来源：卓纳画廊

鲁斯·阿萨瓦（Ruth Asawa）

《无题（S.445，悬挂单件，开窗形式）》，约1962

悬挂雕塑—铜线

132.1 x 45.7 x 45.7 cm

文/ Harry Thorne

英文原文载自《Artforum艺术论坛》国际版

2020年4月刊

让我们来谈论那些轻若无物的东西：对话、责任、我们所爱之人的身体。我们谈起这些就好像它们免受现实与理性的束缚一般，好像它们围绕着我们的实体世界运转，而它们迂曲的肢体将影子向下挥舞投射。诗人安妮·卡尔森（Anne Carson）曾说过：“一声轻轻的叹息，却可能中断广播。”

鲁斯·阿萨瓦（Ruth Asawa）的雕塑就具有这种轻若无物的质感，并且也投射出影子。这些错综复杂的金属丝线作品环绕于绷紧的绳子，看起来像缕缕升腾的烟雾、紧密编织的巢窝、视觉化后的回声。随着它们一层层脉动、收缩和不断叠加的，是一种诱人的轻盈，这种轻盈有违它们巨大的体量。“这些雕塑”，策展人海伦·莫尔斯沃斯（Helen Molesworth）写道：“同时对重力进行着否定和确定。”

不过，轻盈所在之处，也同样存在着有关这些作品的沉重记忆。阿萨瓦相信劳动的价值，她将创作过程比作“在圣诞假期里栽种五英亩的洋葱，或是在七月的丰收。”除了这件《无题》，她的雕塑都历经不知疲倦的创作，它们起伏不平的外皮通常由无数错综复杂、渐次铺展的金属线圈所构成（阿萨瓦亲切地称之为“e的串连”）。尽管这些物件中保留了她的勤勉与专注，它们也反映出像这样长期投入的创作所带来的平和宁静。毕竟，创作中的重复既是一种冥想也是精巧机械的——或者说，正是因为其精巧的机械性而成为了一种冥想。

鲁斯·阿萨瓦（Ruth Awasa）及其钢丝雕塑，1951

银盐明胶印刷，24.1 x 18.4 cm

摄影 | 伊莫金·坎宁安（Imogen Cunningham）

© 2020 Imogen Cunningham Trust

艺术品 © 鲁斯·阿萨瓦遗产

图片由卓纳画廊提供

阿萨瓦过世七年之后，她的作品迎来了首次在伦敦的个展《线条随心》（A Line Can Go Anywhere），除了蜿蜒迂曲的作品，还呈现了不少艺术家和作品及孩子们一起合影的照片（它们由摄影师伊莫金·坎宁安（Imogen Cunningham）拍摄于1950年代至1960年代初）。展览中还有一些艺术家单线勾勒的纸本墨水小画，描绘了植物的根茎及盛开的花朵，另有八件捆扎而成的雕塑，与她榫钉结构的作品不同，这八件作品将直直的金属丝线裁切剪短后扎成束状。和线圈环绕的作品一样，其他创作也都与自然相关：沙漠野花、种荚、指向宇宙的五角星。但是，与连续的“e的串联”形成对照的是，如波浪般翻滚的作品形式上有机自然，而捆扎的作品则多少显得过于算计，它们似乎太想要进入这个世界了。这些作品中的线条并不随心，它们被固定在各自的路径上。

展览现场，旧金山笛洋博物馆，2006

《鲁斯·阿萨瓦：一生之作》展览现场，

普利策艺术基金会，2018

该展览被《华盛顿邮报》评为“2018年度最美展览”

作为一位艺术家，阿萨瓦拒斥着正负空间的二分法，她转而以“相互穿透、透明、以少见多的视觉幻景”为目标。相应地，她将死气沉沉的白色空间视之为一种可以操纵自如的独特媒介，可以阻挡它、封闭它、将它推向一边。她将它注入自己的雕塑中，直至其满溢而出。在一件大约1958年的悬挂式金属丝线的作品中，三个铜制的瓣状结构彼此串联紧挨，正是这种缺失（或者说，是它们逐渐显露出的存在感）教会了我们有关纵深和空间边缘的定义。唯有四下无物之时，我们才会真正知道存在着什么。

阿萨瓦的实践事关重量感和权重的彼此制约，也事关形式及哲学意义上的平衡。明与暗、劳动与安逸、空间及其缺席：在这里，一切都处于平衡状态。受禅宗佛教的启发，这种平衡象征着阿萨瓦对世界的理解和她与世界的互动。在加州斯坦福大学的藏品中，有一张与她的论文放在一起的笔记，没有标注确切时间，在笔记中她将这种整体对立的哲学凝练成一首十二个单词的诗：“工作 日子 日子 工作/ 描画 生活 生活 描画/ 挚爱 家庭 家庭 挚爱。”