诺然

世界赐予物以物之本质，艺术家赋予作品以作品之灵魂。

1993年，李秀勤以松木和金属创作了雕塑《被开启的记忆》。1994年，李秀勤以同样的材料和形式，创作了《被开启的空间》。这是艺术家本人“身体的觉知，记忆的痕迹”。这觉知，来自于身体的本能，这痕迹，来自于心灵的创伤。而本能和创伤，都来自于艺术家的虔诚。

所有艺术都是关于生命的艺术，而生命的实质意义是呼吸与存在。

 2000年美国华盛顿州立大学的大型石雕《开启秘密》，李秀勤以铜柱开启顽石的巨大身躯，向大自然敞开怀抱，但秘密已经不是记忆带来的疼痛。2013年李秀勤的铸铝作品《柳暗花明又一村》，虽然仍有记忆的结点，但同一的轻型金属材料，让这组雕塑有了音乐般的轻灵和节奏，全然的美与呼吸是整件作品的特质。

李秀勤的艺术创作之路，就这样在记忆的命题与情感价值之中走来。

一次失明的经历，让她接触了盲文。盲文的盲点，给了她无限开阔的思维。她在思考时间和空间的同化，她认为雕塑，不应该仅仅是视觉艺术。她的两件金属焊接作品《触痕—一部推拿学》No1和No2于2012年创作完成。这两件作品像是例证性的多重记忆，盲文的点像夜空的星辰一样，落在被废弃的工业废料上，成为光的导引。一部病残呻吟的机器，有了新的呼吸。

西方艺术，表现的往往是特定空间里的时间定格；而东方艺术，则更多地展现无恒时间概念里的空间灵动。

西方的铸铁雕塑，属于特定意义的艺术形式，它强调有形存在的优越性。东方的抽象水墨，艺术家建立起观者与作品之间的非关联式的牵挂对应，属于绝对的无理由的必然性。每一个时代的水墨，都在创造其自身水墨的理型。而历代传统水墨，均以笔墨为其理型对象。

然而，李秀勤新近创作的水墨《触痕》系列，完全放弃了西方艺术纯粹逻辑描述的手法，同时也完全放弃了中国传统水墨必以笔墨表现的手法，通过对雕塑的拓印叩击，以平面的，边缘的和末端的触痕，将盘桓于具象与抽象之间的意识或无意识状态呈现在宣纸上。用她自己的话来说：“拓印，是触觉，一种留痕的艺术”。这样的展开，贯通了西方和东方，没有所谓的建构和重建，将主题物象的有限事件直接解放出来。这一系列的作品，突破了三维雕塑在时间和空间上的局域化，没有设定任何目标和界限，将生成的意象直接对存有敞开。这种敞开并不强调任何创作意念，却似乎有了更宽泛的表达。

李秀勤的《触痕》作品，那些看似形而上的风景水墨静物画，像一个个时间系列的平行时刻中的空间变幻，没有情绪和情感的纠缠，只有纯粹的能量和光。这画面的光，是自我照耀的，并非等同于产生阴影的光线。我们无须去解读它的意涵，画面上的相对空间，意味着不存在绝对的时间，而是时间散漫的流逝中，空间基于无序的有序，或有序的无序。这种无结构意境的纯粹表达，让观者通过自然的直觉即意识，来领略画面呈现的能量与呼吸，同时，又忽略事件之间关系的确立。

现代物理学的理论形式有两个构成，这就是相对论和量子论。而遗传学几乎是与之同时诞生的。这是人类伟大的二十世纪的开端。与此同时，西方绘画艺术开启从具象走向抽象的旅程。然而，二十世纪的西方艺术，受实证主义哲学影响，仍然以逻辑经验主义进行艺术创作，并且无法摆脱西方工业化的特征和局限，以及，工业革命带来的颓废和绝望。

到了二十一世纪，人类对自身有机体的物质结构及其机能已经了解愈来愈多。随之，人类理性的界限在哪里，将成为当代社会追寻哲学冥思的源头。而当代艺术的终极目标是什么，也将在纷杂繁复的追问中开启自身的深度。人的生命和意识自身会进化并回归，艺术和思想是人类生命永恒的奢侈。艺术和生命，将永远超越目的论和机械论。艺术创作，也将以纯粹的形式表现当代人的意识状态。

当代艺术，已然不再把人作为主体或主题，艺术品也并非只是人类思想的纯粹目标或载体。艺术不是艺术家个人的事。艺术技巧和表达艺术的手段，可以是多样性的。然而，当代艺术语言表达的效应是趋同的：撇开人文主义范畴内的争执，回归生命存在的本质，意在唤醒人们对所有宇宙生物的关怀和对天地自然的敬畏。

毫无疑问，李秀勤的《触痕》拓印系列作品，作为水墨艺术的创新与实验，是一次成功的尝试。