来源：巴塞尔艺术展
2020年转眼已经年尾，往年的这个时候全球的艺术观众都已经纷纷涌向南佛罗里达州的迈阿密海滩，与全城的艺术机构和艺廊临时展览空间共同庆祝艺术世界每年的最后一大节日。今年的迈阿密海滩虽然没有往年那般的繁忙，然而一场艺术盛宴 — 迈阿密艺术周 — 早就在11月拉开序幕。南佛罗里达州的主要艺术机构将于迈阿密艺术周举行期间，举办超过50个实体及网上展览与活动。今晚11点，2020年巴塞尔艺术展的最后一个网上展厅：迈阿密海滩也将对贵宾预先揭幕。
在迈阿密海滩展会中，“青艺初见”与“新锐探寻”是两大展示年轻艺术新晋力量的展区。今年虽然无法在展会中亲眼目睹这些作品，但网上展厅依旧不会让你错过发掘艺术家的机会。从个人展位到精心策划的呈现，让我们一起先从年轻力量开始走进此次的网上展厅。
《Red Summer Edit (Beach Arrests)》（2018）细节，Santiago Mostyn，图片由艺术家和Andréhn-Schiptjenko艺廊提供
Santiago Mostyn既是一名艺术家，也同时是电影制作人。他在津巴布韦和特立尼达和多巴哥的成长经历激发了他的创作灵感。由Andréhn-Schiptjenko 艺廊呈现的《Red Summer Edit》系列展现了艺术家对在两个不同的政治背景下思考黑人形象：美国的晚期资本主义以及南非和加勒比地区的后殖民民粹主义，这也在作品《Red Summer Edit（Beach Arrests）》中精确地体现出来。作品展示了他在纽约罗卡韦海滩拍摄的两名被逮捕黑人男孩的彩色照片，照片被挂在墙上，而墙上的背景正是1921年俄克拉何马州塔尔萨、1965年纽约哈莱姆和华盛顿特区种族暴力的黑白档案照片。
《I Bind You Nancy》（2020），Natalie Ball，图片由艺术家和Half艺廊提供
同样探索文化归属的还有Natalie Ball，她的作品由纽约的Half艺廊（Half Gallery）展出。作为黑人和美国原住民，在艺术家的实践中，她回收了与本土文化有关的材料，如鹿脊、串珠鹿皮鞋和人的头发，并将它们组合成栩栩如生的雕塑作品。由这些材料创作而成的雕塑作品让艺术家得以直接抨击在西方和欧洲对美国原住民的刻板印象。
《Govan-Mbeki Road, Khayelitsha》（2020），Igshaan Adams，图片由艺术家和blank projects艺廊提供
Natalie Ball重新使用象征性材料来创作，而南非艺术家Igshaan Adams对这些材料进行了重新诠释。来自南非开普敦的blank projects艺廊将呈现Adams的精致挂毯作品，艺术家发现这种作品是源于在开普敦普通黑人家中的地板。他用玻璃和石头珠子、木头、塑料、链条和贝壳，重现这些材料并放大了地板的结构，包括磨损和撕裂的痕迹。作品不仅讲述了生活经历，或许更重要的是，也代表了南非的阶级结构和种族隔离。Adams将个人的故事进行抽象化处理，进而创造出一个引发全新叙述的空间。
《Chair [ xiii ] (Stand Up) (Ja Rule)》（2019）细节，Dozie Kanu，图片由艺术家和Project Native Informant艺廊提供
尼日利亚裔美国设计师和艺术家Dozie Kanu创作了一些类似功能性的雕塑，尽管依赖于美术和实用设计视觉融合，但同样可以邀请观众探索新的叙事。在使用现成物再创造的过程中，例如《Chair》作品中的汽车轮毂，它引用了他家乡休斯顿的slab文化（在休斯顿，slab文化被认为是那些开起来很慢，声音又嘈杂的改装汽车）。Kanu创作了一个棱柱形的物体：功能性外观掩盖了涉及种族、政治、物质和经济历史的更深层次话题。Dozie Kanu的作品将于伦敦Project Native Informant艺廊的网上展厅呈现。
《Afterparty for Robert Bittenbender and Maggie Lee "Flowers in the Attic" at Bed Stuy Love Affair, The Cardinal, New York, NY, Valentine's Day, 205, Uniqlo (White)》（2019），Kayode Ojo，图片由艺术家和Martos艺廊提供
在纽约艺术家Kayode Ojo的雕塑、摄影作品和装置创作中，我们也同样可以看到对现成物的使用。白色优衣库牛仔裤是经常出现的主题，有时是穿在照片中人物的身上，或是倒挂在乐谱架上。综合验光仪（一种光学测量仪器）和Graflex相机等其他物品也将结合并呈现与他在Martos艺廊的个展中。Ojo曾说过，他会被那些“散发光芒的材料或人造的材料”所吸引，就好像是一个人想用尽力气去展现自己的价值般。在使用普通这些材料的同时，Ojo也会选择那些有能力改变感知的材料，并最终通过作品把艺术物件引入一个全新的诠释试验中。
《Kentucky Germinal》（2020），Andy Giannakakis，图片由艺术家和Park View/Paul Soto艺廊提供，照片由Marten Elder拍摄
与此同时，由Park View/Paul Soto呈现的艺术家Andy Giannakakis的绘画作品让观众无从在作品中找到任何物体，更不用说去寻找其中的联系。这位加州艺术家的抽象作品，让一切形状和颜色都变得模糊，仿佛在观众与画布之间形成了一层浓雾。然而，通过作品的标题，并看完《Pa’linka》或《Backtracker》之后，艺术家所想描绘的人物会渐渐开始变得清晰。然而，这一切仿佛一场梦境，它们很可能会随着出现而又迅速消失，种种感觉都是艺术家希望用这样的方式鼓励观众更仔细和耐心的去感受艺术作品。
《Sarah Forbes Bonetta》（2020），Joy Labinjo，图片由艺术家和Tiwani Contemporary艺廊提供
与Giannakakis的画布形成鲜明对比的是英籍尼日利亚艺术家Joy Labinjo的作品，她对肖像创作执着且坚定。Labinjo的绘画风格类似于拼贴画，依赖于她的个人生活、现成物和档案材料的经历来绘画创造人物形象。她的画作讲述了一个更大的话题 — 关于身份认同、种族和文化。由伦敦Tiwani Contemporary艺廊呈现的最新作品中，Labinjo着重讲述了西方现代社会中鲜为人知的事件和人物，例如西非约鲁巴人的埃加巴多公主Sara Forbes Bonetta在五岁时被奴役，但之后出现了一个令人难以置信的转折：她被英国皇家海军解救并以养女的身份由维多利亚女王抚养长大。
《Hope and the Rose》（2020），Bethany Collins，图片由艺术家和Patron艺廊提供， 照片由Evan Jenkins拍摄
美国艺术家Bethany Collins的作品中也出现了一些不太为人所知的事件和人物。她从报纸、文学、机构和个人档案中汲取素材，创作出植根于美国南方历史和记忆的作品。芝加哥Patron艺廊将展示一组全新的石墨和木炭素描，并探索了美国国花 — 玫瑰的历史和象征意义。每一幅画都是在美国民谣的乐谱上绘制而成，包括1850年的《Hope and the rose》和1879年的《Roses will wither》。
《Soft Body 1》（2020），Juliana Cerqueira Leite，图片由艺术家和Casa Triângulo艺廊提供
Juliana Cerqueira Leite的艺术创作独立于任何特定的地点、物体或历史，却探究了人体物理存在的意义。这位巴西裔美国艺术家擅长通过绘画、摄影、录像和雕塑创作，此次在由圣保罗Casa Triangulo艺廊的网上展厅中，也将呈现她的《Corpos mole (Soft body)》。《Corpos mole》是一个近3米高的雕塑，用厚厚的纸圈做成。当着色的石膏覆盖与作品表面时，重力使得纸变脆弱。最初的巨大的身体形状的雕塑开始下垂和收缩。Cerqueira Leite通过这些抽象的作品阐述它们是如何让她“探索身体某些私密话题以及不受大众文化所接受的方面，例如观察随着时间推移而渐渐流消逝的乐趣。”
《By Faith (Front Door)》（2020），Baseera Khan，图片由艺术家和Simone Subal艺廊提供
纽约艺术家Baseera Khan也以身体作为出发点，但他的作品却更注重以身份为中心，以阐述殖民历史并幻想未来的可能性。当Khan在今年秋天在Queenslab的The Kitchen空间进行艺术家驻地项目时，为电视节目《Faith》创作了一个实验性的作品。该项目基于真实的对话和情况，包括监视、性别建构和Khan的穆斯林身份之间是如何协调的。该节目的海报描绘了一个公寓旁的金属铁门被拉下，而门上面贴着“BY-FAITH”的字样。由纽约Simone Subal艺廊展示的雕塑作品《By Faith (Front Door)》中，海报印在平纹细布上，悬挂在麦克风架和木头上，并用自拍灯从后往前照亮整个作品。
无论是通过他们自己的身体还是其他人的身体，日常物品还是重新使用的材料，这10位艺术家都在围绕着构建我们当前现实社会更广泛的叙事来表达问题。无论是在网上展厅，还是在艺廊空间里的亲身体验，他们的作品都在邀请观众转换视角，重新审视世界的状态 — 关于个人的、政治的和社会的。
