
没到现场看也敢写评论，强的！
作者只是不想让自己惊奇而已，因为自己什么也没做，动不动又开始景观社会，做的所有、批评的所有野都变成景观啦!悲观者每天只知道问自己什么才是真正的，其实你活得挺虚幻的
日常是一个日常性的话题，因此不能作为一个正式的“问题”
按作者的逻辑，任何快感都可以想象成房事之后的再看一遍av；但要看快感如何生产
任何展览都是七彩泡泡，这个提问的预设实际上仍然将自己置身景观社会的消费立场
巴丢的哲学之于哲学就像安迪沃霍的复制之于纽约的艺术现实，它在消费艺术，但是我们不能消费巴丢
观众求新实际等同于艺术家求新，这是全球性难题
要慢 要做 要实现 要耐心 要不要 要
按作者的逻辑，任何快感都可以想象成房事之后的再看一遍av；但要看快感如何生产
任何展览都是七彩泡泡，这个提问的预设实际上仍然将自己置身景观社会的消费立场
巴丢的哲学之于哲学就像安迪沃霍的复制之于纽约的艺术现实，它在消费艺术，但是我们不能消费巴丢
观众求新实际等同于艺术家求新，这是全球性难题
要慢 要做 要实现 要耐心 要不要 要
楼主没到现场，根据别人写的评论来评论，这跟抄袭有什么两样，也就这点出息了！
和阿提爸爸一个调调！都是看破红尘曹雪芹的范。
赵不要同学的打手
写的好！顶
2个展览都有李牧，请李牧出来说说啊
