来源：凤凰艺术  于奇赫

6月4日，里森画廊（Lisson Gallery）推出了艺术家杰森·马丁（Jason Martin）的中国大陆首次个展，呈现艺术家专为此次展览所作的八幅新作。此次展览是对空间、光、时间这些生命基本元素的回归，亦是经历过去一年动荡之 后对生命基点及绘画基础的礼赞。这组作品均由艺术家在其位于葡萄牙的工作室用纯颜料在铝上塑形粘贴而成。

塞尚开启了西方现代主义绘画的发展之路，抛弃了对于客观对象的描摹、转而追求形式本身的价值。之后的野兽主义、表现主义、立体主义者都前仆后继地将客观对象变形、解构，而抽象主义者直接将具象埋进了坟墓，俄国人嘎谢特说到：“艺术家在外部物质世界面前闭上了眼睛，而把视线转向自己灵魂中的主观的风景画。”而在抽象主义者中又出现至上主义、单色画、极少主义和色场绘画，绘画终于以一种简单而直观的形式出现在观者眼前，也宣告了抽象主义绘画走到了尽头。

而后现代主义开始突破视觉的空间性，卢西奥·丰塔纳（Lucio Fontana）在画布上划了一刀，绘画和雕塑的分界线随即变得模糊起来。丰塔纳还发起了一场名为空间主义的运动强调艺术和科学之间的联系，他说“我们不认为艺术和科学是两个截然不同的学科。艺术家早就做了科学家的事情，而科学又影响着艺术。” 丰塔纳为艺术发展注入了一股看似神秘的力量。

▲ Jason Martin，Untitled (Ultramarine blue), 2021，Mixed media on aluminium，Tondo，diameter 144.5 x 15 cm，Tondo，diameter 56 7/8 x 5 7/8 in © Jason Martin，courtesy Lisson Gallery

在丰塔纳去世两年之后，一个叫做杰森·马丁（Jason Martin）在英国的泽西岛上出生了。马丁进入了切尔西艺术学校与伦敦大学金史密斯学院学习艺术，重新开始探索绘画与雕塑的关系。马丁创作的方法被概括为“厚涂画法”（thick impasto）和“态势绘画”（gestural paintings），也就是他的作品是在架上绘画的语境中增加了颜料的厚度，使之在视觉上呈现出雕塑的意味；借助占据超出画布本身的空间，将引导创作的运动痕迹保留在作品中。所以，马丁承接前人衣钵从另一个角度将绘画的边界推向极致，甚至在创作的时候将颜料倒出画面之外。

▲ Jason Martin，Untitled (Quinacridone scarlet)， 2021，Mixed media on aluminium，70 x 200 x 13 cm，27 1/2 x 78 5/8 x 5 in © Jason Martin，courtesy Lisson Gallery

从马丁的作品中也能看到他对于颜色与运动的思考与研究，通过近距离观察他近期在上海的个展可以发现这两者之间的关系。

▲ Jason Martin，Untitled (Ultramarine blue)，2021，Mixed media on aluminium，Tondo，diameter 144.5 x 15 cm，Tondo，diameter 56 7/8 x 5 7/8 in © Jason Martin，courtesy Lisson Gallery

展览中的作品均由马丁在其位于葡萄牙的工作室，用混合的颜料在铝上塑形而成。从颜色来看，作品呈现出暗蓝色、钴紫色、荧光红、荧光粉与猩红色，是由带有颜色的色粉颗粒附着在深灰色的铝制基底上形成的。马丁制作的这种特殊的颜料反映出艺术与化学之间的关系，密实而又饱满，在观者的视野中占据了一个醒目的位置。从形式来看，作品的边框为圆形、长方形、方形，表面有着丰富的褶皱与痕迹，承载着马丁创作时的反复横扫手势，具有了雕塑的质感。

▲ Jason Martin，Untitled (Fluorescent flame red/Rosso laccato)，2021 ，Mixed media on aluminium，103.5 x 85 x 11.5 cm，40 3/4 x 33 3/8 x 4 1/2 in © Jason Martin，courtesy Lisson Gallery

所以这些作品可以看成是一块提拉米苏或是红丝绒蛋糕，而这种比喻也恰恰反映出作品的张力，也就是在视觉上看起来是非常的柔软、丝滑，但是实际上却是凝固而又坚硬的。对于现代主义艺术来说，制造视幻性的方式就在于极力推敲形状和色彩等形式要素：因为正如艺术史家迈克尔·弗雷德（Michael Fried）在1967年写下的《艺术与物性》中说：“形状和色彩都在现代主义作品中设置了一种纯粹的‘光学的’空间错觉，一种诉诸眼睛本身的空间错觉。”而马丁对于平面性的破坏并不依靠视幻性，而是一种真实的错觉，也就是二维向三维转换的过程。

因此，马丁的作品需要放在一个“在场”(presence)的概念中进行讨论。克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）在讨论极简主义雕塑的“在场”时认为，它们是通过非艺术的外表来实现的。但是马丁的作品具有了艺术的外表，也就是继承了抽象主义的遗产。马丁作品中的 “物性”(objecthood)并不是像极简主义那样被凸显，而是被细腻的粉状颜色覆盖了。弗雷德则认为极简主义雕塑的“在场”是一种有关人体比例的完整形体的在场，似乎暗示另一个身体的格式塔。所以马丁的作品选择了站在极简主义的另一个面向，并没有走向弗雷德所说的那种对于“剧场性”的拥抱：画面很多看似无意实则有意的细节，还有颜料的疏密程度与表面质感的对比，都让整个作品产生出一种精神性的指向，似乎可以开启一场通往其他次元的冥想。

马丁通过离散和审慎的干预来拓展其抽象语言的一种尝试联结了他的实践，在破坏的同时又激活了他栖居的表面和空间。他的作品中存在一种与美学领域相关的“感性”，可能会潜在地影响观众的身体和感知状态。观者在马丁作品中的体验的是一种纯粹持续性，不只是对于物性的体验。

此次展览中展出的作品是马丁在2021年创作的。回顾马丁之前的创作可以发现一些金属色的作品，其表面油亮又凝固；表面的痕迹很多，难以溯源创作的始与终。而此次展览中的作品则显得沉稳，表面痕迹相比之前少了很多并富有规律，这或许反映出他对于过去一年动荡之后对生命基点及绘画基础的反思。在美国伊丽莎白·毕肖普(Elizabeth Bishop)译自墨西哥诗人奥克塔维奥帕斯的西班牙诗作《物体与幽灵》中，她写到：“极少的、断断续续的碎片：历史的反面，废墟的创造者，自你的废墟中，你有所创造。”艺术的发展看似扑朔迷离，实则有迹可循，但是能否具有创造性与思想性依旧是艺术的关键。