艺术史学家詹姆斯·梅耶详解“极简主义” | 初期:1959-1963年
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[楼主] 之乎者也 2018-11-28 10:34:40

来源:卓纳画廊


“极简”这一术语最早的出现,是在英国哲学家、美学家理查德·沃尔海姆(Richard Wollheim)写作于1965年的论文《极简艺术》(Minimal Art)中。讽刺的是,沃尔海姆当时文章中提到的艺术家几乎无一在此后被归为我们今天所说的“极简主义”;而与“极简主义”相关的艺术家们又都大多反对这个单一术语的概括,他们不认为存在一场整体性的运动或任何纲领性的宣言,他们更强调个体艺术家之间的差异。而除了Minimal Art或Minimalism之外,“极简”还曾被称为“ABC艺术”、“酷艺术”、“原义主义”(Literalism)、“拒斥性艺术”(Rejective Art)、“无图波普”(Imageless Pop)…… 关于“极简”的定义同样没有公认的标准,目前业界视为标杆的是2000年由费顿出版社首版的《极简主义》(Minimalism)一书,其中收录了学者詹姆斯·梅耶(James Meyer)执笔的一篇概述文章,被认为是现今最为全面的论述。下文为节选编译,并将按照原文的四个章节分批推送。


《专题研究》(Survey)

文/詹姆斯·梅耶 James Meyer


一件作品不需要有很多东西以供观看、比较、一个接一个的分析、沉思。有趣的是它作为一个整体,且其特质也作为整体。主要的事物是独立的,并且是更为强烈、清晰和强大的。

——唐纳德·贾德,1964


尽管从未有过精确定义,“极简主义”(或“极简艺术”)这个术语意味着1960年代在纽约和洛杉矶出现的一种先锋风格,与之最为相关的作品来自卡尔·安德烈(Carl Andre)、丹·弗莱文(Dan Flavin)、唐纳德·贾德(Donald Judd)、索尔·勒维特(Sol LeWitt)和罗伯特·莫里斯(Robert Morris),以及其他与“极简”短暂相关的艺术家们。极简艺术以雕塑为主,它们往往由单一或重复的几何形式构成。作品依据艺术家的指示进行工业制造或由娴熟的技工生产,从而消除了创作中任何情感或直觉性决定留下的痕迹,与此前1940和50年间“抽象表现主义”的绘画与雕塑形成鲜明的对比。极简的作品坚持事物原义性的存在、或其身处世界的物理性存在,此外不做更多的暗示。材料仅作为材料出现;颜色(如果被使用了的话)也没有其他指涉。作品通常放置于墙面、角落、或直接放在地面,它是一种将画廊作为真实地点显露出来的装置性艺术,让观众有意识地穿行在他们所处的空间当中。

唐纳德·贾德在其创建的位于德州玛法的齐纳提基金会(Chinati Foundation)永久安置的100件雕塑

© 2018 Judd Foundation / ARS, New York


所有与“极简主义”相关的艺术家们都并不认为他们身处一场连贯的运动中;他们指出从未存在过运动的宣言,有的只是观点之间的差别甚至是对立。他们认为“极简主义”是需要风尚的艺术界为寻求新时髦而采用的一个吸引人的标签。


与“极简艺术”的发展同步出现的一代写作者们——梅尔·波切内尔(Mel Bochner)、罗莎琳·克劳斯(Rosalind Krauss)、露西·利帕德(Lucy R. Lippard)、芭芭拉·罗斯(Barbara Rose)、罗伯特·史密森(Robert Smithson)等人——认为需要一种能够应对这一朴素抽象的新词汇。所谓“极简主义者”们的作品对抗着此前的批判性理解,而将批判本身置入一场“危机”。


追随着诸如巴尼特·纽曼(Barnett Newman)和艾德·莱茵哈特(Ad Reinhardt)等纽约学派艺术家们的传统,许多极简主义艺术家也同样来自于人文学科的教育背景,并且他们的理论倾向也来自于学术背景的训练。唐纳德·贾德在这方面是典型,他在纽约“艺术学生联盟”的学习结束之后,于哥伦比亚大学获得了哲学和艺术史的学位。1959年,贾德开始为《艺术杂志》(Art Magazine)写作,在一系列引人注目的评论和文章中,他阐述自己的美学,明确表示他偏爱的艺术具有简洁的设计、干净且未经修饰的画面、明亮的颜色,就像巴尼特·纽曼和肯尼斯·诺兰德(Kenneth Noland)的作品那样。相对的,他反对德库宁(Willlem de Kooning)、弗朗兹·克莱恩(Franz Kline)及年轻的抽象表现主义艺术家们充满动势的绘画,还有大卫·史密斯(David Smith)等人后立体主义部件式的雕塑。他赞美前者,认为他们的作品是原义性的,或者说“具体的”;而批评后者,认为那是视幻觉(illusionistic)的艺术。贾德观点的清晰有力及连贯一致使他收获了评论家的美誉——确实,在60年代初期,贾德最初是以作家身份为人熟知的,而非艺术家。他的论点还有助于对批判性的论争进行重新定义,当他1963年开始展出自己的创作时,他已经为作品被接受的语境提前做好了准备。而贾德影响深远的文章《具体物件》的出版,标志着极简艺术的批评远离绘画,转而支持三维物件的创作。

唐纳德·贾德,《无题》,1966/1967

铝及镀锌钢

© 2018 Judd Foundation / ARS, New York


到了1967年,“极简主义”一词成为了通用的术语。但为数众多的各种名称表明,这一崭新艺术的定义从来不是一成不变的。它是雕塑还是绘画?两者皆是,或两者皆非?作品中用到了单一的形状还是模块化的序列?它是明亮多彩,如贾德所说的那样;还是严格的“黑白灰”,如那场1964年著名展览的标题所示?它反映了整个年轻代艺术家们——包括沃霍尔和利希滕斯坦等用序列性的进程和犀利的图形消除情绪符号的艺术家们——“酷”的特质吗?艺术家、策展人、批评家长期争论这些问题,每个人都用特定的方式定义这一崭新的艺术发展:可以说,并不存在某种一致的“极简主义”,有的只是不同的、彼此重叠的多元“极简主义”。


1959-63年:极简主义初期


术语“极简”在1960年代诞生之初的意义是什么?尽管未被定义,但对于其反对者来说,这个词在最初表明了两种美学上的缺乏:一方面,它说明了一种过度形式上的减少、令人震惊的简化(作品的设计被减少到“最低限度”);另一方面,它意味着艺术性劳动的缺乏,这样的想法往往针对的是用标准荧光灯管创作的弗莱文(Dan Flavin)、用工业建筑砖块的安德烈(Carl Andre)、由工厂代工生产物件的贾德(Donald Judd)。极简作品有点像杜尚将工厂生产的物件转化为艺术的现成品:1914年,杜尚在画廊里呈现了一个干瓶架,他揭示了一种形式创新的现代主义前提:艺术可以是一种宣言、一个想法。而相应的,极简艺术采用工厂生产的物件达到形式上的简化;因此,它建立于一种内部矛盾之上:它以“高级”的、形式感的艺术示人,但又看起来似乎不够艺术。


艺术作品中简化到本质性的结构构成以及对工厂生产技术的使用,都并非第一次出现。俄罗斯先锋艺术家们进行过类似的探讨,像是至上主义、构成主义。因为冷战的关系,极简的艺术家们起先对这些先锋创作知之甚少,直到1962年美国出版了第一本英文类介绍俄罗斯先锋艺术的书《艺术中的伟大实验:1863-1922》。而弗莱文始于1964年的白色荧光灯管系列《致敬弗拉基米尔·塔特林》【下图】以及贾德后来有关马列维奇(Kasimir Malevich)的写作,都揭示出了对于前辈先锋艺术家们日渐增长的深入了解。

丹·弗莱文,《致敬弗拉基米尔·塔特林1》,1964

日光及冷白光荧光灯

©️ 2018 Stephen Flavin/ARS, New York


大多数有关“极简主义”的描述都始于弗兰克·斯特拉(Frank Stella)的《黑色绘画》(Black Paintings)。作品1959年在纽约现代艺术博物馆举办的《十六个美国人》上展出。斯特拉的作品宣告了对于上一代艺术家们充满动势的绘画的背离。他发展出一种简化的、非视错觉性的抽象绘画的形式,而专注物件创作的极简艺术家们倾慕的是新绘画中物质性的存在及构成,因为恰恰是这些诉说出了媒介的特性。尤其是丹·弗莱文和唐纳德·贾德两人,他们视斯特拉的作品为“最后的”绘画:因为斯特拉的《黑色》等系列使得视幻觉以及创作中的手工质感都已经过时,它们很必然地指向了物件的创作。


丹·弗莱文最早的创作也是抽象表现主义式的风格,他创作了不少充满情绪和动势的画。在他的自传《……在日光或冷调的白色中》(1964)中,弗莱文描述自己看见一张明信片,上面那幅“罗伯特·马瑟韦尔(Robert Motherwell)十年前创作的画看起来简直就像我上个星期的作品”。1961年,他放弃了这种马瑟韦尔式的手法,开始创作绘画浮雕作品,并开始在其中置入多种拾得物,包括挤压的罐头……他许多这样的作品强调了绘画中起到物理支撑作用的部件。合成的、组合形式的创作手法由罗伯特·劳申伯格等人的实践发展而来,弗莱文会在当时开始采用“集合物”进行创作或许并非偶然,因为他在纽约现代艺术博物馆做安保工作时,劳申伯格等人的作品曾出现在博物馆1961年的展览《集合的艺术》(The Art of Assemblage)中。作为绘画和浮雕的混合,合成的形式将拾得物引入了绘画性或雕塑性的形式中,弗莱文早期的《圣像》(icon,1962)系列也类似地包括了白炽灯和荧光灯,这也是弗莱文首次在创作中用到他日后最为著名的材料。整个系列中尺寸最大也最著名的作品是《圣像五(科兰的百老汇肉身)》(Icon V, Coran’s Broadway Flesh)【下图1】,在其中,明亮的“蜡烛”形白炽灯泡环绕着正方的粉红色画面,散发出模糊的光,强调了作品的物性。而他1963年开始完全用荧光灯管进行的创作则探索了物质性在揭示和拆解方面的张力,第一件作品名为《1963年5月25日的对角线(致康斯坦丁·布朗库西)》【下图2】。弗莱文的灯管作品在展示时会暴露出连着电线、起到支撑作用的控制板,这显出了作品工业物件的特性,但是它们投射的灯光具有强烈的色彩能将这些部件全都溶解于其中。

丹·弗莱文,《圣像五(科兰的百老汇肉身)》,1962

纤维板、油彩颜料、石膏、陶瓷插座、拉链、灯泡

©️ 2018 Stephen Flavin/ARS, New York

丹·弗莱文,《1963年5月25日的对角线(致康斯坦丁·布朗库西)》,1963

黄色荧光灯

©️ 2018 Stephen Flavin/ARS, New York

丹·弗莱文,《1964年3月2日的交替对角线(致唐纳德·贾德)》,1964

日光及冷白光荧光灯

©️ 2018 Stephen Flavin/ARS, New York


唐纳德·贾德的艺术创作始于1960年代早期一系列非常出色的以丽唯特、油彩和沙子为材料的绘画,还有一些以铝、纤维板和木头为材料的浮雕作品。这些作品的构成简洁,像是镶嵌在两个檐口之间的一张胶合板,并且展示出自身的结构方式。其中最大的一幅作品《无题》(1962)采用了壁画的尺幅和对称的形式,就像纽曼和斯特拉在作品中进行过探索的那样。贾德在《具体物件》中写道:“绘画的一个主要问题在于,它是一块平坦地靠墙放置的矩形平面[...]1946年之前的作品中矩形的边缘就是界限,是图像的尽头。”架上绘画——或者如贾德所说的“欧洲绘画”——的架构是一种各组成部分之间的相对平衡、一种构图上的阶级关系。与之相反,当时最为激进的绘画要么建构在一种非阶级性的铺满画布的图案之上,要么就以预先设定好的对称划分为基础。波洛克的滴彩画和纽曼的大幅油画作为整体是清晰可辨、强烈、明快而有力的。如果说欧洲绘画建立在视幻觉性的空间之上的话,那么崭新的美国绘画则是统一的、原义性的整体。

唐纳德·贾德,《无题》,1963

油漆、胶合板、钢管

© 2018 Judd Foundation / ARS, New York


之后贾德全然放弃了绘画,转向“真实的空间”。三维本身并不能确保达到贾德所寻求的原义性的特质,他也确实并不喜欢当时著名的雕塑家如大卫·史密斯和安东尼·卡洛的作品,认为它们的前提是一种立体主义式的部件之间的平衡。对贾德来说,这些焊接形式的雕塑终究来自于立体主义的拼贴,因此本质上是图像化的。而他认为对于雕塑而言需要吸收新的绘画形式中平坦、色彩丰富、图形简洁及其体量等特征。贾德早期的物件多以浅镉红上色,并且采用工业材料制作,例如有机玻璃、镀锌的金属及胶合板。他的第一次个展于1963年秋季在纽约的格林画廊举办,当时只展出了上述的红色作品,视觉效果非常强烈。展览深受多位有影响力的批评人的赞誉,并且使贾德成为了这一新兴艺术形式的领军人物。

展览现场,《贾德》,纽约格林画廊,1963

© 2018 Judd Foundation / ARS, New York

展览现场,《唐纳德·贾德》,卓纳画廊伦敦空间,2013


(未完待续)

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