70后绘画:无法“被流行”的复杂性
发起人:小白小白  回复数:0   浏览数:152   最后更新:2021/01/25 10:39:25 by 小白小白
[楼主] 小白小白 2021-01-25 10:39:25

来源:Hi艺术  裴刚


他们同为70后一代。


他们都已是不惑之年,进入艺术生涯的成熟时期。


他们形成了各自内在的绘画语言系统,不在变幻不断的流行话语里寻找绘画的力量。


他们不同于自85新潮美术始,由艺术理论家和艺术家群体共同推动形成的群体化艺术现象,而各自逐渐形成个人化的语言系统。


他们没有被现象化、潮流化的批评概念所定义,而在他们逐渐成熟,具备深度的作品中呈现出一种复杂性。

由左至右:宋琨、韦嘉、仇晓飞、康海涛 四位70后艺术家


逐渐形成的“复杂性”


康海涛、仇晓飞、宋琨、韦嘉四位70后艺术家共同出现在同一个展览中。在2020年至2021年展跨年的时间点,展览“绘画:宏”中呈现出试图开启、讨论新一代绘画的策展意图。也从这四位艺术家的工作方法、作品去观察这种复杂性。


“这种复杂性,英文sophisticated中包含着成熟、老练、复杂、格调、讲究等等意涵。”鲍栋从这种复杂性中观察70后一代艺术家面貌,还可以例举出多位艺术家:李松松、谢南星、王光乐、梁远苇、陈可、欧阳春、黄宇兴、贾霭力等等。

宋琨 赛博格躯体-U 布面油画 270x125cm 2018


他们的作品中既可以看到来自绘画传统的遗产,又有西方现代主义以来从观念到形式不断相互渗透,感知与经验共同作用的复杂气息。


“康海涛、韦嘉都在大学教书,仇晓飞、宋琨都是中央美术学院油画系毕业。从他们毕业到现在也差不多有20年左右的时间了。”鲍栋分析,这一代艺术家都有着来自学院的教育背景,但不是学院的叛逆者。他们多数人,首度个展都在画廊里(而不是在美术馆或自我组织),即进入职业艺术家的状态。他们无需象上一代艺术家那样去抗争,才能获得表达的空间。

仇晓飞  《卧床见神》  布面丙烯  220x300cm  2014


“同样具有这种复杂性的60后艺术家中,王音、王兴伟相较与同年龄段的玩世现实、政治波普的观念绘画等,被认知要晚10年了。”鲍栋在分析这一现象的脉络时感到,这些艺术家更喜欢被人同为画家的身份。他们更强调绘画自身的特殊性,从中西方的绘画传统和中国当代的现实语境中转换出个人的工作方向和语言系统。

康海涛 《无题》布面丙烯  118×160 cm  2020


“他们都由传统的学院教育进入当代艺术的系统,伴随着中国当代艺术系统的建构。”策展人鲍栋把1970年中段至1980年中段之间的一代艺术家作为一个代际,这一代人也恰好伴随着2000年至2012年之间的这段中国当代艺术系统的“质变期”成长起来。并在这个相对自足的系统中获得资源,形成个人化的语言系统。


策展人鲍栋首先从一个相对宏观的整体视野中面对绘画,把绘画实践放到历史脉络下,并把绘画理解为一种从整体上观看/理解世界的行动。

韦嘉 My Sun 布面丙烯 220x190cm 2018


“绘画:宏”的四位艺术家康海涛、仇晓飞、宋琨、韦嘉把对艺术整体的宏观把握,渗透到精微的形象表现之上,以自己的灵魂,通过绘画,或绘画行为本身,去捕捉、发掘、体验生命的本质;他们追求艺术在技术与精神层面的自由自在,不断寻求绘画语言的突破,进而获得个人精神与意识更宽广的延伸。虽然在探索艺术表达的过程中,各自形成了迥异的绘画观,他们从不同的层面展示出个人与当代社会的精神碰撞;又以强烈的个体意识,自觉自主地呈现出一种反映现实世界、自我认知以及精神超越的境界。四位艺术家以其独特性和自在性的方式,再现绘画“灵光”,为当代绘画艺术的演进提供了丰富而生动的个案和样本。


广东美术馆丰富的空间错落关系,不同于常见的白盒子空间。四位艺术家作品分割在丰富的不同空间中,作品与空间相互作用下产生种种的可能性。

艺术家 宋琨(作品雅昌拍卖指数↑9867


宋琨(1977——)

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“以肉眼纪录的现实形象,中规中矩的写实不在我的兴趣范围。”宋琨喜欢看的电影是科幻、玄幻、魔幻片儿,纪录片或现实题材不在她的兴趣之列。


早期,宋琨从《365——绘画日记》开始,就用非常高超的灰色调画自己每天的生活。自尤伦斯当代艺术中心的个展“千吻之深”(2012 年)和“阿修罗净界”系列(2015 年)之后,公众在她的作品中看到融合实验音乐、亚文化、人机一体而产生赛博格(Cyborg)文化意味的状态。


宋琨 浪 音乐影像 2019 展览现场


宋琨开始持续探索城市扩张的进程,如何影响、改变着人们的生存现实。但对于她这个过程一直是在“日常经验和超现实层面里穿梭进行”。


宋琨把同一脉络的三个系列:“千吻之深”(2012年),“阿修罗净界”(2015年),“泛灵净界”(2018年-至今)中的女性身体形象,一直作为她创作的主要的载体(从不断发展的生存体验到造型上新的美学可能)。“针对当下信息多元化、工业社会极端秩序和理性对人类和原始自然世界的进一步控制,我感兴趣当代社会这些混合矛盾带来的感知力,有时会比较Emo、不那么容易界定。”宋琨如是说。

宋琨 禁忌-唇封 No.2绘画装置,布面油画,镭射皮带,亚克力罩 60x45cm 2018 展览现场


“泛灵净界”来自佛教“琉璃净土”的观念:“人所想象不到的、自性发光的东方净土世界”。宋琨塑造了一系列人物及混合生物形象: “属灵世界的人”、“赛博格躯体”、“水、液态物质”及“自然生物/仿生人造物”等。语言上结合了中国禅画水墨的笔法、留白及液体物态、还有硬边写实,赛博格、SD/BJD关节人形,捆绑SM等造型元素,在这些现实背景里她希望提纯“自性关照和透明”的灵性属性。

宋琨 赛博格躯体-层级错位 布面油画、亚克力罩、金属铁链 360x125cm 2019


“宋琨的学院造型能力,她对于人物肖像、人体,以及对衣纹线条的把握呈现出古典气息,但用来表达的观念和主题有非常酷。”在鲍栋看来以类似新人类为对象的绘画,易于陷落肤浅流行化。但宋琨把传统油画中蕴含的人文主义与“酷炫”的新新人类文化相互融合,反而获得一种脱离世俗的崇高感。

宋琨 《浪潮 No.1》 布面油画 90x125cm 2018


宋琨的绘画语言和风格来自于学院中所保留的古典主义,但她绘画的主题则有关当代亚文化中的塞博格人类,古典绘画的节制与优雅,亚文化的时尚与酷,宋琨的作品把这两者奇妙的结合在了一起。学院古典的高级灰色调转换成了科技感的银灰,古典素描的精确线描转换成为了工业造物的冷峻,古代绘画中的人物姿势与衣纹处理被用来展现未来人类的万千Pose。反过来,正是这些古典美学的因素使宋琨画面上的人类透露着一种近乎宗教感的宿命与庄严,也让宋琨的绘画在未来想象的主题下延续着人文主义的深度。


艺术家 仇晓飞(作品雅昌拍卖指数↑38517


仇晓飞(1977——)

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“仇晓飞早期的作品,关注图像的物质形式而不是内容。因此,摆脱了当时学院教育里的现实主义绘画的一套工作方法。他直接把照片画成了照片本身。”鲍栋认为当时仇晓飞并不关注图像中的社会含义和内容,而是把照片像静物一样画出来。这与当时的玩世现实主义、政治波普等潮流形成了差异。

仇晓飞作品 展览现场


这次展览展出的仇晓飞作品是2014年在佩斯-北京个展“南柯解酲”的作品。“作品的核心是关于人的焦虑与矛盾,非理性行为的两种状态。我用‘梦’和‘醉’来形容它们。它不能被理性所消化,不能被意志所征服,像每个人面对社会时的义肢,越生物性,就越贴近人的特性。”仇晓飞称自己在“记忆和幻觉”的方向上思考了很久,也一直在这几点中尝试去理解绘画的历史,包括绘画中的时间性—画家度过的时间和绘画图像中所展现的时间,有点像电影中的时间轴。甚至可以《记忆、幻觉与绘画史》为主题做专题研究。


“个人感悟是促成这些绘画的动因,但是它们不是绘画本身。绘画本身是要在生物性和线条之间找到关联,静谧的颜色与氛围之间找到关联,那些人的基本情感才能寄情于其中。”仇晓飞这次展出的作品呈现出绘画与空间的复杂关系,把无法捕捉的记忆与幻觉等非理性的个人感悟,转换为工作方法。

仇晓飞 《灯绳影线》 布面丙烯、木头、灯、绳 400x300cm(绘画);350cm(灯架)  2013


“绘画是从另一种维度来揭示具体,通过形、色与质感,不是对眼前的现实直接加工,这一点与摄影不同。绘画的宏大还是与它的历史相关,是人类世代连续不断的行为。”仇晓飞认为绘画的历史非常长,与其它媒介不同,个人表达即意味着对绘画语言遗产的清理,每个人都会从微观与宏观两个角度去看待自身,所以他认为绘画和“宏”之间是个矛盾,也是一种张力。

仇晓飞 解酲 木头、画布、金属、灯 不规则尺寸 2014


仇晓飞的绘画始终有两个端点,画的物性与人的心理,中间是跨越历史、象征、图像、记忆的庞大复杂性。这使得他在每一个系列,甚至每一张作品中,都把自己带进一个迷宫,以保持对结果的无知。在他2014年的作品中,迷宫的起点被设定为既定的图像形象、画框形状、底图色彩及照明环境,仇晓飞从作为他律的物出发,而最终抵达了一系列陌生的形式。其超现实主义特征的工作方式,在这里似乎具体化为了框架与绳索,既是对于秩序与破坏,也是关于构建与连接的象征。


这次展出的作品是仇晓飞5年前的状态,在今年的新作品中仇晓飞的创作开始转向对“文化原型”的关注。“他在理性与非理性之间,这种感性状态对于他而言是绘画的精神,绘画的秩序和物的状态。”鲍栋从他展出的最新作品中看到有关历史与个人想象更为具体的倾向,或者称之为“颗粒度变得更加的细微”


艺术家 康海涛艺术家(作品雅昌拍卖指数↑32059


康海涛(1976——)

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“我觉得这个展览呈现的是艺术家以个体的方式去关注我们与这个世界的关系,而不仅仅只是关心自己这个小我。”康海涛在面对自己绘画的时候,尽量让自己的头脑保持一种“空“的状态,更多的去掉自己一些有意识部分、或者说先入为主的想法,力图让自我深层的意识显现出来。康海涛引用佛学中称之为“真心”的显现。这样的意识才会产生创造力,它更加整体,包涵的信息更多、更广。而思想则来自于记忆,它是支离破碎的感觉的残余物,是有限的感知,它的功能是认知和分析,作用于艺术则是有限的。

康海涛 《隐秘汇合》 纸板丙烯、墨 175x252cm 2017-2018


“康海涛的工作方式很讲究类似层层罩染积墨的方式,他大多数作品选择夜景的人工光线,或者镜子反射出的光。”鲍栋在与康海涛的交流中看到他创作状态的从容。康海涛的作品有大尺度的风景,亦有抽象或无法言说的图像,其中种种的情绪都隐涵表象的静谧之中。

康海涛 南方的镜子 纸板丙烯、墨 145x250cm 2017


夜景这个题材对于康海涛来说只是一个借口,他着意的是光,在夜景中,光因为稀缺而成为主角,并且几乎盖过所有的物体,独自出场。夜晚的光线大都是灯光,和白天的普照天光相比,灯光总是具体的、有限的,不管是角度还是范围。康海涛选择的都是一些布光感很强的场景,与之相关,他的绘画也带上了强烈的摄影气息。但他的作品并不属于那些制图式的影像绘画,因为要描绘光本身,空间、物体、色彩与笔触都是透明的,也是离散的,它们似乎没有骨架或外壳,只是无止境的积聚在画面上,形成了一种没有外形的巨大量感,一种可以感知但又无法被表达的存在。于是,在这些绘画中,一种古老的存在论疑问被唤醒了:暗与光、混沌与秩序、繁复与空灵。


艺术家 韦嘉(作品雅昌拍卖指数是与上季持平的


韦嘉(1975——)

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“我们四个人在过去20年里头,都是在绘画层面上非常有特点的,他们都是我在不同时期的同学。康海涛是我附中的同学,宋琨、晓飞是我大学的同学。”韦嘉在这20年来的创作历程中,越来越清晰的把握着自己创作的脉络和更为适合自己的工作方式。

韦嘉 《大卫》 布面油画 220x180cm 2020


“他是中央美术学院版画系石版工作室毕业,早期青春主题的作品带有叙事和抒情。从5年前开始变化,尤其是近两年,他的布面绘画和石版作品差异也非常大,布面绘画的绘画性爆发出来。”鲍栋说此次展览的作品中有韦嘉2020年创作的作品。

韦嘉 春深 布面丙烯 280x200cm 2018


近几年来,韦嘉的绘画逐渐清空了叙述与象征,也几乎去除了外在的主题设定,他完全回到了肖像与人体这类画室题材,图像性被控制在最低,绘画性则被激发到最大。什么是绘画性?在韦嘉这里体现为形体塑造与笔触表现的双重变奏,形体经常从笔触中呼之欲出,而又适时的消隐在稠厚的颜料之中。在他最新的作品中,身体既是对象,也是主体,身体最终被再现了出来,身体性也在绘画过程中时时在场。在狂暴但又幽深的画面下,韦嘉通过调节着感性与物性来平衡着认知与本能。

韦嘉 《围观世界》 布面丙烯 150x185cm 2020


对话
对话人物:广东美术馆馆长 王绍强
编者:雅昌艺术网 裴刚


雅昌艺术网:此次展览“绘画:宏”的四位70后艺术家联展对于美术馆的学术研究之间是怎样的关系?

王绍强:这次展出仇晓飞、康海涛、宋琨、韦嘉四位艺术家的作品,大多是近5年来的新作,并且呈现出这一代艺术家对文化艺术领域崭新的视角。


青年艺术家的创作是广东美术馆长期关注、梳理、研究的领域,我们拥有7号空间•广东美术馆青年艺术家学术提名展“的品牌项目,我们还举办过“青年力量”等群展,对青年艺术家的创作状态进行深度的梳理,此次展览同样是我们进一步深化对青年艺术家研究的重要举措,我们希望能够呈现并梳理某些新的现象和表达。


因此我们邀请了鲍栋先生来策划展览,希望能够通过这四位青年艺术家的作品,为观众还原中国当代艺术生态的复杂性。

宋琨  净土风景 布面油画 140x360cm 2015

雅昌艺术网:这您对这四位70后艺术家此次的参展作品整体印象是怎样的?

王绍强:这次参展的作品,呈现出了艺术和语言表达上的新取向、新视角、新状态。他们把对艺术整体的宏观把握,用精微的形象表现出来。


在他们的绘画中,我们可以看到一种捕捉、发掘、体验生命本质的敏锐触觉。同时他们也在追求技术和精神上的自由表达,不断寻求绘画语言的突破。虽然他们4位艺术家在探索表达的过程中,形成了各自迥异的风格形式和绘画观念,从不同的层面为我们展示个人与当代生活状态的某种碰撞,但他们始终,以强烈的个人意识,通过绘画的媒介,为观众呈现出一种反映现实世界、自我认知以及精神超越的境界。

仇晓飞作品 展览现场

雅昌艺术网:这几位艺术家都是已近中年的成熟状态,在今天当代艺术的语境下,有哪些特质?

王绍强:这次参展的四位艺术家是在中国现代化发展进程中变化最快的阶段成长起来的,他们看待和理解世界的方式,似乎脱离了一种固化的本质主义的模式,他们的经验,使他们始终保持着一种对新生事物的敏感。从他们的绘画中,你能感觉到,在中国当代艺术的语境下,如何用再现、表现、形式,以及具象、抽象去划分绘画的形态好像已经变得不那么重要,这些固化的标签无法解释他们的作品,也无法解释绘画在中国的多样性。就像这次展览的主题“宏”一样,我们确实需要一个宏观的视角,去把握这些作品本身的“宏大”。

康海涛 一隅 纸板丙烯 164.6x131.7cm 2019

雅昌艺术网:这四位艺术家依然以绘画的方式表现出新的语言,又无法归类,您如何看这样的多义性或复杂性?

王绍强:其实展览主题里的“宏”,就包含了四位艺术家绘画语言的多义性和复杂性。在当代艺术的语境下,他们用绘画经验与理论知识去绘画,绘制出一种需要去观看而不是去解释的画面。


邱晓飞的画面更像是对精神与物质的原型的一种追溯;韦嘉的作品在颜料、笔触、身体与空间之间搏斗;宋琨的作品试图在古典造型与当代的、甚至具有未来感的身体表达之间进行联系;而康海涛用笔墨渲染来表达夜和光的风景。


他们四位拥有各自风格的绘画,共通点是都同时带有古典主义和当代的气息。四位艺术家的作品都有运用新的语言,但这些作品中的古典性才是最能体现当代性的部分,古典性的核心是整体理解并承担世界,这正是今天的绘画及艺术最前卫的事情。

韦嘉 无名 布面丙烯 200x120cm 2019

结语

70后一代艺术家形成的个人化语言系统和逐渐成熟的创作面貌,使得他们不被市场快速消费,而进入稳定持续的状态。
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