【站台中国】3.12-5.31关于绘画的十九个个展
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最后更新：2011/06/19 10:20:13 by guest
展览时间：2011年3月12日- 2011年5月31日
开幕时间：2011年3月12日 下午三点
展览地点：站台中国A空间、B空间
这是站台中国每年度的首个群展项目，这个展览是由个以十九绘画为媒介的艺术家个展构成的展览，每个艺术家在相对独立的空间中，完成自我话语的独立展示。每个艺术家的个展，有自己的展览名称和主题，艺术家自主策展，自我陈述。这个展览展出的是十九个独立的话语系统。
毕建业 --- 金刚不坏
黄亮 --- 触目-伤怀
贾蔼力 --- 隔空纯粹间的虚无
金闪 --- 好死不如赖活
廖国核 --- 吃饭也是画画
李青 --- 一个注解-晚年Fontana
刘唯艰 --- 适应力最强大
林彦玮 --- 就是喜欢你这样
马轲 --- 伦理情谊，人生向上 秦琦 --- 蓝鞋带
亓文章 --- 你是我的四季
孙逊 --- 帝国进化论
孙文 --- 域外之鸣
宋元元 --- 消极屋
吴光宇 --- 移花接木
萧搏 --- 意外
肖江 --- 空镜头
徐若涛 --- 基础代谢 office
周轶伦 --- 啊！
现场图片
吴光宇 --- 《移花接木》
黄亮 --- 《触目-伤怀》
李青 --- 《一个注解-晚年Fontana》
艺术家李青和孙宁
毕建业作品 松树与方块
马轲作品 拥抱
刘唯艰 --- 《适应力最强大》
周轶伦作品
周轶伦 --- 《啊！》
萧搏 ---《意外》
宋元元 --- 《消极屋》
宋元元作品
肖江 --- 《空镜头》
金闪 --- 《好死不如赖活》
孙文 --- 《域外之鸣》
林彦玮 --- 《就是喜欢你这样》
贾蔼力 --- 《隔空纯粹间的虚无》
亓文章 --- 《你是我的四季》
廖国核 --- 《吃饭也是画画》
徐若涛 --- 《基础代谢office》
艺术家合影一
艺术家集体合影二
左一排起： 秦琦 林彦玮 肖江 周轶伦 吴光宇
左二排起： 萧搏 李青 宋元元 黄亮 马轲 陈海涛 孙宁 金闪 孙逊 廖国核 贾蔼力 孙文
毕建业 亓文章
萧搏 林彦玮 陈海涛 吴俊勇
中国当代艺术的发现者、观察者和参与者
顶一个！
难道是2006年上海38<个展>的绘画版?
19刚好是38的一半
中国当代艺术的发现者、观察者和参与者
沈阳版加油。
站台中国的艺术家们 要么 要死要活，要么故弄玄虚开法会道场，要么装装大师乍一看还以为是某位老外画的，要么玩点国际范的低调噱头
学大师没什么不对，但别学王兴伟啊
学你妹 呵呵
好占
6楼举了这么多情况 倒想看看谁没有擦点边儿
不管怎样，看看再发话！
一个无聊的想法
今天过去凑凑热闹
现场图片已更新啦，更多图片请见艺术眼
http://www.artspy.cn/html/exhibit/2/2773/view.shtml
http://www.artspy.cn/html/exhibit/2/2773/view.shtml
中国当代艺术的发现者、观察者和参与者
19个个展着实霸道，多元化之得一看
展览给力啊
38=19X2
2?
2?
虚张声势
怎一个烂字了的，，。
支持
大饱眼福
可以一看，风格各异，色彩纷呈，对比度很强
海量图更新啦！！
毕建业《金刚不坏 》个展
我们如此渺小以至于无力拯救任何人的灵魂 ，这里没有答案，你只能发问。这里也可以没有演员，也没有故事。不是每个作品都能给人带来什么，时光总需要去度过，而我选择这样度过。
松树与方块
布面丙烯
390x219cm
2010
黄 亮 《触目-伤怀》个展
每一颗心生来就是孤单残缺的。我们心底里隐隐的东西是什么？ 什么又值得我们寻找，为此而伤怀。如果我们站在一个高度看自己，我们的种种行为又是追求还是躲避呢？
吴光宇 《移花接木》个展
“风光只不过是种印象，而且转瞬即逝。”— 莫奈
拉面
布面油画
180 x280cm
2010
线
布面油画
110 x100cm
2010
中国当代艺术的发现者、观察者和参与者
李 青《一个注解-晚年》个展
“晚年Fontana”把一个形而上空间的经典范式注解为一个存在性的、消耗性的空间。这个略有冒犯的注解集合了琐事、废墟、裂痕和无能的意向，在这里企图创造无限的形而上主义者也要面对所操持的现实。也许这也不外乎Fontana的本意，一个向深处特意开凿的空间本来就未必不会指向黑暗和内部的深渊。
封塔纳的晚年
布面油彩
150x200cm
2011
马 轲 《伦理情谊，人生向上》个展
诗言“志”，画亦如此。
帝国时代的爱情故事
布面油画
254x200cm
2009
宋元元 《消极屋》个展
在日常语境里，这些空间是普通的，廉价的装饰风格。这种装饰装修的办法有可能是美学上的另一种再现，或是暴力的对待了一种美学。这些空间很多都留下了人的痕迹，这些痕迹使我感到有趣，我把它们转化成了绘画上的痕迹，一些无意义的笔触。
装饰物
木板油画
154cmX105cm
2011
刘唯艰 《适应力最强大 》个展
适应力是人类进化史的根本力量/我们在对抗一种事物的同时也在慢慢地适应它/适应力瓦解了人自身的所有力量/是无能与力量的平衡板/适应力让我们无奈也让我们得以继续生存
工业话题
布面丙烯
200x200 cm
2010
周轶伦《啊！》个展
不允许的不一定是不好的
赞美的不一定是美好的
看到的不一定是真实的
自己开心就好
落花流水
布面丙烯油画
390x219cm
2011
呸
布面丙烯油画
179.5x150cm
2011
“晚年Fontana”把一个形而上空间的经典范式注解为一个存在性的、消耗性的空间。这个略有冒犯的注解集合了琐事、废墟、裂痕和无能的意向，在这里企图创造无限的形而上主义者也要面对所操持的现实。也许这也不外乎Fontana的本意，一个向深处特意开凿的空间本来就未必不会指向黑暗和内部的深渊。
封塔纳的晚年
布面油彩
150x200cm
2011
马 轲 《伦理情谊，人生向上》个展
诗言“志”，画亦如此。
帝国时代的爱情故事
布面油画
254x200cm
2009
宋元元 《消极屋》个展
在日常语境里，这些空间是普通的，廉价的装饰风格。这种装饰装修的办法有可能是美学上的另一种再现，或是暴力的对待了一种美学。这些空间很多都留下了人的痕迹，这些痕迹使我感到有趣，我把它们转化成了绘画上的痕迹，一些无意义的笔触。
装饰物
木板油画
154cmX105cm
2011
刘唯艰 《适应力最强大 》个展
适应力是人类进化史的根本力量/我们在对抗一种事物的同时也在慢慢地适应它/适应力瓦解了人自身的所有力量/是无能与力量的平衡板/适应力让我们无奈也让我们得以继续生存
工业话题
布面丙烯
200x200 cm
2010
周轶伦《啊！》个展
不允许的不一定是不好的
赞美的不一定是美好的
看到的不一定是真实的
自己开心就好
落花流水
布面丙烯油画
390x219cm
2011
呸
布面丙烯油画
179.5x150cm
2011
中国当代艺术的发现者、观察者和参与者
萧 搏《意外》个展
某一天，当我在画画的时候，突然想到了一个词，就顺手写在了墙上 — 意外。隔了两天，我在一本书上看到了培根说的一句话，“所有的绘画都是一场意外”。相隔半个世纪，观念已经不新鲜了，我新鲜了。
造飞机的工厂
布面油画
280x200cm
2010
徐若涛《基础代谢 office》个展
Basic Metabolism Office
基础代谢是指人体在清醒而又极端安静的状态下，不受肌肉活动、环境温度、食物及精神紧张等影响时的能量代谢率。也许吧. . . . . .
肖江《空镜头》个展
琐碎的物质化而日常的场景，同时也因其琐碎的日常性而将现实刺目的本体隔离在外，好像那些一直被隐藏了光源的强烈光线。由这些场景构成的罩子屏蔽了冲突与具有危险感的悬念可能产生的刺点，肖江的空镜头是如此安全，它们制造出一个个现实的“隔层”。
便池
布面丙烯
120x300cm
2009
金 闪 《好死不如赖活》个展
我对绘画没什么想说的。当艺术退缩到某种感觉的说法，所谓生命、时光，很多时候让我觉得就是空虚的废话，尤其是最近，艺术有什么用？
我的这几张绘画，都是平时随便涂出来的，没什么前因后果，这不就是我们想像中最美好的艺术吗？狗屎。
无题(从哪来，回哪去）No.5
布面油画
75x60cm
2011
某一天，当我在画画的时候，突然想到了一个词，就顺手写在了墙上 — 意外。隔了两天，我在一本书上看到了培根说的一句话，“所有的绘画都是一场意外”。相隔半个世纪，观念已经不新鲜了，我新鲜了。
造飞机的工厂
布面油画
280x200cm
2010
徐若涛《基础代谢 office》个展
Basic Metabolism Office
基础代谢是指人体在清醒而又极端安静的状态下，不受肌肉活动、环境温度、食物及精神紧张等影响时的能量代谢率。也许吧. . . . . .
肖江《空镜头》个展
琐碎的物质化而日常的场景，同时也因其琐碎的日常性而将现实刺目的本体隔离在外，好像那些一直被隐藏了光源的强烈光线。由这些场景构成的罩子屏蔽了冲突与具有危险感的悬念可能产生的刺点，肖江的空镜头是如此安全，它们制造出一个个现实的“隔层”。
便池
布面丙烯
120x300cm
2009
金 闪 《好死不如赖活》个展
我对绘画没什么想说的。当艺术退缩到某种感觉的说法，所谓生命、时光，很多时候让我觉得就是空虚的废话，尤其是最近，艺术有什么用？
我的这几张绘画，都是平时随便涂出来的，没什么前因后果，这不就是我们想像中最美好的艺术吗？狗屎。
无题(从哪来，回哪去）No.5
布面油画
75x60cm
2011
中国当代艺术的发现者、观察者和参与者
不就是19个人的会话群站么？！东北人就是会折腾、、、
孙文《域外之鸣》个展
我尊重自身意志以外的单纯性的本能。在现实与自我，时间和空间交替轮转的缝隙当中，在这之间没有目的，意义，和经验的限制，无论如何那是个本来就有的存在物，是在主观与客观之外的一种存在，它是对某种生动而陌生的真实的感知。
无题
纸本设色
54x32cm
2009
林彦玮《就是喜欢你这样》个展
这些原本为小孩们的“童年玩伴” 如今被摆在公园里等待风化，已失去原本用途，成为社区或环境中古怪的装饰品。而它们呆滞的眼神与设定好的微笑，却给我一种诡异的亲和力。我尝试用相机的物性语言和绘画做结合，让画面带有深刻影像感，使影像与绘画本身的仪式性氛围重叠，产生某种迂回与弔诡的观看情境。
就是喜歡你這樣 03
布面油彩
112x162cm
2010
贾蔼力 《隔空纯粹间的虚无》个展
傍晚时分窗外一位叫鲁迅的老头在与普罗米修斯亲切的交谈着，
天边乌云密布，应该是暴风雨要来了，
是啊，暴风雨要来了，而我却忙着隔空这些纯粹间的虚无，
刹时有血于空中降下，淋洗中的青草长出锋利的牙齿……
亓文章 《你是我的四季》个展
我清楚的知道来此的动机与目的，便开始用利斧砍断脚下的荆棘，去寻找那块未曾谋面的石头，虽未曾谋面，却是我似曾相识的形象，一直存活在我的心里，如同无法消除的记忆植入我的身体。我为此思考，为此而整日与孤独为伴。此刻，一种东西击中了我，像卡夫卡坚毅的眼神、“拉斯可尼柯夫”绝望的生活。
无题
布面油画
190x265cm
2009
廖国核《吃饭也是画画》个展
有时候，看起来他在吃饭，其实他是在画画。
秦 琦《蓝鞋带》个展
后背
布上油画
150x120cm
2010
孙逊《帝国进化论 》个展
艺术家在真正接近艺术的瞬间总是狼狈不堪的。
我尊重自身意志以外的单纯性的本能。在现实与自我，时间和空间交替轮转的缝隙当中，在这之间没有目的，意义，和经验的限制，无论如何那是个本来就有的存在物，是在主观与客观之外的一种存在，它是对某种生动而陌生的真实的感知。
无题
纸本设色
54x32cm
2009
林彦玮《就是喜欢你这样》个展
这些原本为小孩们的“童年玩伴” 如今被摆在公园里等待风化，已失去原本用途，成为社区或环境中古怪的装饰品。而它们呆滞的眼神与设定好的微笑，却给我一种诡异的亲和力。我尝试用相机的物性语言和绘画做结合，让画面带有深刻影像感，使影像与绘画本身的仪式性氛围重叠，产生某种迂回与弔诡的观看情境。
就是喜歡你這樣 03
布面油彩
112x162cm
2010
贾蔼力 《隔空纯粹间的虚无》个展
傍晚时分窗外一位叫鲁迅的老头在与普罗米修斯亲切的交谈着，
天边乌云密布，应该是暴风雨要来了，
是啊，暴风雨要来了，而我却忙着隔空这些纯粹间的虚无，
刹时有血于空中降下，淋洗中的青草长出锋利的牙齿……
亓文章 《你是我的四季》个展
我清楚的知道来此的动机与目的，便开始用利斧砍断脚下的荆棘，去寻找那块未曾谋面的石头，虽未曾谋面，却是我似曾相识的形象，一直存活在我的心里，如同无法消除的记忆植入我的身体。我为此思考，为此而整日与孤独为伴。此刻，一种东西击中了我，像卡夫卡坚毅的眼神、“拉斯可尼柯夫”绝望的生活。
无题
布面油画
190x265cm
2009
廖国核《吃饭也是画画》个展
有时候，看起来他在吃饭，其实他是在画画。
秦 琦《蓝鞋带》个展
后背
布上油画
150x120cm
2010
孙逊《帝国进化论 》个展
艺术家在真正接近艺术的瞬间总是狼狈不堪的。
中国当代艺术的发现者、观察者和参与者
图像的解说，技法的差别，得好好去现场看看。
又整这么大，站台的一贯作风
\这年头想折腾折腾还有能力折腾折腾的人也不多了。。。
一个赵刚够了，十九掰不过一个
毫无疑问，32楼是个狭隘的外行
终于看到有实质意义的展览，每个人有不一样的生效。
毫无疑问 34楼是画廊自己说的
个别人还不错，仅限于个别。
关于绘画的十九个个展现场报道
时间：2011-3-12 - 2011-5-31 —— 文/ 郑笑仁
前人栽树后人乘凉。植树节的阳光是如此的温暖，当然还有风。这样惬意的心情很适合去展览上溜上一圈。位于草场地的站台中国今天正好有一个名叫“19个展”的绘画展开幕。我想起来去年的这个时候，他们正在为一个名叫“丛林”的展览忙碌着。闹哄哄的场面，丰富的作品与这次一模一样。它们一个劲地喷涌到我眼前，有一种被按倒的感觉。这也是他们常有的气质。
我看见网络上说，这次展览是上海“38个展”的一个翻版。在我看来，不管是从展览筹划、策展理念，这样的对比都太过于形式化。“19个展”和“38个展”相比不只是短一半的问题。他们压根就不是在一条道上行走的两条人。依我之见，更像是丛林的翻版和继续，当然这一次更直接更明确。这么多人，这么声势浩大的展览，它是否为我们呈现了什么呢？现场那种野草一样的疯狂与城乡结合部似的审美，发散出了那种把人按倒在地的气质。按道理说，“19个展”应该看上去特别丰富与多样才对，可为什么我只有一种被按倒的感觉？是我的感觉出现了问题，还是这些绘画本身就只带着一样的气质？所谓道不同不相为谋，气味相投而走到一起？在这一点上我更相信这不是我的问题，而是这些绘画的原因。只要你亲临现场就会感觉到一股如同“青年宅男”散发的荷尔蒙不停的从画面里、毫无节制地喷射出来。对“坏画”的向往，对凌乱的与大笔触的迷恋，喷洒与块面是最常见的手段。灰暗但还是丰富的色彩要么厚重得用颜料堆砌，要么流淌着只是薄薄的一层。这些画面你们一定不会陌生，一定似曾相识吧？糜烂而带着愤怒，这看上去是感情充沛的褒义之词，但我却不是这么看待的。那么是不是因为这些感觉似曾相识，就应该否定这个展览？是不是因为他们19人都荷尔蒙充沛或者气质相近就要否定这个展览？当然不是，展览本身并不存在什么否定与赞肯，但是这些呈现出来的绘画确实值得反思。在当前流通中绘画过于精致的现状下，这样粗野的口味就是一种进步？恰恰就在于，此种反向的改变其实也是一样的俗气。对于这次展览，我并不为这些绘画表面所呈现出的一种过于像某位成功范例而失望。失望的倒是，在这形式背后光溜溜的只剩下一腔毫无节制的荷尔蒙。俄罗斯文学的形式主义者认为其实故事内容基本上都是一样的，但正是处理形式的细腻区别才造就了不同经典。这些绘画缺少的就是这份相同中不一样的细腻。这份细腻恰恰就是绘画所谓在艺术里的合法性所在之处。也恰恰是因为对这份所谓合法性的认识不足，而并没从现有绘画的图像禁锢中走出来。即便他们画的看上去这么潇洒，却还是在为画什么而苦恼着……
在整个展览中，我不停地反问自己，为什么这19个人不约而同对“糙”与“坏”情有独钟。其中的所谓展现出来的生命气息，更像是专为白墙而生。所以总是带着问号去看待这些画面中因“激情”而带来的生命。所以我一直觉得这样的绘画是另外一种虚脱的绘画。是什么支撑着这样的虚脱不断的继续着？或许还是市场。市场并无好坏，但是一个托着虚脱的市场肯定不是件好事情。
时间：2011-3-12 - 2011-5-31 —— 文/ 郑笑仁
前人栽树后人乘凉。植树节的阳光是如此的温暖，当然还有风。这样惬意的心情很适合去展览上溜上一圈。位于草场地的站台中国今天正好有一个名叫“19个展”的绘画展开幕。我想起来去年的这个时候，他们正在为一个名叫“丛林”的展览忙碌着。闹哄哄的场面，丰富的作品与这次一模一样。它们一个劲地喷涌到我眼前，有一种被按倒的感觉。这也是他们常有的气质。
我看见网络上说，这次展览是上海“38个展”的一个翻版。在我看来，不管是从展览筹划、策展理念，这样的对比都太过于形式化。“19个展”和“38个展”相比不只是短一半的问题。他们压根就不是在一条道上行走的两条人。依我之见，更像是丛林的翻版和继续，当然这一次更直接更明确。这么多人，这么声势浩大的展览，它是否为我们呈现了什么呢？现场那种野草一样的疯狂与城乡结合部似的审美，发散出了那种把人按倒在地的气质。按道理说，“19个展”应该看上去特别丰富与多样才对，可为什么我只有一种被按倒的感觉？是我的感觉出现了问题，还是这些绘画本身就只带着一样的气质？所谓道不同不相为谋，气味相投而走到一起？在这一点上我更相信这不是我的问题，而是这些绘画的原因。只要你亲临现场就会感觉到一股如同“青年宅男”散发的荷尔蒙不停的从画面里、毫无节制地喷射出来。对“坏画”的向往，对凌乱的与大笔触的迷恋，喷洒与块面是最常见的手段。灰暗但还是丰富的色彩要么厚重得用颜料堆砌，要么流淌着只是薄薄的一层。这些画面你们一定不会陌生，一定似曾相识吧？糜烂而带着愤怒，这看上去是感情充沛的褒义之词，但我却不是这么看待的。那么是不是因为这些感觉似曾相识，就应该否定这个展览？是不是因为他们19人都荷尔蒙充沛或者气质相近就要否定这个展览？当然不是，展览本身并不存在什么否定与赞肯，但是这些呈现出来的绘画确实值得反思。在当前流通中绘画过于精致的现状下，这样粗野的口味就是一种进步？恰恰就在于，此种反向的改变其实也是一样的俗气。对于这次展览，我并不为这些绘画表面所呈现出的一种过于像某位成功范例而失望。失望的倒是，在这形式背后光溜溜的只剩下一腔毫无节制的荷尔蒙。俄罗斯文学的形式主义者认为其实故事内容基本上都是一样的，但正是处理形式的细腻区别才造就了不同经典。这些绘画缺少的就是这份相同中不一样的细腻。这份细腻恰恰就是绘画所谓在艺术里的合法性所在之处。也恰恰是因为对这份所谓合法性的认识不足，而并没从现有绘画的图像禁锢中走出来。即便他们画的看上去这么潇洒，却还是在为画什么而苦恼着……
在整个展览中，我不停地反问自己，为什么这19个人不约而同对“糙”与“坏”情有独钟。其中的所谓展现出来的生命气息，更像是专为白墙而生。所以总是带着问号去看待这些画面中因“激情”而带来的生命。所以我一直觉得这样的绘画是另外一种虚脱的绘画。是什么支撑着这样的虚脱不断的继续着？或许还是市场。市场并无好坏，但是一个托着虚脱的市场肯定不是件好事情。
Pedestrian Potentialities?
by Edward Sanderson
19 Solo Shows About Painting
Platform China
319-1 East End Art Zone A, Caochangdi Village,Chaoyang District, 100015 Beijing, China
2011 March 12 - 2011 May 31
Over the last few years Platform China has established a strong programme of shows that display refreshing latitude with respect to exhibition formats and presentation of artworks.
Two highlights from last year included the extravagant group show “Jungle” and “The Third Party”. The former expansive exhibition continually refreshed itself over its two-month run, inviting the starting artists to adapt their installations and also bringing in new artists later in the exhibition. In what seems to have been a precursor to the current trend in Beijing of withdrawing the curator from the process of the show, “Jungle” eschewed the authority of this figure or even a strong theme, leaving the results in the hands of the artists (for better or for worse). At the end of 2010, “The Third Party” (which I reviewed earlier on ArtSlant) represented the opposite stance in relation to curation, with Beatrice Leanza taking, if not centre stage as curator, then at least a dominant role, corralling the large collection of alternative practices.
And so we reach the current offering: “19 Solo Shows About Painting,” produced by the Platform China Contemporary Art Institute as the first of what they propose will be an annual series of shows. Stepping back into curatorially-bereft territory, “19 Solo Shows…” mirrors the format of “Jungle", with an extended collection of artists and a sprawling layout that dominates a large part of Platform China’s two buildings. But this time the focus is squarely on painting and its presentation.
The gallery is divided into multiple more-or-less well-defined rooms or areas, each of which is given over to a single artist. Aside from some interruptions, the spaces are treated fairly simply, with collections of paintings arranged on the walls in mostly innocuous configurations. Many of the artists have politely arranged their works in the space and utilised the provided A4 sheet to give details of their pieces and indicate their locations. The sheet also provides an opportunity for the artists to write a short statement in addition to details about the works.
Overall, the feeling I got from moving through this show was surprisingly flat. “19 Solo Shows…” doesn’t fail to provide plenty to contemplate, but wandering through these rooms I was struck by how unengaged I was. There are the requisite examples of specific objects intended to take the viewer back to a ground zero of form and meaning (for example, Huang Lian’s series of small canvases); paintings from photographs to alienating effect (Lin Yenwei’s ageing statuary in public parks); and the ever-popular “bad” painting. Where a strong attitude was evident (for instance in the scatological works of Liao Guohe), the presentation meant that the results simply faded into the background.
Some artists managed to overcome these conditions and stood out from the crowd. Sun Xun’s ink painting on a long paper scroll was strongly presented, unrolling diagonally across the floor of the grey room, anchored at both ends by breezeblocks and portraying a series of animals in the artist’s characteristically confident brushwork. Li Qing’s take on the legacy of mid-20th century Italian artist Lucio Fontana’s slashed canvases brought the metaphysical into the everyday in a childishly playful way (although possibly too childish). Song Yuanyuan’s self-aware multiplying painted interiors accreted architectural elements and physical deformations of the canvas and Zhou Yilun’s painting/installations displayed a touch of hysteria in their surreal subject matter. Architectural adjustments to the spaces such as a vertically raking wall added an interesting element of viewing instability to Liu Weijian’s otherwise pedestrian works (perhaps echoing an intervention left over from the “Jungle” show – Liang Shuo’s disconcertingly angled treads on Platform’s staircase).
Ultimately, however, these elements had less to do with the paintings themselves and were more related to attempts to work with the format of the show and with possibilities for installation combined with painting. This was implicitly recognised in the title’s significant use of the word “About", which I read as an attempt to shift the meaning of the individual solo shows from simply an exposition of the artists’ works to an investigation of how those works fit into a milieu.
Although large group shows are sometimes welcome, they can end up with the same result one gets with art fairs – providing a concentrated means of seeing many works in one place, but suffering from a tendency towards homogenisation and producing an unwelcome sense of exhaustion in the viewer. “19 Solo Shows About Painting” provides no real surprises with regards to painting itself and left me with little to take home. Beyond the painting, however, the possibilities that this approach alludes to and the fact that institutions like Platform are willing to take such risks is cause for considerable hope.
-- Edward Sanderson
by Edward Sanderson
19 Solo Shows About Painting
Platform China
319-1 East End Art Zone A, Caochangdi Village,Chaoyang District, 100015 Beijing, China
2011 March 12 - 2011 May 31
Over the last few years Platform China has established a strong programme of shows that display refreshing latitude with respect to exhibition formats and presentation of artworks.
Two highlights from last year included the extravagant group show “Jungle” and “The Third Party”. The former expansive exhibition continually refreshed itself over its two-month run, inviting the starting artists to adapt their installations and also bringing in new artists later in the exhibition. In what seems to have been a precursor to the current trend in Beijing of withdrawing the curator from the process of the show, “Jungle” eschewed the authority of this figure or even a strong theme, leaving the results in the hands of the artists (for better or for worse). At the end of 2010, “The Third Party” (which I reviewed earlier on ArtSlant) represented the opposite stance in relation to curation, with Beatrice Leanza taking, if not centre stage as curator, then at least a dominant role, corralling the large collection of alternative practices.
And so we reach the current offering: “19 Solo Shows About Painting,” produced by the Platform China Contemporary Art Institute as the first of what they propose will be an annual series of shows. Stepping back into curatorially-bereft territory, “19 Solo Shows…” mirrors the format of “Jungle", with an extended collection of artists and a sprawling layout that dominates a large part of Platform China’s two buildings. But this time the focus is squarely on painting and its presentation.
The gallery is divided into multiple more-or-less well-defined rooms or areas, each of which is given over to a single artist. Aside from some interruptions, the spaces are treated fairly simply, with collections of paintings arranged on the walls in mostly innocuous configurations. Many of the artists have politely arranged their works in the space and utilised the provided A4 sheet to give details of their pieces and indicate their locations. The sheet also provides an opportunity for the artists to write a short statement in addition to details about the works.
Overall, the feeling I got from moving through this show was surprisingly flat. “19 Solo Shows…” doesn’t fail to provide plenty to contemplate, but wandering through these rooms I was struck by how unengaged I was. There are the requisite examples of specific objects intended to take the viewer back to a ground zero of form and meaning (for example, Huang Lian’s series of small canvases); paintings from photographs to alienating effect (Lin Yenwei’s ageing statuary in public parks); and the ever-popular “bad” painting. Where a strong attitude was evident (for instance in the scatological works of Liao Guohe), the presentation meant that the results simply faded into the background.
Some artists managed to overcome these conditions and stood out from the crowd. Sun Xun’s ink painting on a long paper scroll was strongly presented, unrolling diagonally across the floor of the grey room, anchored at both ends by breezeblocks and portraying a series of animals in the artist’s characteristically confident brushwork. Li Qing’s take on the legacy of mid-20th century Italian artist Lucio Fontana’s slashed canvases brought the metaphysical into the everyday in a childishly playful way (although possibly too childish). Song Yuanyuan’s self-aware multiplying painted interiors accreted architectural elements and physical deformations of the canvas and Zhou Yilun’s painting/installations displayed a touch of hysteria in their surreal subject matter. Architectural adjustments to the spaces such as a vertically raking wall added an interesting element of viewing instability to Liu Weijian’s otherwise pedestrian works (perhaps echoing an intervention left over from the “Jungle” show – Liang Shuo’s disconcertingly angled treads on Platform’s staircase).
Ultimately, however, these elements had less to do with the paintings themselves and were more related to attempts to work with the format of the show and with possibilities for installation combined with painting. This was implicitly recognised in the title’s significant use of the word “About", which I read as an attempt to shift the meaning of the individual solo shows from simply an exposition of the artists’ works to an investigation of how those works fit into a milieu.
Although large group shows are sometimes welcome, they can end up with the same result one gets with art fairs – providing a concentrated means of seeing many works in one place, but suffering from a tendency towards homogenisation and producing an unwelcome sense of exhaustion in the viewer. “19 Solo Shows About Painting” provides no real surprises with regards to painting itself and left me with little to take home. Beyond the painting, however, the possibilities that this approach alludes to and the fact that institutions like Platform are willing to take such risks is cause for considerable hope.
-- Edward Sanderson
bucuobucuo
有点儿眼晕。。。
大家一起浑水摸鱼。
春季北京众多展览中，这个展览绝对牛逼！
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[19楼] guest 2011-4-25 13:16:30 引用 Bobo 收藏 回复 策展理念最扎实、具体、有效的一个展览。
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最近有很多人经常提的一个词“坏画”，希望能把“坏画”解释明白。
“坏画”的反面是“好画”么？
怎么画和画什么，这是一个基本问题么？
“坏画”的反面是“好画”么？
怎么画和画什么，这是一个基本问题么？
[蒲鸿
关于绘画的十九个个展
刊载于《艺术界》第5期
关于绘画的十九个个展，更像是艺术家们的一次课堂习作。通过这次习作，艺术家表达出自己对绘画、艺术和存在的感悟。不知道是否是巧合，这些多数源于日常生活和场景的绘画描绘了一种普遍而类似的体验，“是啊，暴风雨就要来了，而我却忙着隔空这些纯粹间的虚无。”贾蔼力说的这句话很典型地烘托出本次展览的整体气质。
这是一次存在主义感觉十分强烈的展览。肖江的《空镜头》系列和金闪的《好死不如赖活着》取材于日常琐碎细节；林彦玮的《就是喜欢你这样》、孙文的《域外之名》、亓文章的《你是我的四季》和贾蔼力的《隔空纯粹间的虚无》挖掘的是记忆的主题；吴光宇的《移花接木》、秦琦的《蓝丝带》、宋元元的《消极屋》则似乎是用绘画的光影、空间问题上来回答存在的问题。不胜枚举。“我清楚地知道来此的目的和动机，便开始用利斧砍下脚下的荆棘……我为此而思考，为此而整日与孤独相伴。”不可否认，在这条探索的路上，每一位艺术家都是勇敢而真诚的，不过无一例外走向了孤独和虚无的归宿。
我感觉这里的绘画稍显虚无缥缈，就如同踩在云端。存在主义的核心是孤独，但有一个误区，存在主义的孤独是超越自由后的孤独，而不是消极和无奈的孤独。刘唯艰的《适应力最强大》，“适应力是人类最伟大的力量……适应力让我们无奈也让我们得以继续生存。”这一句极其犬儒主义的话形象地道出了消极孤独的实用主义解决之道。因为无奈、渺小，我们什么也干不了，只能适应。
较之于感怀伤世，我更倾向于欣赏廖国核非常低俗的《吃饭也是画画》系列，他的英文标题是“shameless”，也即没有羞耻心的，不要脸的。之所以强烈，因为很少有人像他一样将人类最形而下的事物从禁闭和隐秘的底层翻上来，毫不知羞耻地摆上桌大口啖食。米兰•昆德拉就谈过形而下的问题，他说过一个故事，斯大林的儿子被关在德国人的集中营里，经年累月，后来被发现难看地死在集中营周围的电网上，而自杀的理由是因为他不满别人一次次地说他拉屎很臭。
文明的社会极力抑制形而下的冲动和欲望，会为一次无耻的羞辱而高尚的死去，那么野蛮的社会就会让低俗大行其道，乐此不疲。廖国核绘画中超现实、荒诞、粗鲁、低俗的因子让人感同身受，但他也让我们每个人都该反思反思，对于中国当代艺术家而言，从那个举世闻名的哈欠以来，我们的精神状况是否在本质上有所改观？玩世和艳俗仅仅是泼皮或者群氓的趣味，形而下的低俗更是下降到一种动物性的本能，只有法西斯政权才会将吃屎表现为一种美学，如《索多玛的120天》，也只有野蛮蒙昧的环境才能使人们如动物般地生存和创作。对于我们而言，更重要的不是走向虚无，而是首先知道我们是低俗的，也没法避免成为低俗的。在低俗里找到切切实实的存在感，呼唤我们的时代精神。
关于绘画的十九个个展
刊载于《艺术界》第5期
关于绘画的十九个个展，更像是艺术家们的一次课堂习作。通过这次习作，艺术家表达出自己对绘画、艺术和存在的感悟。不知道是否是巧合，这些多数源于日常生活和场景的绘画描绘了一种普遍而类似的体验，“是啊，暴风雨就要来了，而我却忙着隔空这些纯粹间的虚无。”贾蔼力说的这句话很典型地烘托出本次展览的整体气质。
这是一次存在主义感觉十分强烈的展览。肖江的《空镜头》系列和金闪的《好死不如赖活着》取材于日常琐碎细节；林彦玮的《就是喜欢你这样》、孙文的《域外之名》、亓文章的《你是我的四季》和贾蔼力的《隔空纯粹间的虚无》挖掘的是记忆的主题；吴光宇的《移花接木》、秦琦的《蓝丝带》、宋元元的《消极屋》则似乎是用绘画的光影、空间问题上来回答存在的问题。不胜枚举。“我清楚地知道来此的目的和动机，便开始用利斧砍下脚下的荆棘……我为此而思考，为此而整日与孤独相伴。”不可否认，在这条探索的路上，每一位艺术家都是勇敢而真诚的，不过无一例外走向了孤独和虚无的归宿。
我感觉这里的绘画稍显虚无缥缈，就如同踩在云端。存在主义的核心是孤独，但有一个误区，存在主义的孤独是超越自由后的孤独，而不是消极和无奈的孤独。刘唯艰的《适应力最强大》，“适应力是人类最伟大的力量……适应力让我们无奈也让我们得以继续生存。”这一句极其犬儒主义的话形象地道出了消极孤独的实用主义解决之道。因为无奈、渺小，我们什么也干不了，只能适应。
较之于感怀伤世，我更倾向于欣赏廖国核非常低俗的《吃饭也是画画》系列，他的英文标题是“shameless”，也即没有羞耻心的，不要脸的。之所以强烈，因为很少有人像他一样将人类最形而下的事物从禁闭和隐秘的底层翻上来，毫不知羞耻地摆上桌大口啖食。米兰•昆德拉就谈过形而下的问题，他说过一个故事，斯大林的儿子被关在德国人的集中营里，经年累月，后来被发现难看地死在集中营周围的电网上，而自杀的理由是因为他不满别人一次次地说他拉屎很臭。
文明的社会极力抑制形而下的冲动和欲望，会为一次无耻的羞辱而高尚的死去，那么野蛮的社会就会让低俗大行其道，乐此不疲。廖国核绘画中超现实、荒诞、粗鲁、低俗的因子让人感同身受，但他也让我们每个人都该反思反思，对于中国当代艺术家而言，从那个举世闻名的哈欠以来，我们的精神状况是否在本质上有所改观？玩世和艳俗仅仅是泼皮或者群氓的趣味，形而下的低俗更是下降到一种动物性的本能，只有法西斯政权才会将吃屎表现为一种美学，如《索多玛的120天》，也只有野蛮蒙昧的环境才能使人们如动物般地生存和创作。对于我们而言，更重要的不是走向虚无，而是首先知道我们是低俗的，也没法避免成为低俗的。在低俗里找到切切实实的存在感，呼唤我们的时代精神。
这个展览能看的就是金闪的那段话，足够强足够真实。作品，你说观念，拿得出来吗？你说绘画，有吗？不是艺术家在应付，就是这个站有问题。李青挖的一个坑，意味深长。
关于绘画的十九个个展
— 文/ Iona Whittaker, 译/ 王丹华
这场题目巧妙的展览，是画廊近期在展览策略上实验的产物，本场展览，期望能在展出的作品和当代中国绘画趋势之间，传达出一种内在的联系性，同时又赋予每位艺术家描述自身创作和表达自我的机会。这些描述通过作品旁边的阐述得以传达；每位艺术家都有一个具体的空间，这样他/她的油画就可以放在一起。“关于绘画”既是指创作媒介，又指十九位艺术家每个人的努力。
虽然序言还是很吸引人，大多数作品也是固定的，但展览作品在布置层面上，按理说应该与目标相一致，但实际并没那么具有说服力。十九位艺术家的展览被分配在画廊的两个空间内（站台中国A和B）。一些艺术家自己的“个人展”有效地在空间内发挥了效果，比如徐若涛的“基础代谢office”，一些抽象画挂在小屋子里；再比如林彦玮的“就是喜欢你这样”（2010-2011）， 画的是一些公园中正在风化的动物塑像。其它的一些在空间布置上，给人留下的印象并不那么深刻。吴光宇和黄亮的画作是挨着的，但由于风格和色调上的接近，彼此并没形成良好的呼应。接下来是李青的“一个注解—晚年Fontana”系列（2011），感觉要强烈很多：他的作品有破损的白色画，还有一张中间凹陷的室内布景画，受到的是卢西奥丰塔纳（Lucio Fontana）超自然的空间形式的启发。这些并不连贯的景致中，最有效的线索当属艺术家的个人阐述，正是这样的阐述，将展览中的每组画连接在了一起。
— 文/ Iona Whittaker, 译/ 王丹华
这场题目巧妙的展览，是画廊近期在展览策略上实验的产物，本场展览，期望能在展出的作品和当代中国绘画趋势之间，传达出一种内在的联系性，同时又赋予每位艺术家描述自身创作和表达自我的机会。这些描述通过作品旁边的阐述得以传达；每位艺术家都有一个具体的空间，这样他/她的油画就可以放在一起。“关于绘画”既是指创作媒介，又指十九位艺术家每个人的努力。
虽然序言还是很吸引人，大多数作品也是固定的，但展览作品在布置层面上，按理说应该与目标相一致，但实际并没那么具有说服力。十九位艺术家的展览被分配在画廊的两个空间内（站台中国A和B）。一些艺术家自己的“个人展”有效地在空间内发挥了效果，比如徐若涛的“基础代谢office”，一些抽象画挂在小屋子里；再比如林彦玮的“就是喜欢你这样”（2010-2011）， 画的是一些公园中正在风化的动物塑像。其它的一些在空间布置上，给人留下的印象并不那么深刻。吴光宇和黄亮的画作是挨着的，但由于风格和色调上的接近，彼此并没形成良好的呼应。接下来是李青的“一个注解—晚年Fontana”系列（2011），感觉要强烈很多：他的作品有破损的白色画，还有一张中间凹陷的室内布景画，受到的是卢西奥丰塔纳（Lucio Fontana）超自然的空间形式的启发。这些并不连贯的景致中，最有效的线索当属艺术家的个人阐述，正是这样的阐述，将展览中的每组画连接在了一起。
同一个展览 不同的看法
谁的文章更牛逼 谁的说法最傻逼 ？？？？
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