来源：撒把芥末
（toshimaru nakamura + 颜峻）这是一张大音量的电声即兴二重奏。声音密集，能量强烈，情绪冷静。两套乐器的可控度都在50%以下，与其说是演奏者在表达自我，不如说是在放任和跟随这个失控的大自然。为了这种“强烈的不表达”，撒把芥末邀请了艺术家张鼎担任唱片封套设计。下面是我们给他做的一个小小访谈。
张鼎的艺术实践主要以个人展览／项目的方式呈现，常包括录像、装置、绘画和现场表演等等。从《工具》（2007）开始，围绕着感官与意志的强度，项目现场构建起一个个荒诞而充满对抗性的场景，而这些场景常常又构成了一种深层的社会隐喻，它们可被看作一系列对舞台场域氛围的解构。场景的置换借力于我们与我们并不完美的感官意识之间的对抗，引发心灵的异置。现场表演在《开幕》（2011）中首次出现，并延续至《一场演出》（2014），所有的因素混合而产生的化学作⽤使现场成为情绪氛围扭合而成的雕塑。《龙争虎斗》系列张鼎更开始尝试开放艺术家自我的工作方式创造更多可能——在伦敦当代艺术学院（2015）26组风格截然不同的音乐人受邀合作，在旋转镜屋中彼此即兴表演接受挑战；在上海K11美术馆（2016）这种挑战被空间的变幻结构及中国音乐人的加入一再升级并延续至新加坡。2016年，《风卷残云》项目将外滩美术馆转换成金色监狱，直播了150位VIP晚宴的现场事件。同年，他成立艺术厂牌“控制俱乐部”，以极客、音乐、巨型声音视觉装置等等，建立控制与反控制的某种聚会方式，首个项目呈现声音装置群与传奇音乐人王凡的合作，在废弃的百年建筑中进行。2017年，张鼎再次回到画廊空间，在香格纳画廊上海制造一个巨大的《漩涡》。2018年的个展《安全屋》在北京三个艺术空间展览后，移至歌德学院，在“不是音乐会”上由艺术家本人首次现场表演。https://zhangdingstudio.com/
问：张师好，首先感谢你的设计！这张“oh my god, and yours”是你第一次做唱片设计吗？5年前在北京香格纳做“一个现场”，你说海报是自己设计的，那么你自己的展览、活动、画册，有多少是自己设计的？答：“oh my god, and yours”应该是正式出版的第一次，设计好像是第二次。“一个现场”是6年前。就是从6年前开始的，80%的设计是自己做的。问：你让我看“龙争虎斗”伦敦版的画册，那个仿镜面的纸是你自己选的吧？是为了和现场使用的镜子配合吧？你还在别的地方用过镜子吗？答：仿镜面的纸我忘了是我自己选还是孙俊良选还是我们一起讨论的，忘了，就是为了配合现场的材质。我这几年很多的作品都有用到过镜子。如：《龙争虎斗1》《GOLD CAN MOVE THE GOD》《风卷残云》《GOD ¥$ GOOD》《超立方体》……
问：请你做设计，是因为你特别不设计。尤其是你在法国领馆阳台给正向艺术做的那件，就是特别简单的、功能性的字体，没有表情，没有巧妙的心思。这样注意力就回到文字上了。那么你是什么时候开始写诗的呢？你对视觉诗、具体诗这些东西有兴趣吗？答：第一我没有写过诗，我那文字就是一个文字性表述的东西。有文字的作品最早应该是2013年在维也纳的个展《黄金白银》中。《GOLD CAN MOVE THE GOD》那个展览做了两件像标语墙的文字作品。2018年的时候又做了文字装置《GOLD CAN MOVE THE GOD》。后来又延续这个风格做了几件类似的东西。2019年上海OCAT个展《高速形式》我用了图像和文字结合的形式，其中一段文字引用了曼德尔施塔姆的《世纪》……我不知道什么是具体诗和视觉诗。
问：你还做过一些别的服务性的事情吧，像是给摇滚乐队做灯光，给服装店做店面设计，不过你的很多作品，也似乎是服务性的，你只提供灯光、空间、音箱、舞台，让别人来表演。这种做法是从哪里起步的呢？在单纯的服务和艺术创作之间，有没有什么界线？答：最早是2011年开始做一个现场，但是我不觉得我这个是一个服务性工作，这是一种合作——单纯的服务要收服务费的，我（的服务费）应该不便宜。合作是大家一起完成一个事情，是一种认真的玩的状态。问：前年在歌德学院请你做了人生第一次演出，有没有觉得亲自登台其实也挺刺激的？有没有想过继续把自己奉献给舞台？答：没那么刺激，就是各种尴尬，感觉自己是个道具，被舞台给控制了，难受。不想再被控制了，哈哈哈哈。问：“控制俱乐部”是为了让大家也体会到被控制的感觉吗？
问：人们在镜子里看见的是自己，或者自己周围的环境，那么观众在你设计的舞台上看见的是什么？总不至于真的只是那些演奏的乐手吧？问：虽说简单的字体能够传达最少的视觉信息，但它还是在传达，你喜欢的字
颜峻的镜子现场：
和 max wainwright，马尔默客厅巡演
和 siew-wai kok，柏林
和孙一舟，互为镜像
和孙一舟，密集音乐会，北京
和照骏园、kai fagaschinski，柏林
