怀亚特·卡恩:是画还是雕塑?是纯白还是裸露?
发起人:colin2010  回复数:0   浏览数:117   最后更新:2021/02/10 23:02:35 by colin2010
[楼主] colin2010 2021-02-10 23:02:35

来源:artnet


现场图,“怀亚特·卡恩”,伊娃·培森胡柏画廊,Maag Areal,苏黎世,2021 © Wyatt Kahn
图片:Stefan Altenburger,本文图片均致谢艺术家及伊娃·培森胡柏画廊(Galerie Eva Presenhuber,苏黎世 / 纽约)


象你身在苏黎世街头,随意逛进了一间满是纯白墙壁的画廊,下午的阳光过于猛烈,你差点晃神间没注意到墙上正悬挂着这些巨大而纯白的绘画——或者说雕塑——作品。难免会感到好奇的是,这位艺术家是如何将画布变成了有重量、有框架、有形状的三维物件,彼此堆叠?它们的纯白是刻意与周遭融为一体,还是偏偏要将光影作用拉进这艺术游戏?他做的究竟是画,还是雕塑?

现场图,“怀亚特·卡恩”,伊娃·培森胡柏画廊,Maag Areal,苏黎世,2021 © Wyatt Kahn

图片:Stefan Altenburger


近日,伊娃·培森胡柏画廊(Galerie Eva Presenhuber)为纽约艺术家怀亚特·卡恩(Wyatt Kahn)举办的个人展览在苏黎世开幕。怀亚特在疫情纷扰的2020年,做了一些有关“回归”的尝试。展厅中的这些彻头彻尾的纯白新作,仿佛是为了彰显某种空间力量而坚持在色彩方面做减法,颇有种极简主义的隐忍和静默。他说,这不是纯白的画布,这是“裸露”的画布——因为任何稍微涉足美术的人都了解,在作画之前通常需要为画布打底,但这些画布什么处理都没有经历过。因此,对怀亚特而言,“裸露”是更适合的描述,并且既然堆叠的三维构图已经如此混乱——正如2020年的世界和心境——那么,必须用裸露的画布才能与之平衡。

现场图,“怀亚特·卡恩”,伊娃·培森胡柏画廊,Maag Areal,苏黎世,2021 © Wyatt Kahn
图片:Stefan Altenburger

怀亚特在三年前开始实验将画布拆解重组的三维作品。由于难以被界定为任何现有的媒介,怀亚特的作品常常被指代为“墙面作品”(wall-based work)或者“浮雕”(relief)。这是一种粗暴但至少准确的表达。虽然如此,怀亚特却坚持称自己做的是绘画:“我大多时候都将我作品的雕塑部分视为对绘画的重新想象。”

现场图,“怀亚特·卡恩”,伊娃·培森胡柏画廊,Maag Areal,苏黎世,2021 © Wyatt Kahn
图片:Stefan Altenburger


怀亚特的作品中总是藏有对现代主义绘画及雕塑的遗产的互动及批判。例如,在这些最新作品中,《坐着的沐浴者》就是对同名的毕加索画作的指涉。与哈维·奎特曼(Harvey Quaytman)笔下令人晕眩的形状,以及“支架/表面”运动(The Supports/Surfaces Movement)的策略相似,怀亚特跨越了从前作品中在水平方向摇摆辐射的平面,进一步呈现彼此上下堆叠、彼此遮挡,让图像的物理深度和阴影透视变得更加复杂。

现场图,“怀亚特·卡恩”,伊娃·培森胡柏画廊,Maag Areal,苏黎世,2021 © Wyatt Kahn
图片:Stefan Altenburger

与他作品的巨大尺幅带来的有关工作流程的想象相反,他从来都是靠一个人,一双手,完成自己的所有作品。没有助手的参与,也没有工厂化的效率。“我认为,一件艺术品的很多含义都来自其制作方式,因此我的手所犯下的失误或成就,都是该作品含义的很大一部分。”


这与他一直以来秉承的“手的智慧”概念有关。怀亚特认为,用头脑去思忖作品的形式或概念,会让人陷入焦虑的情绪陷阱,会想要持续修改、擦除、重做作品,以达到某种完美。然而,如果赋予艺术家的手足够的自由,创作可以不受人类情绪的困扰。“(我的手)具有无忧无虑地探寻创作边界的智慧能量,并具有优雅而美丽地将信息传递到作品中的能力。”怀亚特如是说。

以下是artnet新闻与艺术家怀亚特·卡恩的专访全文。


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怀亚特·卡恩

怀亚特·卡恩 © Phoebe d’Heurle

Q:展览中所有的作品都是您于去年创作的。在疫情影响工作日程、旅行计划等等方面的同时,你的艺术创作实践是否由此而受到改变?最大的挑战是什么?

A:纽约三个月之久的封锁让我完全孤立,这影响到了我的实践。幸运的是,我还能去我的工作室,但是我在那里度过的时间甚至比从前还要更孤独。没有社交互动,也没有工作方面的要求。我一个人,在这充满不确定性和焦虑的时期中工作,唯一的重心就是试图创作出能够捕捉我当下感受的作品。这是一次很困难的尝试,在此期间也有很多失败的作品。我不得不扔掉几幅画;很难保持乐观的心态。但最后,一切都还是值得的。所有被扔掉的画都引领我创作了这些新作品。我在精神上的感觉,由这些作品从物质上表现出来了。他们呈现出当下混乱与堆积的特质。

怀亚特·卡恩在工作室

怀亚特·卡恩,《堆叠(本的梦)》(Piled Up [Ben’s Dream]),2020,亚麻布于亚麻布上,画板,186 x 181 x 19.5 厘米 / 73 1/4 x 71 1/4 x 7 3/4 英寸 © Wyatt Kahn

Q:展览中许多作品的标题都令人充满好奇。可以跟我们分享一下您在为作品起名时的思考过程吗?例如《坐着的沐浴者》(Seated Bather)?

A:我过去经常以系列来命名作品,因此整个系列在作品名方面具有一致性。例如,我所有的主打作品都叫做《无题》(Untitled),许多早期的布面作品都以“er”结尾,例如《回归者》(Returner)、《走路的人》(Walker)等。但是,在过去的一年中,我开始强烈感觉到,这种做法对我自己、观众和作品本身都是无益的。在疫情封锁期间,我在三月和四月花了一段时间,想了想曾指导过我的几位艺术家,例如伊丽莎白·默里(Elizabeth Murray)、托尼·费赫尔(Tony Feher)和埃斯沃兹·凯利(Ellsworth Kelly)。他们都谈到过真诚、真实或诚挚。他们每个人用了不同的词,但却都在创作或谈论作品时提及了“真”的重要性。我真的往心里去了,尤其是起标题的时候。

怀亚特·卡恩,《坐着的沐浴者》(Seated Bather),2020,亚麻布于亚麻布上,画板,239 x 193 x 12.5 厘米 / 94 x 76 x 5 英寸 © Wyatt Kahn

《坐着的沐浴者》是对同名毕加索画作的指涉,以及雷诺阿和德加的早期画作。我不仅受到了毕加索绘画形式的启发(尤其是沐浴者的静态形式),而且我还对其与去年我的隔离和缺乏安全感之间的关联感兴趣。展览中每件作品的标题都在谈论一种相似的经历,甚至包括那些《无题》绘画。

Q:我们在本次展览中看到的都是全白色作品,它在画廊典型的白色立方体空间中营造出了一种迷人的氛围。您是否故意去除了从前作品中存在的所有其他颜色?为什么这样做呢?

A:是的,回归空白画布是一个非常特意的决定。我喜欢把它们想成是“裸露”(bare)的,因为我没有使它们变白,而是让它们保持原状,没有上底浆和石膏底料。我认为这将这些物件置于一种困境。一方面,它们是已全部完成的物件,另一方面,它们有一种材料(画布)正处于通常被认为是未完成或待处理的状态——因为通常我们会为其打底或上石膏底料。我觉得这抓住了当下的本质。尽管去年我们看到有一些解决方案,但仍还有许多问题尚未解决或正在处理中。我认为,我们处在变革的重要时刻,其中很多事都尚未完成。既有一种极大的焦虑感,也有难以置信的希望和美丽。我真的希望这些作品能体现所有这些感受。

怀亚特·卡恩,《阴影》(Shadow),2020,亚麻布于亚麻布上,画板,223.5 x 195.5 x 12 厘米 / 88 x 77 x 4 3/4 英寸 © Wyatt Kahn

我也确实考虑过我在2012年创作的第一批作品,是用类似的材料制成的。而我喜欢回归的概念,反思自身以及我的实践,并试图将多年来的所有动机和研究集中到这个特定的创作系列中。从某种意义上说,我希望这些作品能够与早期作品直接联系起来,并能总结我所做的所有作品。从形式上讲,往这些作品上添加任何其他信息——例如颜色——可能会干扰它们与我的创作实践之间关系的特定性。它们已经很混乱了,而且充满野心,我觉得需要裸露的画布才能保持平衡。

Q:您是何时,在什么情况下,开始通过多个画板增加层次感,制作您标志性的3D绘画作品的?

A:我已经研究多层次绘画有三年了。最开始,这是一种以新方法运用重复形式的方式,也能将颜料放在一层上,同时与裸露的另一层画布进行对比。但是,如今是我第一次制作和展示这种作品——这里,层次的存在是为了创造能代表某种标记笔触方式的抽象。

怀亚特·卡恩,《无题》(Untitled),2020,亚麻布于亚麻布上,画板,219.5 x 188 x 17 厘米 / 86 1/2 x 74 x 6 3/4 英寸 © Wyatt Kahn

Q:您的作品通常被宽泛地定义为“墙面作品”(wall-based work),因为它们和许多现有类别都不兼容。您自己会如何描述您创作的媒介?

A:我认为,我的作品使用了绘画的材料,并直接与那个(绘画的)历史互动。但是,它确实利用了雕塑的一些工艺和技术考虑。不过,切割面板的动作彻头彻尾地就像是在空间中画画似的。因此,我大多时候都将我作品的雕塑部分视为对绘画的重新想象,作为预备绘画的一方面。总而言之,我总是把我的作品当作绘画。

怀亚特·卡恩,《头奖》(Jackpot),2020,亚麻布于亚麻布上,画板,124 x 118.5 x 25 厘米 / 48 3/4 x 46 3/4 x 9 3/4 英寸 © Wyatt Kahn

Q:您作品的大尺幅起着怎样的作用?这一点为您的创作增加了意义吗?

A:最初,我希望这些作品能代表人物,所以我或多或少地将它们做成了符合人类比例的作品。但是,随着我对它们作为悬挂在墙壁上的物件与墙的关系,以及它们所占据的房间空间的关系,越来越感兴趣之后,它们的尺幅开始渐渐变大。这些近期的作品,又重新变得接近人类的尺寸,但是一旦添加了抽象浮雕元素,我的作品则在所有三个维度上都呈指数型增长。尺幅只是我创作方式的副产品。我手工制作所有的作品,以便显示所有的错误和不一致之处。这对我来说非常重要。而手工绷画板,最小也不会做到特别小。

怀亚特·卡恩,《还有一个月》(A Month Away),2020,亚麻布于亚麻布上,画板,250 x 170 x 18 厘米 / 98 1/2 x 67 x 7 英寸 © Wyatt Kahn

Q:您在视频中讨论了“手的智慧”这一概念。这在哪些方面影响您的创作?

A:正如我所说,我的作品全都是手工完成的。我认为,一件艺术品的很多含义都来自其制作方式,因此我的手所犯下的失误或成就,都是该作品含义的很大一部分。考虑作品的形式或概念很容易让我会陷入焦虑或神经紧张,但双手可以不受此困扰。它们具有无忧无虑地探寻创作边界的智慧能量,并具有优雅而美丽地将信息传递到作品中的能力——如果我的脑袋干预了,它们可能会被破坏。我已经学会了何时让双手动用自己的智慧。

怀亚特·卡恩在工作室

Q:您的创作实践似乎需要很高密度的劳动。您是完全独立工作,还是在他人的协助下进行创作的?

A:我独立创作艺术。当然,在处理大型作品时,如果我自己无法移动或者抬起一件作品,我有助手会帮忙让我能完成作品所需的部件。但我真的希望我的作品能由我自己的手完成。我认为就我的创作而言,这会带来更大的工作量。同时,通过让我与作品非常紧密地联系和互动,这也有助于我获得新作品的灵感。

怀亚特·卡恩,《无题》,2020,亚麻布于亚麻布上,画板,134 x 179 x 23 厘米 / 52 3/4 x 70 1/2 x 9 英寸 © Wyatt Kahn


Q:您最希望观众了解您的创作过程中的哪一部分?

A:或许是我创造每件作品所需的图纸数量吧。第一张素描可能非常粗糙,通常都是我在家或在工作室做其他事情的时候出现的。因此,它几乎是无法读懂的,但或多或少能提醒我当下的想法是什么。从那开始,我会一遍又一遍地画它。我甚至会在泡沫板或纸板上按比例绘制,以感受所有元素的形态。作品完成了,它仍然拥有自己的生命。成品很少与任何准备阶段的图纸保持一致,但正是这些图纸帮助我到达终点。这是我的创作过程的重要组成部分,但很少被大家所知晓和认可其重要性。


文丨Zini Zhao

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