来源：artnet
2017年威尼斯双年展上，Anne Imhof《浮士德》中的一位表演者。图片：courtesy of Vincenzo Pinto/AFP/Getty Images
1. Frances Strark的《Censorship Now》系列
2017年惠特尼双年展
Frances Stark的《Censorship Now》（2017）。图片：Courtesy of the artist and Gavin Brown’s enterprise, New York/Rome
随着特朗普成功当选美国总统，每个人都明白2017年会是令人愤怒的一年。但令人料想不到的是，这股怒气还向内发展，在我们所处的文化圈内蔓延开来：左派思想严重，引发了数轮极端的审查和指责事件。而碰巧的是，我在2017年看到的惠特尼双年展是当年同类双年展、三年展中最好的展览，它独具匠心地将这个问题通过两件参展作品表现了出来。首先，毫无疑问的是Dana Schutz那件描绘非洲裔少年Emmett Till躺在棺材里的画作，当时引发了无数争议，讨论本身为白人的艺术家Dana Schutz是否有权利去呈现这么一件令人悲伤的事情，甚至要求惠特尼双年展将这件作品撤出或是摧毁（策展人拒绝了这一要求）。
另一件作品是Frances Stark的一组呈现Ian F. Svenonious经典长文《Censorship Now！》（当下审查制度！）的绘画作品，艺术家通过对艺术、娱乐、政治和技术方面的民粹主义、反资本主义审查的全力支持，反省式地提出了相反的论点。这样看来，艺术家的这些观点是非常有意思的。
“收音机里播放的音乐“如果不错的话，就会被说成“助长了阶级斗争，对那些愚昧无知、反社会人格者，以及那些邪恶的财富积累、歧视和日渐呆缓的社会机能进行赞美”；许多电子游戏则被“设计为诱发暴力、被动手淫的根源，并完全创造了一个顺从的死亡机器”；太多文化都可以被视为“华尔街的发声器”，屈服于市场的极权之手。
这些画非常忠实地对Svenonious那些极端的解决方式提出了回应：“我们需要一种游击审查方式，使用着革命中最残忍的那些工具：痛苦、恐惧、绝对的冷酷无情……审查、终止、杜绝以及清偿。一直审查到人们需要接受再教育！”当然，在要求移除Schutz那幅肖像画、（以相似的文化挪用理由要求）摧毁Sam Durant的绞刑架式雕塑以及撤走大都会博物馆里巴尔丢斯（Balthus）画作的事件中，其背后呼吁审查的声音可能完全是出于一种好意。
有那么多人视艺术为一种慰藉的原因，就在于艺术歌颂不平凡，赞美那些非正统的、另类的声音；它为真理和虚构、错误和正确提供了一把保护伞，让所有这一切能够融合在一起成为生活中可辨的真相。然而，如果这种拥抱一切的姿态本身就成为了一种正统理论，审查或其他保守的反应形式是否都会成为被压抑的替代性选择？这个看似无法解决又相当迫切的问题，正是Stark的作品间所迸发的火花，也使他成为了我心目中2017年最棒的艺术作品。
——artnet新闻主编Andrew Goldstein
2. MundoMeza
《无题（男性裸体）》
约1983
洛杉矶当代艺术博物馆
Mundo Meza，《无题（男性裸体）》（Untitled，Male Nude），约1983。图片：Ben Davis
“太平洋标准时间”中包括了几个在我看来能代表博物馆最高学术水平的展览：为你提供足够的历史知识，帮助你拓宽理解艺术在现时能做些什么。“Radical Women”讲述了“艺术作为生存策略”以及通过更有影响力的方法实现个人救赎的故事；展览“Axis Mundo: Queer Networks in Chicano L.A”则更为质朴一些，深深根植于对某个时间和地点的挖掘和再现。艺术家Teddy Sandoval 标志性的作品是胡子浓密但却没有脸的男性人物，他是我在那场展览中一个重要的收获。而几乎已经被人遗忘了的画家Mundo Meza的黑白画作，有着令人着魔般的大体量的亲密感，着实使人过目不忘。
——artnet新闻美国艺术评论人Ben Davis
3. Kerry James Marshall
《Memento #5》
2003
洛杉矶当代艺术博物馆
Kerry James Marshall，《Memento #5》，2003。图片：Photo: Jamison Miller, courtesy of The Nelson-Atkins Museum of Art, ©Kerry James Marshall
尽管我时常感到自己已经对绘画丧失了大部分的兴趣，但Kerry James Marshall的作品依旧让我不忍错过，尤其是在2017年。《Memento #5》这件作品，也是在Marshall精彩的“Mastry”回顾展中我最喜爱的作品之一，这幅画出众的层次表达已经超越了作品本身的情感重量。在这幅作品中，他对四位社会和种族平等进程中倒在了枪口下的人物表达了最直接的哀悼：在天堂般的起居室银色窗帘后，艺术家画上了四位起着推动性作用的人物，Malcolm X、马丁·路德·金、J.F.肯尼迪以及R.F.肯尼迪。Marshall并没有以隐喻式、绕迷宫般的方式来传递这些信息，而是用几乎所有人立刻就能读懂的图像来表达。这确实是2017年一首既宏大又足够真实的挽歌。
——artnet新闻艺术市场撰稿人Tim Schneider
4. Carlos Garaicoa，《Abismo》，2017
都灵Fondazione Merz
Carlos Garaicoa，《Abismo》 ，2017。图片： Renato Ghiazza, courtesy of Fondazione Merz
这件影像作品藏在了Garaicoa在都灵个展中，展厅尽头的楼下。这件动画中，白色的背景上有一双不见其躯体的手，很明显地在指挥演奏法国作曲家Olivier Messiaen的《Quartet For the End of Time》，是Messiaen在1940年法国被德国攻陷后被囚于德国Stalag VIII-A军营时所作。但这位古巴艺术家所创作的动画手，其实并没有在指挥乐谱，实际上这些手势是希特勒在发表演说时所使用的手势。这让它成为了2017年最打动我的一件作品，或许是因为它既有乐曲的美感，也有这双精巧的手原来传达的是“最终解决方案”（编者注：第二次世界大战期间纳粹德国针对欧洲犹太人的系统化的种族灭绝的计划及其实施）这一层令人后知后觉的领悟，同时它又是我们所熟悉的一些当代政治家的身体语言。
——artnet新闻伦敦编辑Naomi Rea
5. 特纳的现代和古代港口：
弗里克美术馆（Frick Collection）
约瑟夫·特纳（J.M.W. Turner），《科隆，邮船抵达：晚间》（Cologne: The Arrival of a Packet-Boat: Evening ）。图片：The Frick Collection, New York; photo: Michael Bodycomb
我在2017年看到过的最美、最有启发意味的展览之一就是去年春天弗里克美术馆举行的“特纳的现代和古代港口”（Turner’s Modern and Ancient Ports），这是我一生中最喜欢的艺术家之一（特纳）在我最喜欢的美术馆之一里面所举办的展览。举行这场展览的动机首先源自于两张本属于弗里克收藏的特纳重要画作《迪耶普港口》（The Harbor of Dieppe, 1825）以及《科隆，邮船抵达：晚间》（Cologne, The Arrival of a Packet-Boat: Evening ，1826）。由于运输限制，这两幅作品从没有在弗里克美术馆之外的地方展出过。我所喜欢的是，特纳作为一个热衷于旅行，对光、风景和当地习俗感到非常着迷的人，不仅仅在画中勾勒出了英国、法国、德国的“现代”港口们，同时也创造出了一个他自己也从未见过的古代港口的鲜明景象，为人们的想象提供了一幅形象的画面。
——artnet新闻艺术市场高级编辑Eileen Kinsella
文：artnet News
译：Elaine
来源：artnet
2017 盘点系列：全球最好的艺术作品是？（中）
Chris Burden, 《桑托斯·杜蒙的赞美诗》，2015。图片： © Chris Burden, photo by J.Searles
6. Chris Burden，《桑托斯·杜蒙的赞美诗》
Odeto Santos Dumont，2015
瑞士巴塞尔艺博会
去年6月举行的瑞士巴塞尔艺博会上，“无限”（Unlimited）单元里展出的Chris Burden的绕环形飞艇雕塑绝对是一大亮点。名为《桑托斯·杜蒙的赞美诗》的雕塑装置，是这位已故的伟大美国艺术家离世前的最后一件作品。2015年，在Burden去世仅五天后，这件作品终于在洛杉矶郡立美术馆进行了第一次公开亮相。而这次，在高古轩画廊的和一组专业的地面人员的帮助下，这艘飞艇得以重新开始它的飞行。Burden从没有认为自己的哪件作品会达到完美的状态，但这件作品几乎已经做到了。他自己也对飞艇的诞生和运行感到非常激动，但他只能在一个私人停机库中，和发明家John Biggs一起看着它进行试飞。
——artnet新闻英国编辑Javier Pes
7. Emeka Ogboh
《The Way Earthly Things Are Going 》
2017年
第14届文献展（雅典展区）
Emeka Ogboh，《 The Way Earthly Things Are Going》，2017。图片：第14届文献展希腊雅典 Conservatoire展览现场。Photo: Mathias Völzke
尽管去年的第14届文献展雅典展区内弥漫着一股让人困惑又尴尬的氛围，但看到Emeke Ogboh这件低调又谦逊的作品实在是不幸中之大幸。这位尼日利亚艺术家的作品放在了雅典市中心Conservatoire的一个室内圆形剧场内，为其营造了一个庄严的私人空间：空荡的场地内放置着音响以及一块滚动播放着实时股市价格的大型LED播放机。混凝土空间中传来一个希腊复调唱诗班的层层声音，合成了一种既有穿透力又引人冥想沉思的效果，使整个场景令人着实难忘。这样悦耳动听的异国语言让人想到了作为西方文明发源地的希腊（而现在正陷入经济危机），同时它又和空间内播放的世界经济和自然能源价格起伏涨跌声音并置在了一起，形成鲜明对比。由此引发的有关经济危机的联想突然被打开，一种不知名的语言和文化跨越了藩篱，变得非常人性而可亲；标志着西方文明的立柱则融进了一股彩色的光束中，看起来异常陌生而抽象。
——artnet新闻柏林编辑助理Kate Brown
8. 弗朗西斯·毕卡比亚
《我们的头是圆的，所以思想能转向》
纽约现代艺术博物馆
弗朗西斯·毕卡比亚，《米诺斯》（Minos）, 1929。图片：Collection Gian Enzo Sperone. Courtesy of SperoneWestwater, New York
当我走进这场展览时，我为自己对艺术家毕卡比亚知之甚少而感到羞愧。这场展览中的每一个展厅都讲述着一个故事。（艺术家）早期印象派风格的画作让位于立体主义风格的作品，之后又对达达艺术进行了探索，毕卡比亚拒绝将自己仅限制于一种风格中。
展览中最引人驻足的作品是“透明”（Transparencies）系列（1927-30），艺术家使用了彩色透明的釉彩和漆完成了各层图案叠加的效果，让油画看上去如同一个陶瓷碗表面光亮的图像一般。毕卡比亚作品的主题通常取材于神话故事，这也为作品更平添了一份不同寻常的视觉效果，仿佛是某个失落文明中的遗物，上面的图像一边褪去色彩一边揭示着一段被抹去的历史。然而，毕卡比亚凭借出色的构图把这些看似相斥的图像和谐地融合成一个整体，产生一种令人难以抗拒的力量，吸引观者久久凝视着这些密密麻麻、互相映衬着的线条和色彩。
——artnet新闻编辑Sarah Cascone
9. Alina Szapocznikow，
《人格化的肿瘤》，1971
Hepworth Wakefield
Alina Szapocznikow，《人格化的肿瘤》，1971。图片：© 2017 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris. Courtesyof Zachęta – National Gallery of Art, Warsaw
尽管去年穿梭在各大艺博会、画廊和双年展中，我看到了大量的新作品，但最让我感到震撼的一件作品却是大约50年前波兰艺术家Alina Szapocznikow的作品，她的个人回顾展“人类风景”（Human Landscapes）正在Hepworth Wakefield展出，一定不容错过。Szapocznikow一生的创作都十分精彩，以至于很难从中挑选出最喜欢的一件。不过，我确实被其中一件深深吸引：放置在地面上的雕塑《人格化的肿瘤》（1971），一组像器官形状的聚酯树脂雕塑被刻上了艺术家的面部，放在灰色卵石铺成的地面上，好像一群肿瘤不知何故地被困在了一个卵石滩上。艺术家1971年创作这件作品时（还有许多类似主题的作品）正在和乳腺癌进行搏斗，两年后47岁的她被病魔夺去了生命。这件作品并不只是传统层面上推动了雕塑的界限的伟大创作，同时它更提醒着我们最好的艺术作品并不是来自自恋而又专横的人生。
——artnet新闻特约编辑Lorena Munoz-Alonso
10. 陈佩之（Paul Chan）
“Rhi Anima” 展览作品
Greene Naftali画廊
陈佩之，《Pentasophia (or Le bonheur de vivre dans la catastrophedu monde occidental)》，2016。图片：Courtesy of the artist and Greene Naftali
吊诡、无法忘怀、充满智慧、甚至风趣，陈佩之的展览“Rhi Anima”是去年让我最难以忘却的事情。
——artnet新闻画廊编辑Taylor Dafoe
文：artnet News
译：Elaine
来源：artnet
2017盘点系列：全球最好的艺术品是？（下）
威廉·肯特里奇（William Kentridge），《Ursonate》，2017。2017 Performa 委任作品。图片：© Paula Court
11. 威廉·肯特里奇，《Ursonate》
Performa 17，2017
哈勒姆教区社区中心
去年11月的纽约Performa行为艺术双年展上，威廉·肯特里奇的表演有力地传递了Kurt Schwitter那首无与伦比的抽象诗《Ursonate》(1932)。在哈勒姆教区社区中心宏伟的建筑中，艺术家在展出自己标志性的停格绘画之前，先在座无虚席的观众面前表演了这首诗歌
Schwitter的这首达达诗歌是将奏鸣曲的经典形式进行倒置，使得这首诗歌变得无意义，开头第一句为：Fümms bö wötää zää Uu, pögiff, kwii Ee。而肯特里奇接着又以一种新的形式为这首无意义的诗歌注入了意义：他用一种讲座的节奏和音调来朗读了这首诗歌，偶尔还会从演讲台后面冒出头来，饶有趣味地强调其中某一点。当你完全沉浸在这样的表演中，认为已经达到完美时，一位女高音歌手、一位法国小号手和打击乐手（Ariadne Greif, Michael Atkinson以及Shane Shanahan）也加入其中，将表演直接带入了纯粹的狂欢中。
——artnet新闻资深撰稿人Brian Boucher
12. Anne Imhof
《浮士德》
威尼斯双年展
Franziska Aigner在Anne Imhof的《浮士德》（ Faust. 2017），第57届威尼斯双年展德国馆。图片： © Nadine Fraczkowski, courtesy of the German Pavilion and the artist
我和我的母亲一起去了去年的威尼斯双年展，也正是她在2014年和我逛完惠特尼双年展后告诉我说，应该要和她好好解释一番作品。而Anne Imhof获得金狮奖的的德国馆作品似乎也是一座难以逾越的山头。首先你需要排队才能进场馆，而一旦进去后你也很难一下子明白里面正在发生些什么。一小群表演者们“栖居”在数间一无所有的空房间内，他们悄无声息地、缓缓地开始了交流：首先隔着整个房间互相盯着对方，接着开始拥抱然后在地板上扭打作一团。
随着剧情的展开，我母亲和我都显得非常震惊。过去了近一个小时后，我们俩谁都不想离开。我不停在想着玛琳娜·阿布拉莫维奇曾说过，想要教别人如何成为行为表演艺术家是多么困难的一件事，因为你无法把人格魅力教授给别人。虽然Imhof自己并没有参加演出，但她为舞者所设计的舞蹈，举手投足间都吸引着我们的注意。在她创造的空间里，通常支配着人类交流的规则都戛然而止。当我们离开德国馆后，我和我母亲都深深呼出一大口气——我们都没有意识到自己一直都在屏息凝神。
——artnet新闻执行编辑Julia Halperin
13. Martin Keppenberger
《无题》（Untitled,1992）
纽约Skarstedt
Martin Kippenberger，《Untitled》，1992。图片：courtesy of Skarstedt Gallery, New York
德国艺术家Martin Kippenberger在其Skarstedt的展览“手绘图片”（Hand Painted Pictures）中别出心裁地以传统自画像作为表达媒介，以一种并不常见的率直甚至有些怪诞的手法描绘了艺术家自己，以探索他一直致力于思考的自我表现的问题。在《无题》中，艺术家充分展现了自己的高超技巧，将素描式样的草绘风格和细致入微的面部特征完美统一了起来。这幅画作于艺术家在希腊长居的一段时间内，而画中的德国习语也由希腊字母表现了出来。
——artnet新闻编辑Henri Neuendorf
14. 皮埃尔·于热
《未来生命之后》，2017
明斯特雕塑展
皮埃尔·于热（Pierre Huyghe），《未来生命之后》（After A Life Ahead, 2017），明斯特雕塑展（Skulptur Projekte）。图片：Ola Rindal
2017年最难忘的经历之一就是在明斯特雕塑展一间废弃的溜冰场内，探索皮埃尔·于热的大型装置作品。我小心翼翼地穿梭于里碎裂的混凝石板间，直直走向那些带有迷惑性的杂色孔雀——由于基因变异两种颜色的结构一直贯穿它们的全身（由于孔雀之后开始表现出了紧张的状态，而被移除了展览场地。）接着我向下走到一个宽敞的空间，行走在土块间，走向一个造型优美的黑色物体。空间中的每个物体都是有生命的：一根土柱原来是一个蜂窝；黑色的管子实则是用玻璃水缸做成，随着从天花板一个装置中射出的灯光抵达黑色管子时，管体就会呈现半透明状，并且会根据空间的温度和湿度进行开闭。实际上，这个受控制的装置是为了制造出特殊的气候状况，可以反映出人类的癌症细胞（医学和历史上都称为海拉细胞）分裂和增长的速度。这件作品让人感到阴暗同时又难以忘却，自然的变异和事物的反常让人产生了一个有关生态环境遭到了控制的假象。
——artnet新闻欧洲编辑Hili Perlson
15. Sue Williams
纽约303画廊
Sue Williams, 《地平线》（Horizon Line） ，2017，纽约 303 Gallery。图片：by Rachel Corbett
在过去丑陋的一年中，那些绘画是在我脑海中留下美丽记忆的事物。Williams的早期作品主要是以对厌恶女性主义者进行暴力摧毁为主题，而近些年其作品转向了一种热情奔放的抽象叙事风格，画面常常充满了彩色的故事场景和带有黑色幽默的细节（比如在阴茎上打开的窗帘，一个女孩在呕吐等），既恰当好处地传递出政治现实之艰难，也体现了（作品）引人入胜的情节和对空间的精妙把握。
——artnet新闻副主编Rachel Corbett
文：artnet News
译：Elaine
