马修·戴·杰克逊:用艺术捕捉宏观背景下的重要思想
发起人:天花板  回复数:0   浏览数:181   最后更新:2018/10/30 20:44:39 by 天花板
[楼主] 天花板 2018-10-30 20:44:39

来源:HauserWirth画廊


马修·戴·杰克逊(Matthew Day Jackson)图片:豪瑟沃斯

“当创作艺术的材料与艺术品的呈现方式一并被探讨时,一场超越本质的思考便随之引发。这种持续性的冥想使我们不断地进行深层次的对话,以探讨是什么样的媒介才能让我们更贴切地去形容超脱于肉体之外的人类。”

——马修·戴·杰克逊(Matthew Day Jackson)


马修·戴·杰克逊(Matthew Day Jackson),1974年生于加州全景城,现工作生活于纽约布鲁克林。杰克逊于1997年获华盛顿大学艺术硕士学位,2001年获罗格斯大学艺术硕士学位。他涉足多方面的艺术实践,其中包括雕塑、绘画、拼贴、摄影、录像、表演和装置。

杰克逊的艺术捕捉宏观背景下重大的事件与思想,如人类思想的演变、边缘化的致命吸引力,以及人类对技术进步的信念等。他的作品大胆地通过对其失败的乌托邦幻想,来探讨美国梦的神话,并同时探索着创造、成长、超越和死亡的力量。

马修·戴·杰克逊时常在作品中使用众所周知的经典意象,例如人类在月球上迈出第一步时的影像、上世纪六七十年代的美国《生活》杂志封面、以及与艺术史有关的史实等。他认为,作为生于当代的艺术家应该肩负起记录与批判世界事件的责任,因而他的作品探索的主题包括:太空、战争、机器、解剖学等,并且顺应了科学的飞速发展,融合传统工艺与尖端科技,创造出新颖且发人深省的艺术。

在杰克逊的作品中,过程和物质性作为展示意义的渠道一直是反复出现的主题。他使用的材料包括烧焦的木材、熔融铅、珍珠母贝、贵金属、福米卡和各种现成品,如:磨损的T恤、假肢、斧柄和海报等。对于杰克逊而言,可衡量的与无法解释的、权利与牺牲、死亡与无限都是其“恐怖美”观念的一部分——美丽往往与凄凉共存。


经典意向运用于装置

探讨事物的关联

「万物皆对象」(Everything Leads to Another)展览现场。摄影:Peter Mallet,图片:豪瑟沃斯

在其艺术生涯早期,马修·戴·杰克逊就将对经典意象的运用和存在主义的探究付诸实践。2011年,杰克逊在豪瑟沃斯的首展「万物皆对象」(Everything Leads to Another)便是对其早期艺术的归纳。 杰克逊在展览前说道:“我的作品并没有过去,因为历史是一切的一部分,万物皆对象。即使历史看似无实体,如若将其总和想象成一个实体,并从其中心向外移动360度,它便可以包围‘现在’。” 杰克逊认为,人们总看到他对于崇高的美的追求,却不知在他眼里,伴随着这美丽的是其对手——凄凉,他在这两个特性中博弈,依旧法将其分离,因而开启了寻求对立面边缘及关联的大门。

杰克逊被认为是他那一代最具吸引力和创造力的艺术家之一,其作品无所不含,寻求着看似截然不同的主题之间存在的必然联系。例如,印象派绘画和到达月球表面的关系、说唱音乐和艺术史相互作用;超常活动和核试验间的因果关系等,杰克逊郑重其事地向大众宣告了他的多样性,以材料和文化形式的方式将事物的特质属性讲述给全世界。

马修·戴·杰克逊,《世界轴》(Axis Mundi),2011,B29驾驶舱铝,红橡木 玻璃 不锈钢 塑料 铅 青铜 铁 黑曜石 皮革 银 水泥,373 x 480 x 590 厘米 / 146 7/8 x 189 x 121 1/4 英寸。摄影:Peter Mallet,图片:豪瑟沃斯


杰克逊的漫月系列装置作品之一《世界轴》(Axis Mundi)由经过翻新的B29驾驶舱构成。B29飞机是美国的第一个加压轰炸机机型,也正是在广岛和长崎投下原子弹的飞机模型。标志性的整流罩外部经过抛光处理,达到了高镜面效果,使其恢复到近乎出厂时的外观。艺术家为驾驶舱保留了加压屏障,借由此轰炸机彰显太空时代期间的航空工艺。舱内的装置更是与人类学和考古学中的好奇心共鸣,引用了维多利亚时代的自然历史博物馆的布置。杰克逊的《世界轴》与科学与人文的研究相衬相映,呈现出一个现代化的方舟,通过借鉴世界上最具破坏性的技术,展示了新世界伊始的位置。


尖端科技与艺术的有机融合

探索不为人知的空间


近几年,杰克逊更加大胆地去探讨“恐怖美”。他的跨学科实践是一项耗费大量活动,旨在绘制人类物理经验的最外层结界,并定位在超出崇高可能存在的极限之外。他使用一系列标志性主题,从太空探索和战争机械到高级解剖学,通过传统工艺技术和尖端计算机绘图来创作,揭示技术和时间之间的分层和不可言喻的关系。对于杰克逊来说,不论无法获得的距离多么小,都是无限的。杰克逊说道:“艺术家去到的地方,是一个常人不能去或者不想去的空间,即使那里有着真实存在的危险,我们也会将其现状呈现给大众。”

「有旧,有新,有窃,有蓝」(Something Ancient, Something New, Something Stolen, Something Blue)展览现场。摄影:Genevieve Hanson,图片:豪瑟沃斯

2013年的个展「有旧,有新,有窃,有蓝」(Something Ancient, Something New, Something Stolen, Something Blue)正是他为观众带回的反馈。展览中的三个新雕塑使用光学编程技术来全尺度再现可以从艺术史上立即识别的物体。杰克逊认为:“我们生活在一个非凡的时刻,每个人都可以通过手机捕捉周遭的世界,并通过一系列点击对其再造。所有这些权力都掌握在个人手中。

马修·戴·杰克逊,《圣殇》(Pieta),2013,水泥 陶瓷 砖 硅球 玻璃 不锈钢,216.5 x 197.2 x 117.5 厘米 / 85 1/1 x 77 5/8 x 46 1/4英寸。© 马修·戴·杰克逊,图片:马修·戴·杰克逊,豪瑟沃斯


展览中三个新雕塑的每一个都是由智能手机拍摄的照片制作而成。杰克逊将他的图像下载到一个免费且通用的应用程序上,打印、雕刻并将照片以三位迭代的方式投射出来,探索了当今世界制作常规物件的主要科

而其中,最赋有纪念性的雕塑《圣殇》(Pieta)这是对米开朗基罗于十五世纪创造的同名杰作的全面参考。杰克逊的《圣殇》基于用智能手机所拍摄的、位于皇后区博物馆的米开朗基罗原创雕塑石膏。因为雕塑的材料包含了艺术家在纽约市周围收集的碎石、残余物、垃圾和大量的水泥骨料,所以杰克逊的《圣殇》更像是一块现代化石。作为理想的纪念,《圣殇》作为展览中体现事物发展过程中的最终调停,记录、呈现并升华了世界万物“成为”他物的变化和立意


自然破坏中寻求的美感

当下危机中发现的过去

而艺术家最新的艺术创作,则是对传统和其文化上的位置,以及他本人的作者身份与创作方式的关系展开批判。作品利用静物和侧卧裸体形象,再结合对材料和形式的精确使用,正如杰克逊所解释的那样:“我有兴趣探索某些想法、形式、图像、叙事结构和传统如何在当下被表现出来。他们与过去分离并被分解的过程就是它们生动的形式。

马修·戴·杰克逊,《木制器皿中的花卉》(Flowers in a Wooden Vessel),2017,福米加 丝网 丙烯 聚氨酯版上,245.1 x 183.2 x 5 厘米。© 马修·戴·杰克逊,摄影:Matthew Kroening,图片:马修·戴·杰克逊,豪瑟沃斯


这一系列静物“绘画”是对扬·布鲁盖尔(Jan Brueghel)两代画家风格的直接重现,这种流派曾定义了十六和十七世纪、创作于荷兰殖民和扩张时期的花卉绘画。这些作品对于艺术家的意义在于,它们同时具有欺骗性和平淡无奇的特质;它们既是对大自然恩典的丰富表达,也是权利与财富的视觉体现。虽然这个时代的科学知识在迅速发展,杰克逊预示了对自然无止尽地误用和滥用的陷阱。这种担忧与杰克逊此前作品中探讨美国环境运动和可持续性问题息息相关。如果布鲁盖尔的绘画是对大自然作为人类神圣恩赐的庆祝,那么杰克逊则提供了另外一种观点,因为对于艺术家而言,“每件作品都是一次探索的冥想,是在当下中发现的过去,是对科技以及我们持续倾向去打开潘多拉魔盒的批判性论述。”

马修·戴·杰克逊,《宫女(带蓟)4号》(Odalisque(with Thistles)IV),2018,青铜,113.7x 225.4 x 94 厘米。© 马修·戴·杰克逊,摄影:Genevieve Hanson,图片:马修·戴·杰克逊,豪瑟沃斯

花卉“绘画”完全由人造和加工材料组成,如福米卡、胶合板和环氧树脂。杰克逊对这些材料有着个人共鸣,其中充满了他过去的记忆,以及他本人的“美国经验”。这些物质的使用是对美国环境、愿望、阶级和无常的深思。在作品《花瓶中的花束》(Bouquet of Flowers in a Vase, 2017)中,杰克逊将丝网印刷和嵌入式花卉的精致形式置入倾倒而出的铅背景中。这种金属与毒药和死亡有关,以这种方式,艺术家在作品本身构造中呈现一种死亡的象征。

马修·戴·杰克逊,《石制花瓶中的花卉》(A Stoneware Vase of Flowers),2018,福米加 丝网 丙烯 环氧树脂 版上 不锈钢框,156.2 x 122.2 x 5.1 厘米。© 马修·戴·杰克逊,摄影:Matthew Kroening,图片:马修·戴·杰克逊,豪瑟沃斯

人与自然的关系,以及我们倾向于在无生命物体中看到人类的形式——即一种幻想性错视的形式——反映到杰克逊这里,就是由现成形式组成的侧卧人物。艺术家在怀俄明和纽约的散步时,中找到了破碎和腐烂的树枝,从看不见的角落里发现的碎片,然后将这些部件以青铜铸像,创造出部分人像模型。通过这种方式,他鼓励我们审视自身观看和投射于自然的倾向,将人体等同于景观、山脉或远景。侧卧人像雕塑中描绘的苏格兰蓟代表了我们如何定义自然界中美丽或理想的事物。这些杂草在北美的大部分地区都被视为侵入性植物,对于杰克逊而言,这些植物在更大的当代对话语境中,与叛乱分子、难民和移民有关。正如他所解释那样:“将它们纳入雕塑之中,我希望打开一个批判的视角,关于我们如何定义和分类我们所看的‘其他’或者‘不合需要’。”对于杰克逊而言,这种对人性的考察具有影响力,因为“我们更多地关注过去,以及我们与传统、历史、图像、形式和神话的相互影响,我们就能更好地解决当前局面”。


重要美术馆展览、公共收藏

及画廊展览

马修•戴•杰克逊「静物与侧卧的裸体」(Still Life and the Reclining Nude)展览现场图。图片:马修·戴·杰克逊,豪瑟沃斯

杰克逊的作品被广泛展出,近期个展包括:2018年,纽约大都会艺术博物馆,十二幅版画作品《细雨即将来临》(There Will Come Soft Rains);2017年,阿米斯特丹格林画廊「枪击胶合板铜制作品」(Gunshot Plywood Bronze Works);2015年,法国巴黎洋槐工作室「新美国艺术」(New American Art);2015年,萨凡纳艺术与设计学院「细雨即将来临」(There Will Come Soft Rains);2013年,德国卡尔斯鲁厄艺术与媒体技术中心「全部成就」(Total Accomplishment);2012年,荷兰海牙市立博物馆「探寻……」(In Search of...),后巡展至意大利博洛尼亚现代艺术博物馆以及瑞士琉森艺术博物馆;以及2009年,麻省理工学院视觉艺术中心「不可测量的距离」(The Immeasurable Distance),后巡展至德克萨斯州休斯顿当代艺术博物馆。

杰克逊也参与了众多群展,其中包括:2017年,俄亥俄州伍斯特学院艺术博物馆「黄昏至黄昏」(Dusk to Dusk);2017年,加州奥克兰艺术博物馆「塔霍:塔霍湖区的艺术」(TAHOE: Art of the Lake Tahoe Region);2015年,日本广岛当代艺术博物馆「鸟瞰世界之景」(A Birds’s-eye View of the World);2015年,宾州萨梅克艺术博物馆「黄昏至黄昏」(Dusk to Dusk);2014年,波士顿艺术博物馆「国家傲慢(与偏见)」(National Pride (and Prejudice));2012年,加拿大魁北克当代艺术博物馆「动物园」(Zoo);2011年,美国沃克艺术中心「本国的奇观」(TheSpectacular of Vernacular);以及2011年,惠特尼美术馆「奇特的景象」(Singular Visions)。

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