在后院汽车修理厂里制造一场海市蜃楼
发起人:另存为  回复数:0   浏览数:352   最后更新:2019/12/10 13:08:50 by 另存为
[楼主] 另存为 2019-12-10 13:08:50

来源:卷宗Wallpaper  W*


卡尔弗城的华盛顿大道(Washington Boulevard,Culver City)是洛杉矶仅存的几个尚未被时髦公寓楼“改头换面“的街区之一。一幢幢低矮的灰泥建筑上带着年代久远的彩绘,上面写着“Jesus S**es”、“Guns and Ammo”、“RayBlom Plumbing”之类的字样。不过,就算这片地区在美国已经不复存在,Doug Aitken 也会亲自打造出这样的风格。他一直都在试图寻找那些平凡且易被遗忘的事物,挖掘这种正在消失的美国文化。他的镜像文字及墙壁上的灯箱作品常常取材于广袤而荒凉的西部,他对这种特质的喜爱也注定了其新工作室的诞生。

经过 Doug Aitken 的改造,工作室屋顶上的标牌现在写着“I Don't Know”


四年前,在开车经过华盛顿大道时,Aitken 看到一家变速器维修店门前竖立着一块牌子,上面手写着“For Sale”的字样。在他停下来询问时,穿着一身油腻工作服的老板毫不客气地向他表示,自己只会卖给那些用双手劳动的人。Aitken 告诉他自己是一名艺术家,没想到的是,这位老板过去也曾为 Robert Rauschenberg 和其他艺术家工作过。经过几个月的努力,Aitken 终于说服老板把这家店卖给了他。

Doug Aitken在位于加州卡尔弗城(Culver City)的新工作室,这里原本是一家汽车变速器修理店


刚刚接手时,店里到处都是油腻的烟灰,还有 12 台巨大的汽车起重机。不过,整个建筑采用的是 20 世纪 40 年代的弓形桁架结构,因为拱形的木天花板是由横梁而非内柱支撑,这种结构非常罕见。在售出之后,维修店老板曾打电话告诉 Aitken,如果他能在三个月内重装楼顶的标牌,就不需要另外获得施工许可证了。如今,这两块垂直叠落的标牌上展现的是 Aitken 创作的日落,还有“I Don’t Know”这句话。到了晚上,灯箱亮起,两块标牌便开始在 405 号高速公路旁熠熠生辉。


上图《Not Yet Titled (Neon)》(2019)

下图工作室中的作品,从左至右依次为:

《Desert Body》(2019);

《Inside Out (Chimes/Medium) 》(2019);

《Crossroads: ApertureSeries》(2019);

《In Real Life: Aperture Series》(2019);

《I'll Be Back: Aperture Series》(2019);

《Earthwork: Aperture Series》(2019);

《Inside Out (Chimes/Small)》(2019);

《The Earth ChairSeries》(2015)的部分作品;

《Now (Dark Wood) 》(2016)


对 Aitken 来说,“不知道”是一种哲学立场,他似乎总是在耗尽全力地推出一个又一个盛大的艺术项目。他的影像装置艺术——比如为他赢得威尼斯双年展国际奖的《Electric Earth》(1999),以及投放在华盛顿特区 Hirshhorn Museum 建筑立面上的《Song 1》(2012)——都展现了极为精细的操作,但与此同时,他也可以欣然接受艺术创作中的那些不可预知的结果,比如在大自然中创作,或是在作品中融合表演与现场音乐等元素。

Doug Aitken ,《Song 1》(2012)


现年 51 岁的他虽然头发已经开始变白,一双蓝眼睛的周围也出现了几条皱纹,但在谈到最近的创作时,Aitken 依然充满了热情。今年 2 月,他在瑞士格施塔德(Gstaad)建造了一座被镜面覆盖的房子,名为“Mirage”,以此反射着冬日白雪皑皑的山峰,抑或夏天长满青草的山丘。(这件作品曾于 2017 年在加州棕榈泉的沙漠中首次展出,后来也曾呈现于底特律的 StateS**ings Bank 大楼内。)



今年夏天,Aitken 的创作项目名为《New Horizon》,这是一个约 30.5 米高的银色热气球,白天在新英格兰上空飞行,夜间降落,如同一件动态的灯光雕塑,引起一系列的“偶发艺术”——比如关于未来的对话和现场音乐表演。他将其称之为“大写的激浪派”(Fluxus with a capital F)。这个项目也是对他 2013 年所作作品《Station to Station》进行的一次补充和升华。彼时,他邀请了众多的艺术家、音乐家与诗人等共乘一列被特殊装饰过的火车,花了 23 天从纽约驶往旧金山。无论火车停在哪里,车站都会上演一出临时聚会。2015 年,伦敦巴比肯中心(Barbican Centre)也举办了一场这样的活动。

Doug Aitken ,《New Horizon》(2019)


这些大型项目大都是在他位于加州威尼斯(Venice)的工作室中完成的,他在这里的创作已经持续了 14 年。加州威尼斯工作室由一系列独立空间组成,他解释道:“我的想法是,每个房间都代表着一种不同的媒介,因此你可以从声音漫步到建筑,然后再到电影,就像穿越一条由不同艺术媒介组成的走廊。这里没有实物作品,一切都仅是草图、渲染图或图像,就像一个去物质化的工作室。”


尽管这间位于加州威尼斯的工作室是由 Aitken 一手设计和打造的,他仍然认为有必要添加额外的工作室空间来容纳那些“物质性”的创作。“我想拥有更多的亲密感,在作品离开我、进入公众视线之前,与它们朝夕相处。我渴望与这些实物作品一起生活,这样我就可以随着时间的推移去改变它们。”位于华盛顿大道的新工作室占地约 740 平方米,天花板高达 10.6 米,其中展示了他的许多个人作品,比如为Wallpaper*创作的摄影集——这些照片表现的大都是些陈旧且久经日晒的建筑结构,令人很难分辨哪些古怪的标识是 Aitken 后来加进去的。“我注意到,在我们的文化、社会和政治语言中,已经出现了很多新词汇。这些词汇是当下这个时间段的特殊代码。因此我对这种新的语言产生了兴趣,并试图把它融入到日常生活中。


Doug Aitken ,《Don't Forget to Breathe》(2019)


然而,当这些时髦的短语出现在艺术家摄影作品中地处偏远的建筑上时,就显得格外古怪了。“这些空间是不活跃的、休眠的,甚至处在某种破败不堪的状态,无论是濒临破产的大型连锁店,还是已经倒闭团的小型商场。我把它视为一个窗口,从这里我看到了21世纪和20世纪之间所存在的一种不可思议的断裂,并将这些问题或想法投射回过去我们所创造的那些实体景观中即便这些照片的拍摄地点截然不同,它们却都会让人想起 Aitken 新工作室所在的卡尔弗城区。他说:“最讽刺的是,无论走到哪里,你都能发现类似的景象。这是一种不断重复且高度统一的风景。我发现自己总会被那些夹在中间的地点、场地或建筑吸引,人们往往不会去注意这样的地方,或是选择视而不见。”


在新工作室中,他正在为自己的展览“Return to theReal”创作雕塑,这个展览于 10 月在伦敦东部的 Victoria Miro Gallery 开幕。巨大的铬合金圆形风铃正在调整中,而广告牌大小的灯箱则展现着一幅幅当代静物图。此次展览还囊括了一个艺术家最近完成的项目,其中表现的是各种人物形象。“我已经有段时间不在画廊空间工作了。但大约在一年前,我又发现自己再次想起画廊的空间,”Aitken 若有所思地说,“不过,我在以另一种视角回归。我想在白色的房间里做点东西,但又要找到一种方式与之割裂。这些用石头或磨砂玻璃磨成的人物形象可以发出声音和光,同观者一起栖居于空间之内。


“Return to the Real” 展览现场


“我们在意大利找到了层次如此丰富的石板,”他继续说道,“当我看着它们的时候,我看到的是历史的沉积与交叠,人物的身体在碾磨后被切成两半,石头身体的内部是镜面金属,因此身体会在内部无限地反射自己,而在外部,它所呈现的却是厚重的地质历史。这件作品很大程度上是在审视当代人对待时间的匆忙态度,但与此同时,我们也被困在了某条时间代码中,即便没有我们的存在,一切也会继续进行下去。”


然而,这场展览中的很多作品几乎都是看不见的,只有声音或光的呈现。Aitken 为这场展览设计的音景包括了不断重复的单词和短语,它们被一遍又一遍地朗读以至于变成了抽象的概念。对于 Aitken 来说,人声音景是一种新的媒介。此外,他还与著名的合唱团 L.A. Master Chorale 合作,为 100 名声乐家创作了一首歌曲,以供接下来的演出使用。“当我们开始在我的工作室录制这首歌时,我从一种新的角度看到了人声所具备的各种可能性。这实在是个让人大开眼界的发现。”他开玩笑道,“我希望令语言超越表达,进入另一个空间中,并在这里转变成某种建筑。这将会是这场展览的主导特征。”


尽管精通数字技术,Aitken 本质上仍是一位视觉艺术家。1987  年,他开始在 Pasadena 的 Art CenterCollege of Design 学习。当时,美术系的教员中不乏 MikeKelley 和 Stephen Prina 这样极具开创性的艺术家。他在那里学会了如何运用多种媒介进行创作,除却雕塑装置外还创作音乐与视频。Aitken 于 1991 年毕业,三年后,他搬到了纽约。有一段时间,他只能靠给杂志拍照和做插画来维持生计。


但这并没有动摇他在艺术创作上的决心。“我始终觉得艺术是一种必需品。你做它,是因为它必须被创作出来。对我来说,创作就像氧气,是呼吸的一部分,没有它就无法生存。因此我认为艺术和生活之间并没有真正的区分。”

Doug Aitken,《Diamond Sea》(1997)


正是在纽约的 303 Gallery,Aitken 展出了他的第一件大型影像装置作品《Diamond Sea》(1997)。上世纪90年代末,Aitken 搬回了洛杉矶,但直到 2006 年加入 Regen Projects 后,他才开始愿意在洛杉矶办展。(他还会在苏黎世的 GalerieEva Presenhuber 举办展览。)2017年,洛杉矶 Museum ofContemporary Art 彼时的总监 Philippe Vergne 说服他举办了一场名为“Electric Earth”的回顾展。Aitken 把自己的每件作品都视为独立的个体,所以不愿把它们放在一起作为自己职业生涯进程的展示。为此,Vergne 建议他把整场展览概念化,将展览本身视为一件艺术作品。最终,这场展览大获成功,得到了公众和评论界的一致肯定。



“Electric Earth”的回顾展展览现场


除了思考画廊与新工作室,Aitken 也没有放弃那些野心勃勃的体验式项目。今年 9 月,多南酒庄(The Donum Estate)推出了他所创作的《Sonic Mountain(Sonoma)》,这是一件特定场域雕塑,模仿着风铃的变化效果。坐落在北加州葡萄酒产区起伏的矮山中的它,周围就是一片桉树林,发出的声音和色彩会随着环境的变化而不断改变。你可以将其称之为“永久艺术”,但它也在提醒着人们专注于当下。



Doug Aitken,《Sonic Mountain(Sonoma)》(2013)


“任何一种创作行为能对你产生的最深刻的影响之一,就是将你置身于此刻,把你突然带回到当下,”他说,“这些时刻是如此短暂而罕见,但当你找到它们时,你会发现它们就是世间最稀有的灵药,能够为你缔造一个私密的天堂。这种感受是无法解释的。”


Doug Aitken 为 Wallpaper*创作的影像


ON THE ROAD

在路上

Doug Aitken 新作品:

超现实主义标识及阳光暴晒下的景观







返回页首