现场 | 图像将以何种形式迈向22世纪?
发起人:叮当猫  回复数:0   浏览数:412   最后更新:2018/03/08 09:10:39 by 叮当猫
[楼主] 叮当猫 2018-03-08 09:10:39

来源:YT新媒体  文:刘元博


全球艺术现场


坐标:东京 21_21 DESIGN SIGHT

时间:2018.02.23-2018.06.10


艺术家:威廉·克莱因、石川直树+森永泰弘、胜又公仁彦、沈昭良、须藤絢乃、TAKCOM、多和田有希、西野壮平、藤原聪志、水岛贵大、安田佐智种

1928年出生于纽约的摄影师威廉·克莱因,今年已90岁高龄,但依然活跃在摄影界,无论是1956年威廉·克莱因的出道作品《Life Is Good&Good for you in New York:Trance Witness Revels》(《纽约的生活对你有利——威廉·克莱因恍惚中看到的狂欢》),还是之后拍摄的罗马、莫斯科、东京、巴黎等世界都市的摄影作品,他以一贯大胆地风格尝试突破摄影这一概念,他的摄影作品对后世的很多摄影师有着巨大的影响。


这是21_21 DESIGN SIGHT第一次举办摄影展,展览《摄影都市展-威廉·克莱因与22世纪的摄影家们》由克莱因与日本以及亚洲的艺术家们共同参与,展览意在探讨面向22世纪的图像世界究竟会变成什么样子,都市又将会变成什么样子,亦将探讨摄影或者都市究竟是什么这一问题。

克莱因也来到了开幕现场


西野壮平通过旅途行走得到了特殊的身体经验,并以此为基础发现了多元的都市构造,意在发掘生命移动的本质。他将旅途的途径与移动这个行为可视化,从不同视点拍摄了上百、上千张照片,并将这些作品重新组合,形成了一个错综复杂的新次元。他的创作如同是在创造一个全新的街道模样。


近年来,西野以鸟瞰图一般架空的视点来观看都市的制图,将山川,大气的移动等事物描绘出来,艺术家的移动究竟是有意识的还是无意识的,人们在观看时会捕捉到千万种在图像中存在的事物,看着看着就不由得出了神。西野壮平刻画了一幅让人陶醉在其中的具有千变万化的都市乐章。

西野壮平作品

展览现场


曾经被人们称为探险地的场所如今已成为新的生活居所,城市就这样诞生了,人们的生存领域甚至已经到达北极圈和南极圈,在那样严峻的环境下依然有城市的存在。在那里爱斯基摩人们伴随着美妙的海声、雪声、雪橇犬的声音生活着。


石川直树对人类学以及民族学抱持着一种强烈的关心,从北极到南极,从珠穆朗玛峰到内陆,他的足迹遍布四方并拍下了无数让人心生荡漾的摄影作品。


森永泰弘也从艺术人类学的视点来切入作品,他从都市的环境音、噪音等方面入手,来寻找音乐以及乐器的初源。两人组成了全新的艺术组合,摄影与音乐的合奏,向宇宙发出美妙的“行星的光与声”,又逐渐在天空中缓慢地消失。

石川直树 森永泰弘作品

展览现场


《幻影Gespenster》是须藤絢乃来扮演那些行踪不明的少女们并拍摄下的肖像作品。须藤以这些少女们遗留下来的照片为基础,将这些照片再现。这些少女们已然会社会化地抹除掉了,但须藤将这种特殊的不存在感以自画像的方式戏剧化地演绎。Gespenster在德语中是“灵”、“幻”的意思,在这里须藤借用这个词来表现了一种不存在与非存在之间漂泊的人物形象。


《面影Autoscopy》是在纽约、东京、巴黎、伦敦拍摄的不同国籍的人们的面孔,再与作家自身的面孔进行合成的肖像作品。Autoscopy有自窥证,自见幻觉的意味,就是会将他人看成是自己的意思。对于他者来说,“自身”的介入是一件极其不明确的事情,须藤拍摄这些在城市中成长的人们,然后在电脑上通过手中的笔将自己脸部的特征赋予在他们的脸上。虽然这是两个完全不同的作品,但都存在着一种对城市的浮游感。“我”是由无数粒子构成的,当“我”转移到“你”时,“我”与“你”之间在某种程度上就产生了互换,这种木与灵般的关系深深震撼了人们。

须藤絢乃作品


相机并不是记录可见的事物的,而是将可见的世界变化成不曾见过的世界。相机将我们从日常感觉中释放出来,带领我们进入到了一个未曾知晓的细节。


胜又公仁彦的作品《Panning of Days-Syncretism》,拍摄的并不是一个宿命的瞬间,而是在不同时间,但在同一场所拍摄长时间曝光作品,再将这些同一地点拍摄的作品合成的项目。《Skyline》拍摄的则是俯瞰城市的图像,艺术家在这个系列作品中着眼于城市的轮廓,胜又公仁彦通过不同拍摄体来探讨“时间”“光”“场所”“空间”的问题。


勝又公仁彦 - Panning of Days Syncretism-Palilmpseste


随着暮色渐入低垂,水田里的波痕光影,持续吸吮着夜色,愈发辉映舞台车上的饱满绮丽。那是蓄势待发的航天飞机?真实与幻境的错置?梦想与现实的距离?抑或只是午夜梦回时的神游呓语?直到按压快门前的那一刻,我仍无意分清。


以综艺团、歌舞团、康乐队及影视传播公司为名的演出团体,其对外的客群与内部的工作内容实则相通,堪称为台湾特有的移动式演出团体,自1970年代前后,即以歌舞表演为主体,活跃于台湾社会的各式婚、丧、喜、庆等场合。此集所摄舞台车,即是目前现役并仍存在于台湾庶民社会,提供上项演出团体表演所用,进而形塑多数台湾民众集体记忆的移动式「载体」。


沈昭良《STAGE》系列作品中,绝大多数空无一人与结合周边环境间关联的表现形式,实为凸显舞台车存在于庶民社会的现状,及与多样现实场域间无可名状的对照,并尝试在视觉表现与形式上,有别于传统写实纪录风格,朝向融合环境肖像、视觉群化与类型建构的当代式书写。然而,影响《STAGE》(舞台车)系列实景拍摄的主客观因素实属庞杂,以个人多年参与田野工作与拍摄实务的经验,《STAGE》(舞台车)系列的整体实务难度当属一二,除了须不断亲赴现场,寻访散布于全台各地的舞台车,与业主联系协调,履勘合适的拍摄场景,同时审酌演出类型、拍摄地点、季节气候、日末时间、居民观览习惯与生活作息等变因,方于2006年至2013年间,逐步完成约一百部左右的拍摄工作。


藉由《STAGE》(舞台车)系列作品中,以趋近传统直接形式,复合当代语汇,聚焦于台湾当下社会文化景况,所进行的视觉描写,寥足以提供观者,作为审视台湾当代摄影发展进程中,可能衍生的另一种转折与关注。

沈昭良作品


“摄影本身是反摄影的,电影本身也是反电影的。”威廉克莱因曾这样说过,他的作品也一直是在革新摄影表现以及映画表现,是图像的实验场。


TAKCOM深受克莱因的影响,并开始使用新型媒介以及科技的手段。克莱因的世界都市,其速度和强度在21世纪再次苏醒了,并以各种图像形式不断地展现在人们面前,地球上各种城市之间产生了融合,逐渐形成了新型的行星模样。


21_21 DESIGN SIGHT - TAKCOM作品


水岛贵大的作品经验来源于在城市中遇到的各种各样的人,与作者曾经经历过的事情与遇到过的人们,这些记忆在某些时刻是重合的,现在存在的人们的样子与城市的样子都是在闪闪发光的。人的本性是孤独的,作者尝试与街上的人们通过摄影产生一些联系。

水岛贵大作品

水岛贵大作品


Park Mina少年时期受精神困扰以及压力影响,养成了去水族馆调节自己的习惯,有时会一整日待在哪里。灰暗的空间中,从玻璃透出的如烟一般的光线引得人很容易进入冥想。


睁着眼睛但却好像做梦一样,这种梦游的状态与婴儿在羊水中一般让人感到安定。水族馆是能够改变时间流动的场所,在被解放的自由的意识中,水族馆是允许过去与现实混杂在一起的特殊的场所,通过水池能够看到什么呢,隐藏在都市中的秘密正在一点一点地露出水面。

Park Mina作品


多和田有希脱离了摄影将现实再现的特点,而是将摄影作为物质性地存在。


通过燃烧,使图像产生空间化效果,印画纸表面产生的物理反应将摄影作品的原貌改变了,展现出了“摄影”物质性的变化,形成了一种富有魔力的图像。展览中共展出两个系列作品《white out》以及《I am in You》。

多和田有希作品

多和田有希作品

多和田有希作品


安田佐智种从纽约的高层建筑的展望台拍摄3000-5000张作品之后合成作品《Aerial#10》,以及由东日本大地震之后因海啸而解体的福岛住宅照片构成的《未知之地》。

安田佐智种


有着长久历史的摄影图像,在21世纪究竟扮演着什么样的角色?在未来又将会被赋予什么样的使命?被拍摄者本身带着各种设定(如脸、服装、身形、发型等等)这些设定在图像上被设定、被转换、被压缩或者被放大、也变得一无是处,藤原聪志的作品《Scanning#1》就是在空间中对此的实践,是将摄影还原到原点的尝试。藤原重新对摄影的概念产生的质问,并将都市的肌理与基层融合在了一起。

藤原聪志作品

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