来源：Cc艺术 文：MargaretCarrigan

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《艺术家如何踹了画廊，直接销售作品给藏家？》

文［节选］ / www.artsy.net

编译 / Cc

2008年9月8日，伦敦苏富比的拍卖会上，英国艺术家达明恩·赫斯特在他自己的艺术作品《The Incredible Journey》旁边摆姿势。Photo by SHAUNCURRY/AFP/Getty Images.

2008年，达明恩·赫斯特跳过了他长期合作的画廊，带着他展出的作品直接上了苏富比拍卖行。史无前例的销售方式超过了该作品的全部估值，最终带来了约2亿美元的收入（当时他的代理画廊高古轩和白立方并没有参与利润分成），那么问题来了：艺术家是否真的需要画廊来销售他们的作品？

达明恩·赫斯特惊人的销售成果源于他在商业上取得的巨大成功。现在，还有一群新锐艺术家对市场发起了挑战，他们为了获得更高的收益而直接跳过销售方，想要赚取一些快钱，或者想要尝试一下他们作品的电子商务可能。这些艺术家通常将此作为对市场机制的一种批判。总的来说，他们宣泄了对传统画廊运作模式的不满。

拥有代理画廊曾经是艺术家职业生涯中的重要转折时刻。因为，画廊不仅积累了众多藏家资源，还为艺术家举办面向公众的展览，带作品参加艺博会，以此补充和挣得作品创作的支出，出版艺术家的画册，以此让艺术家在艺术史中留有重要位置，也利于日后销售他们的作品。作为回报，画廊主们通常获得50%的作品收入。

UV Production House (Joshua Citarella and Brad Troemel), a bubble (2016), sculpture
Image courtesy of the artists and Carroll / Fletcher, London

艺术家Brad Troemel和Joshua Citarella，他们现在分别由Marinaro和Carroll / Fletcher画廊代理，在2015年迈阿密艺博会之后，他们开始在线上出售自己的作品。虽然他俩都通过当时的画廊卖出了作品，但回到纽约后，发现即便如此仍然无法偿还学生贷款。和许多艺术家一样，他们大多都是出了名的低收入人群，无论处于职业生涯的哪个阶段，艺术家群体都很拮据，尤其是那些年轻的艺术家们，他们受贷款拖累更重。一份2013年的华尔街日报显示，美国的艺术毕业生，通常来说，和学习文科和研究学院的同龄人相比，他们肩负着更高的贷款，却只能获得更低的收入。

Brad Troemel和Joshua Citarella说，他们希望在找到买家之前避免产生高额的债务。在大型展览和艺博会之前，艺术家们面临着需要制作大量作品而产生的经济压力，即使由画廊资助这些用于购买材料和运输的资金，最后的销售总额并不一定和创作支出持平，Troemel和Citarella说。

这两位艺术家开始尝试一种新模式：线上商店，他们只在顾客们付款后才开始制作观念主义的摄影作品。两位艺术家将网上淘来的免费图片拼在一起，做成艺术作品，在Etsy上明码标价，并在Instagram上进行推广。一旦作品被购买，他们会发送这些图片给制作商，最终由买家自行拼装，有点类似艺术领域的宜家。

位于洛杉矶的De Re Gallery

常驻伦敦的艺术交易商Marine Tanguy于2015年从画廊离职后，她开始建立自己的同名机构，在画廊空间以外支持艺术家和各种项目；与通常50%的画廊分成相比，她只拿30%的收入提成。她在掌管了伦敦的局外人画廊（Outsiders Gallery）一年之后，参与创立了洛杉矶的De Re Gallery，她意识到高昂的租金和繁忙的艺博会使得当代画廊的经营日益举步维艰，尤其是对于那些代理新兴艺术家的画廊。

“培养一个有天赋的艺术家需要投入时间，并且在刚开始时不会产生很高的收入，”他说，但是有些艺术家在取得成功之后，他们通常会选择跳槽到更有影响力的画廊。这使得她像二手车销售员一样开始寻找艺术家，这也提醒她必须开始尝试更多新的方式来代理艺术家了。

“我想很多艺术家非常希望拥有他们的代理画廊，”Tanguy说，因为这无疑会带来更多的专业性和社会认同。“但是艺术家们也需要拓宽他们的资金来源渠道，如果想要找到一种更具适应性并反映市场现实的模式。”

—Margaret Carrigan