缪斯,愚公与指南针 | 坪山美术馆6月20日开幕
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[楼主] 展览预告 2020-06-10 21:19:14

来源:坪山美术馆



展览前言


2010年,英国非裔艺术家约翰·亚康法在影片《谟涅摩绪涅》中,沿着但丁、贝克特、狄金森、乔伊斯、弥尔顿、尼采、莎士比亚、索福克勒斯和托马斯等所铺就的诗学路径,谱写了一曲有关迁徙和旅途、记忆和哀悼、知识和身份、自然与政治的“悲伤之歌”。无独有偶,新加坡艺术家何子彦在影片《无知之云》中书写了一部同样摄人心魄的史诗。受艺术史家达弥施《云的理论》的启发,他以卡拉瓦乔、苏巴郎、克雷乔、贝尼尼、曼特尼亚、玛格利特等艺术家的经典之作为母本,将影片中每一个片段的主人公都化身为云。它无边无形,但又交织着爱与恨、善与恶等种种荒诞、诡异而又蛊惑人心的情感与体验。


十年后,展览《缪斯、愚公与指南针》将沿着他们的想象和叙事方式,续写一部新的史诗。从亚康法的《谟涅摩绪涅》、何子彦的《无知之云》到龚剑的《缪斯》、方迪的《部长》,从杨福东的《愚公移山》、褚秉超的《七府環屏》到郑国谷的《种鹅》、段建宇的《马》,从瑞秋·罗斯的《飘浮灵》到鸟头的《情放志荡》《拜影教》,这是一部由缪斯、愚公和指南针编织的当代传奇,更是一个由神话、传说和魔法锤炼而成的醒世寓言。


一百年前,垄断资本主义和帝国主义的抬头曾一度致使很多人陷入魔性,并引发了两次世界大战;一百年后,资本主义的危机和病毒的全球大流行再次将人类逼进了一个神话、传说和魔法盛行的迷狂时代。我们都记得马克思在《路易·波拿巴的雾月十八日》中的那句名言:“黑格尔在某个地方说过,一切伟大的世界历史事变和人物,可以说都出现过两次。他忘记补充一点:第一次是作为悲剧出现,第二次是作为笑剧出现。”今天的局面是不是笑剧尚不敢说,但一百年前那些疯魔一样的幽灵的确又回到了我们的身边。

文/鲁明军


缪斯,愚公与指南针


展期 | 2020.6.20-2020.8.30

主办 | 坪山区文化广电旅游体育局

承办 | 坪山美术馆

策展人 | 鲁明军

出品人 | 刘晓都

展览制作 | 乐造展务

设备提供 | 河路文化

平面设计 | 余晓丹

媒体策划 | 打边炉

特别鸣谢 | 鸟头工作室、马凌画廊、里森画廊、没顶画廊、柯芮斯画廊、香格纳画廊、Vanguard 画廊维他命艺术空间


策展人


鲁明军


历史学博士,四川大学艺术学院美术学系副教授,策展人。近期策划《疆域:地缘的拓扑》(2017-2018)、《在集结》(2018)、《此地有狮》(2019)、《没有航标的河流,1979》(2019)等展览。论文见于《文艺研究》、《美术研究》、《二十一世紀》(香港)等刊物。近著有《论绘画的绘画:一种艺术机制与普遍性认知》(河南大学出版社,2018)、《目光的诗学:感知—政治—时间》(河南大学出版社,2019)、《自我解放的歧途:1999年的三个当代艺术展览/计划及其之后》(2020)、《美术变革与现代中国:中国当代艺术的激进根源》(2020)等。2015年获得何鸿毅家族基金中华研究奖助金。2016年获得YiShu中国当代艺术写作奖。2017年获得美国亚洲文化协会奖助金(ACC)。同年,获得第6届中国当代艺术评论奖(CCAA)。2019年获得中国当代艺术奖(AAC)年度策展人奖。


参展艺术家

约翰·亚康法


著名英国艺术家、电影人,作品多围绕回忆、后殖民主义、时间性和美学等话题,探索欧美的非洲裔移民的生命体验。1982年,他与艺术家D**id Lawson和Lina Gopaul在伦敦共同创立了影响深远的“黑色音频电影团体” (Black Audio Film Collective),几位艺术家的合作延续至今。他们的首部电影作品《汉兹沃思之歌》(1986) 聚焦1985年在伯明翰和伦敦爆发的暴乱,影片中呈现大量的档案影像、照片和新闻片段。这部影片荣获了诸多国际大奖,并奠定了亚康法独具个人特点的多层次视觉风格。其他作品包括三屏装置《未完成的对话》(2012),为理论家斯图尔特·霍尔生活工作的动人写照;《转折》(2012),以德国艺术家阿尔布雷特·丢勒16世纪创作的两幅肖像作品为灵感源泉,对其中人物的生活展开想象;《谟涅摩绪涅》(2010) 揭露英国移民的经历,以经济困难与种族问题质疑英国所谓的应许之地。


约翰·亚康法出生于1957年,目前在伦敦生活、工作。他在世界各地广泛地举办过个展。

瑞秋·罗斯


生活工作于纽约。在过去的几年中,瑞秋·罗斯迅速成为了国际当代艺术界其中一位最受瞩目的艺术家。罗斯的作品探索了现实与人造物、内部与外部、死亡与生命多个状态之间的复杂关系。罗斯广泛吸收在电影史中出现的诸多创新元素,并在自身创作中进一步发展电影语言。通过其庞杂的创作主题——从低温生物学、美国独立战争、现代主义建筑到外太空行走的感官经验等——罗斯质询了人类存在的意义,以及人类改变、增强或逃脱此种意义框架的诸多努力。

褚秉超


1986年生于甘肃平凉。毕业于湖北美术学院雕塑系。2010年至今工作和生活在北京。作品创作包括有雕塑、装置、影像、出版等。长期致力于关注并针对社会性问题及自然环境、公共空间进行讨论和艺术创作,以期运用真实有效的制作方式探索当下以及未来,艺术与现实的共生关系。


个展包括:“石还山”(个展,墨方,北京,2019);“七府環屏”(个展,墨方,北京,中国,2016)。其他主要群展及项目包括:“许村夏夜:大地的狂想曲”,山西许村,2019;“时间开始了-2019乌镇当代艺术邀请展”,乌镇北栅丝厂,浙江,2019;“过年特别艺术项目-万家灯火”,2019;“十夜——BMCA艺术文件展”,北京,2016;“所为何事”,北京,墨方,2015;“不在图像中行动”,佩斯北京,北京,2014;“WHY NOT!拍卖双年展”,上海世博会博物馆,上海,2013;“关注未来艺术英才—计划10人展”,今日美术馆,北京, 2013。2019年获得第二届乌镇当代艺术邀请展-青年当代艺术创作奖;第七届明天雕塑奖金奖。

段建宇


1970年出生于河南郑州,1995年毕业于广州美院油画系,现任教于广州华南师范大学美术系。


段建宇的笔触、色彩唤起我们意识中一个无法触及的边界,但又如此准确地唤起了我们在当代中国生活的感觉。她的绘画研究庸常的表达方式和风格,切入当下的生活。段建宇始终游走在绘画叙事和叙事绘画的边界,绘画从带有原生意念和生活形态的轮廓开始,成长成为绘画性的现实——这个现实是由诸种影响、情境和意识中的图景不断撞击、对抗、调整而生成,具有和我们所面对的物质现实同样的复杂性;而这同时也是基于对绘画与生命经验之间关系的重新信任。

方迪


本科毕业于广州美术学院油画系第五工作室,研究生毕业于美国马里兰艺术学院。他也是啾小组的创始人之一。


目前工作于中国深圳和巴布亚新几内亚首都莫尔兹比港。他的作品探讨种族主义与社会阶层。他通过研究社会新闻与时事政治,利用不同的身份像变色龙一样灵活圆滑地穿梭社会的各个阶层,以敏感的触觉,吸收和消化人们在迁徙生活中带来的智慧与欲望。他常用多种艺术语言探索城市生活的纠结与意义,勇敢地在左右倒置的现实中,寻找特殊群体在全球经济与民族主义的影响下是如何被定义的,并成为今天重要的社会裂痕。

龚剑


生于1978年,2001年毕业于湖北美术学院,现工作生活于武汉。他的创作媒介是多样化的,从绘画到装置都有涉及。艺术家一直致力于在社会干涉和体裁进步方面建立自己的道路,将油画材料与老式的前社会主义式的现实主义绘画风格结合在一起。近年来龚剑的作品由更多的趣味性转向探讨更富有深度与真实性的学术性倾向,在某种混乱和粗糙的美学中揭示出现实的力量。

何子彦


何子彦于1976年出生于新加坡,通过戏剧性的乐谱和光效来呈现大量的历史参照是何子彦创作录像和装置作品的主要手法。各不相同的录像作品向人们揭示鲜为人知的东南亚历史的同时,也在指出我们自身并未察觉的未知。何的作品脉络参考一系列文学、艺术史和音乐的文献,一种被扩大强化的模糊、戏剧性和不安的感受充斥于其中。何借由身心两方面来调动观众多种感知,并促使其思考那些我们已知的和更为重要的未知。


何子彦的录像作品的核心是观察历史,具体而言是编织事实和谬论,对比那些人们信以为真的事件来揭露和阐明道听途说的种种。游移于真伪的边缘,何的作品涉及调研为导向的纪实和无中生有的空想。

鸟头


鸟头成立于2004年,由宋涛(b.1979)和季炜煜 (b.1980)组成,“鸟头”源自一次为文件命名而来的随意键盘敲击。鸟头以摄影为创作基础而不被摄影所框限。他们的镜头捕捉任何能涉及的事物,将关于他们自身的成长思考逐渐内化到他们的图像语境中。他们结合照片矩阵,拼贴,装裱,装置,摄影书写各种对于照片的使用方式,在不同的展览空间和环境中呈现多个自我更新进化的“鸟头世界”。

杨福东


杨福东,1971年生于北京。毕业于中国美术学院油画系,被誉为目前中国最成功和最有影响力的艺术家之一。从九十年代末起,杨福东就开始从事影像作品的创作。无论是摄影、电影还是装置,均以多重的文化透视、交错的时空体验形成独特的文化视觉诠释。


杨福东凭借其极具个人风格的电影及录像装置作品,在全球多家著名美术馆、艺术机构和画廊举办个展。

郑国谷


郑国谷1970年出生于广东阳江,1992年毕业于广州美术学院版画系。2002年, 他和陈再炎、孙庆麟成立阳江组合。目前生活和工作在阳江。


郑国谷的创作涵括多种媒介,横跨行为、摄影、绘画、雕塑、空间和建筑,而根本的驱动力不是来自媒材而是与生活进程密切相关的意念。从2005年开始的土地/空间项目(开始命名为“帝国时代”,现名为“了园”)融合了复杂的空间形态和社会关系,包容了一个空间从理想到实现以及在生活中持续的全部过程。而近年来从能量研究而展开的绘画系列创作中,郑国谷力图揭示潜伏在感知过程中的能量流动。


关于坪山美术馆

坪山美术馆坐落于深圳市坪山区文化聚落北区,总建筑面积9900平方米。以 “打开世界, 超越边界”——作为艺术探讨的出发点,坪山美术馆关注时代社会变迁中,科技、 媒介、环境、思想、人性带给艺术的跨界融合与裂变,尤其关注艺术在空间中的不同形态与表现, 保存、收藏、传播当代艺术的能量与远见,期待通过将独特的观展体验、学习经验、在线在地的方式,把当代艺术产生的心灵震撼与创意激发带给在地以及国内国际的观众,促进国际间的当代艺术文化交流。同时,作为中国第一家区级当代美术馆,坪山美术馆是坪山文化的发动机, 拥有一套完善的美术馆研究、典藏、展览、教育团队和系统,正积极探索一条以理事会、基金会、 学术委员会为核心的国有美术馆的体制创新与专业发展道路。

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