最牛的艺术家也得为
时尚服务？

来源: 南方网

艺术与商业在现代社会中的关系—合作还是共谋—以各种形式展现在世人眼前。当“路易威登：创意情感”和“黄金时裳：巴黎与伦敦1947至1957年”这两个均以时尚为主题的展览，共同作为第17届“香港法国艺术节”的开幕表演时，艺术与商业在现代社会中的关系—合作还是共谋—也以极为华丽的形式展现在世人眼前。

　　文·谢湘南



在香港艺术馆，LV正在开“个展”——“路易威登：创意情感”。那里正儿八经地展示着LV的发展史、LV的几位御用设计师或艺术家为展览特别创作的作品（村上隆，LV代表作“樱桃系列”、斯蒂芬·斯普劳斯，为LV设计了“俏护士系列”、理查德·普林斯，涂鸦大师，2009年为纪念普林斯逝世5周年，LV将他的玫瑰大花涂鸦用在花押字包上）、未来LV创意基金会美术馆（草图、模型、建筑概念等，由当代建筑大师FrankGehry构思设计）、以及LV创意基金会收藏的不同时期知名当代艺术家的代表作品（比如吉尔伯特与乔治创作于1986年的《阶级战争、激进分子、通道》、AndreasGursky的全景照片、尚—米榭·巴斯奇亚的拼贴四连作《格里娄》、曹斐的三维动画录像《人民城寨：在第二人生的城市规划》、杨福东的电影《竹林七贤》等等）。

　　这一系列展览单元彻底展现了一个商业帝国的艺术蓝图，抑或是艺术（商业？）野心。LV的展览让人们看到最牛逼的艺术家，也得为品牌服务，为时尚助威。村上隆那些用“LV”字符涂抹的油画，就像一个强大品牌的“艺术胭脂”与形象注脚，而他的“樱桃系列”，在艳俗的天真背后，也给人一种“艺术玩偶”的印象。艺术家的语汇成为具有挑逗性的商业符码，艺术家的独创性，在这里也被无限放大为一种商业价值与欲望密码，不禁让人疑惑：艺术家要独立于商业品牌，究竟有多艰难？是创意还是调戏

　　从艺术角度看，此展览最吸引人的部分，无疑是“珍藏与精选”单元。这个单元可看做是艺术基金会行为的小型当代艺术发展史。比如吉尔伯特与乔治的名作《阶级战争、激进分子、通道》。吉尔伯特与乔治“大概是中国观众最熟知的现代艺术家之一”，他们在上世纪九十年代初在中国美术馆的展览，可谓中国当代艺术的现场视觉启蒙。1986年，他们以恢宏的画面展现了他们所思考的主题——一排排直立的手握木棍的男人，大多数是赤裸着上身的劳动者，也有着西装打领带类似知识分子形象的人。背景是梦幻般的城市、鲜花与眼神。通过它我们可以看到具体图像随时代变化而产生的语义的演化，作品在履行批判时也在实施赞美，它既是视觉上的力量与震荡之作，也是意识形态上的思想武器。这样的宏篇，今天被置入“创意情感”的语境，不得不让人有艺术被调戏的感觉。

　　再看曹斐的三维动画录像《人民城寨：在第二人生的城市规划》，这个创作于2007年、6分钟长的动画作品，构造了一个乌托邦城池，营造了一种理想人生的儿化语境。它与《阶级战争、激进分子、通道》其实是不搭的在语义与命名上有着几近一致的泛政治化取向。“人民城寨”让人想起“人民公社”，而“第二人生”则充满进入后现代社会的暗示。给我一个艺术玩具

　　右侧展厅播放的都是影视与录像作品，有多明妮克·贡扎雷斯-佛斯特的《中环》（2001）、杨福东的《竹林七贤》（2003-2007）、还有轮番播放的来自世界各国艺术家们在不同年代拍摄的20多部录像短片，拍摄年代从上世纪40年代初跨越至2008年。一路看下来，印象较深的作品还有克理斯提恩·马克雷制作于2007年的录像作品《交叉火力》，四个屏幕录像投影，循环播放，镜头全是——子弹上膛、扣动扳机、射击、开火、射击、开火——8分钟27秒，全是这种镜头，镜头剪辑自几部不同的电影。艺术家将这些射击声剪辑拼贴成一首具有节奏感的“枪的音乐”与“开火之歌”；还有贝尔特朗·拉维耶的装置《印度皇后II》，因为这个作品形式简单，只运用了霓虹灯和强光；还有理察·普林斯的四张命名为《蓝色牛仔》的照片。

　　当这些毫无共同之处的作品出现在同一个展场时，如果你没有视觉错乱，那真要感谢品牌之力。因为正是有了超级品牌提供的资金，才使它们可以扎堆成一盘艺术杂锦。这些艺术作品在LV的“操控”下，变得极其渺小，像一个个别致玩具，被商业帝国的创意符号尽情地把玩。如果你看到单独的个体，也许会觉得它很牛——它可行批判之事，它可弹劾现实，它可藐视、质疑、戏谑、反讽社会与现实，抑或还可挑衅即有的审美规则，但当它被庞大的商业帝国一手操盘，随意并置，它的语义就会发生改变，或产生歧义，甚至南辕北辙。

　　所谓“创意情感”，或许我们可以把它理解为品牌与艺术的整合、并使艺术在品牌的感召下服务（屈从？）于品牌的情感之路，说好听些，这是一条大众美学的接受之路。就像展览的策划人所说的：“这些合作是艺术和商业关系史上重要的标记。”这种独特的关系也许可以称之为艺术与商业的视觉共进与利益同谋。于是艺术家们纷纷变为时尚推手。

　　或许我们最终不得不抛开“惟艺术的价值判断”，把艺术的难题还给艺术家，让其去直面自身的创作与处境，去与商业帝国进行买与卖的质对。追求创意情感，虽然我们可以爽快地“打着艺术的幌子”，但这最终还是一个生活命题。那时我们不怀疑艺术，也不怀疑时尚

　　半个世纪以前的巴黎与伦敦，可谓真正的品质生活的源头。正在香港文化博物馆展出的“黄金时裳：巴黎与伦敦1947至1957年”展览，正是对品质生活的光彩回放。这个展览恰好也是“路易威登：创意情感”展览的对应。它们展现了两种不同方式的时尚与摩登。如果说“LV展”是一个艺术拼盘式的品牌秀，展现了一个古老品牌的现代设计理念，那么“黄金时裳”则要纯粹得多。它展现的是时尚舞台的断代史，是定制服饰风潮中的一个黄金切面。该展主要以实物、影像、图片的方式，回顾了由1947年ChristianDior推出的著名的“新面貌”（NewLook）系列开始，到1957年Dior逝世为止，时装史上光彩夺目的十年。展览展出的华衣美服超过100套，包括为上流社会及皇室设计的日装、酒会礼服及晚礼服，配合著名时装摄影师CecilBeaton及Richard Avedon的摄影作品，以及其他纪录片、纺织品及档案资料以相互参照。展品则全部来自英国维多利亚阿伯特博物馆。

　　请想象一件件华服背后的故事：比如，此时展现在眼前的一件大红色合成缎的“采米尔”晚礼服，宽边领折下的三粒纽扣，正好是对称的纤腰的饱满的中轴，有着这样细腰的女人的风情出现在晚宴或剧场时，会吸引多少目光与赞美呢？此时，尽管女人的身体已从裙子里抽离，可这张开的礼服仍然有着照亮观众灵魂的神秘气息。让人忍不住要惊叹，这里的每一件礼服都还活着。

　　服饰定制可谓一种真正的“创意情感”，因为它量体裁衣，具有某种青春的蛊惑力。定制过程在布料里注入的不仅仅是手艺，而是设计师的精神，它与我们今天返潮的定制风尚及故作风雅的山寨定制不同，女装裁缝业在Dior时代已经达到顶峰。现场播放的影像不仅可以让人了解当时的定制服装的制作过程，还可以让人感受到当时的时装发布会的现场气氛。从那一张张面孔与一件件在模特儿身上跃动的时装去印证“黄金时代”在个人衣着上的“针线革命”。“Dior的定制服装设计室于1947年2月12日开幕，哄动当时的巴黎。他的设计特点在于丰盈的长裙上，凸显斜肩、丰满的胸部及小蛮腰”——美国版《哈泼时尚》杂志编辑卡美·史劳抓住Dior的特点，说出了“新面貌”的精髓。现场的一套“黑天鹅”晚礼服可以说是Dior给高级时装确立的极难逾越的标准的见证。Dior曾用出色的舰队来形容他的模特儿，现在回过头来看这些现场展出的礼服，的确能感觉到一支独特的舰队在迎面开来。

傻逼，这叫再牛的时尚也得请艺术家来撑腰才装得起胆子

[quote]引用第1楼guest于2009-7-21 23:13:21发表的:
傻逼，这叫再牛的时尚也得请艺术家来撑腰才装得起胆子...[/quote]

你太高见了。。

不管怎么说，反正是混种了。