克里·詹姆斯·马歇尔肖像。由 Peter Hoffman 为 Artsy 独家拍摄

2016至2017年，艺术家克里·詹姆斯·马歇尔广受瞩目的回顾展先后在芝加哥当代美术馆、纽约大都会艺术博物馆布劳耶分馆与洛杉矶现代艺术博物馆巡回展出。回顾展覆盖了马歇尔35年的创作，在他诗意、细致、富有魔力的作品中，非裔美国人走进了历史绘画——他们出现在理发店里、出现在政府优惠房中——定格下一个个超越时空的场景。巡回展结束后，马歇尔的艺术地位持续上升，他无疑当今是最受敬仰、最具影响力的在世艺术家之一。今年，马歇尔在拍卖中创下了在世非裔美籍艺术家的价格记录：2018年年初，他的画作《昔日》（Past Times，1997）以2110万美元于苏富比成交，大幅度刷新了自己此前500万美元的价格记录。

马歇尔的新作证明了他正当创作高峰，还在无畏地探索着新的方向。伦敦弗里兹艺术周期间，他在卓纳画廊的伦敦空间揭幕了自己的全新作品，观众蜂拥而至。这些绘画召唤出了整个艺术史，也影射着艺术市场对黑人艺术家根深蒂固的结构性偏见，同时还实验性地探索着纯粹的抽象，还有静谧而出世脱俗的日常景象，比如遛狗的女人。

安德里安·派普肖像。图片来自盖蒂图片社，摄影：Suzanne Kreiter/《波士顿环球报》

或许是她有意为之，安德里安·派普的艺术常常让人深感不安。在过去的数十载，通过激进的行为艺术、装置、绘画、写作及教学，派普在实践中针砭时弊，尤其是针对美国的种族主义、阶级分层与厌女情绪。此外，她还是一位训练有素的哲学家，她的创作中体现出东方哲学及康德理论的影响。

今年，MoMA 开辟出六层的一整层空间为派普举办大型回顾展，她是 MoMA 建馆以来首位获此殊荣的在世艺术家。回顾展精选了派普历年来最广为人知的作品，包括舞蹈纪录片《神话式存在：我是你一切痛恨和恐惧的化身》（The Mythic Being: I Embody Everything You Most Hate and Fear，1975）。在这件作品中，派普装扮成刻板印象中的愤怒黑人：戴着爆炸头假发和假胡子，对街上的路人做出冒犯和挑衅的动作，甚至佯装抢劫。派普不少鲜为人知的作品也现身回顾展，其中包括她的抽象绘画以及在公共场所的快闪舞蹈表演，后者探索着既定环境对礼仪和秩序的约束。

莫瑞吉奥·卡特兰肖像。摄影：Pierpaolo Ferrari。图片致谢莫瑞吉奥·卡特兰

2011年，在古根海姆为莫瑞吉奥·卡特兰办了一场令人侧目的回顾展后，艺术家宣布从艺术界“退休”；直到那时，卡特兰的创作一直在消解着艺术与商业的界线，时装与摄影不断被他狡黠地融入创作当中。卡特兰在2010年与摄影师皮尔保罗·菲拉里（Pierpaolo Ferrari）携手创办了杂志《厕纸》（Toiletpaper），收获了一批死忠粉——也吸引了来自 OKCupid 与 Kenzo 等品牌的委任，指望这个意大利双人组高饱和度色彩的超现实主义美学能给品牌带来形象升级。

过去数年，《厕纸》投身销售可收藏物件及布景——卡特兰始终还是跟画廊和博物馆保持着往来。2018年，他携手 Gucci 创作总监、时装偶像亚力山卓·米开理（Alessandro Michele）在上海余德耀美术馆举行了展览“艺术家此在”，展览瞬间火遍全城。展览囊括了逾30位知名艺术家，有卡普瓦妮·基万（Kapwani Kiwanga）、艺术团体 Superflex、徐震、斯图尔特文（Sturtevant）、 劳伦斯·韦纳（Lawrence Weiner）、乔西·克莱恩（Josh Kline）、雷纳·斯珀林斯（Reena Spaulings）等等——每一位参展艺术家都挑战着艺术作者性的边界。

朱迪·芝加哥肖像，摄影 © Donald Woodman／艺术家权益协会（ARS），纽约。图片致谢艺术家

1960年代，初出茅庐的芝加哥好不容易才获得在洛杉矶费卢斯画廊（Ferus Gallery）群展中展出的机会，这在当时由男性主宰的艺术世界并非易事。作为一名女性艺术家，在圈内遭到轻贬和排挤的经历被芝加哥转化为创作动力，奋力开创全新的艺术世界——一个反映出女性斗争与贡献的艺术世界。

1970年代，芝加哥隐去了自己的夫姓，把家乡用作艺名中的姓氏，呈现出一种解放的姿态。此后不久，她与米里亚姆·夏皮罗（Miriam Schapiro）在加州艺术学院携手开办了先锋课程——女性主义艺术。课程聚焦于提升女性主义意识，鼓励学生从身为女性的个人经历中获取灵感进行创作。这一课程推动了跨时代项目“女人之屋”（Womanhouse）在1972年的落地，该项目由芝加哥与夏皮罗携手学生以及多位当地艺术家共同实现。她们占领了一座废弃的房屋，在其中打造特定场域作品，借此探索众多女性艺术家实践中的重大障碍——艺术创作与家务劳动的冲突。

女性在公共话语中的缺席正是芝加哥著名作品《晚宴》（The Dinner Party，1974—1979）的核心议题：艺术家将宴会桌围城三角形，并在上面向历史上的诸多杰出女性致敬，从萨福（Sappho）到乔治亚·欧姬芙。这件作品目前由布鲁克林博物馆永久收藏，安装在一间庙宇般的展厅之中；然而，在许多年的时间里，这件作品都被打上了刻奇的标签。

亚历克斯·达·科特肖像。摄影：Matthew Leifheit。图片致谢 Gió Marconi 画廊

亚历克斯·达·科特精妙的装置作品融合设计、建筑、电影与雕塑元素，一同组成荧光色的奇幻世界。生活在费城的达·科特以在纽约 Karma 画廊举行的一场冬季展开启了自己的2018年，展览标题“猫咪咒语谋杀案”（C-A-T Spells Murder）透露出玩世不恭的态度；当然，展品不像题目那样骇人——明快的作品十分上镜。在一个浸染着粉红色灯光的房间，达·科特放置了一只巨大的橙色猫咪，四脚朝天躺在地上。这件珍珠棉材质猫科动物装置是展览的核心作品，连同其他的霓虹与乙烯基雕塑——窗台上的一块馅饼、一张蜘蛛网——组成了一套引人入胜的符号系统。同在纽约城，达·科特又现身卓纳画廊的夏季群展“这不是一件道具”（This Is Not a Prop），展出了录像新作《缓慢涂鸦》（Slow Graffiti，2017）。今年9月，在“巴塞尔艺术都会：布宜诺斯艾利”展览期间，达·科特在一间老工作室的中央打造了一只巨大的充气科米蛙（Kermit the Frog）。

今年10月，达·科特参加了位于匹兹堡的卡耐基国际艺术展，献上了全场最受欢迎的一件作品，策展人英格丽·沙夫纳（Ingrid Schaffner）更是给作品安排了一整间独立展厅。 展厅中央，艺术家架起了一个乡村小屋般的霓虹结构，饰有霓虹花朵和南瓜灯的窗户增添了一丝甜美气息，也让颜色更加丰富。“小屋”内部循环播放着达·科特的57部录像作品，有如一间超现实影院：在一部录像中，白金色头发的女郎边打电话边玩刀；在另一支录像中，艺术家扮成了内衣品牌 Fruit of the Loom 广告里面的罗杰斯先生。“他的霓虹房子里播放着爱意浓浓的音乐和电影，罗杰斯先生、布偶、周六晨间卡通，当然还少不了当代艺术；同时，承载录像的霓虹屋子也不失为一件独立的作品。” 沙夫纳介绍道。策展人把该作品总结为“对美国文化的一次情感充沛的深度体验”。

布鲁斯·瑙曼（Bruce Nauman）

1941年生于印第安纳州韦恩堡，现生活、工作于新墨西哥州加利斯特奥

曹斐肖像。摄影：Myrzik und Jarisch。© BMW。图片致谢艺术家

过去十年里，曹斐的艺术实践冲破了国界，成为中国最重要的青年艺术家之一。成长于广州的曹斐将个人经历与宏观环境相结合，窥视着文化大革命以来中国的社会剧变。多年来，曹斐的作品现身全球众多重量级美术馆与展会，包括伦敦蛇形画廊、威尼斯双年展、纽约 MoMA PS1、特拉维夫当代艺术中心等。她的录像及多媒体装置广受赞誉，以荒诞、超现实的视觉语言呈现着后工业时代的中国故事：工厂工人在厂房的走廊和工位上表演，仿佛置身自己的异想世界；cosplay 玩家扮演成数字世界中的虚拟角色，背景是灰暗的末世场景；还有作品描绘了全球首个分捡工厂（江苏昆山）中唯二人类之间的情感故事——这件题为《亚洲一号》（Asia One, 2018）的影像作品今年在纽约古根海姆的群展中展出，并被博物馆永久收藏。

在另一件近期作品《监狱建筑师》（Prison Architect，2018）中，曹斐构建出一则虚构叙事：一位建筑师将艺术中心改造成了监狱，因而遭到起诉。《监狱建筑师》是曹斐首个大中华区大型回顾展的中心作品，展于香港大馆当代美术馆，巩固了艺术家在海内外的影响力。回顾展是一场充满野心的影像冥想，探讨着艺术创作中自由和监禁的矛盾关系，同时还颠倒了所在空间的背景故事——大馆的前身是一个警察局。2020年，曹斐更大规模的回顾展将落地北京尤伦斯当代艺术中心，这也将是她在自己居住城市的首个回顾展。

西蒙·利肖像。摄影：Paul Mpagi Sepuya。图片致谢纽约 Luhring Augustine 画廊

不少艺术创作旨在改变人们关于世界的认知，但西蒙·利想用艺术进行疗愈。跨领域艺术家西蒙·利以新奇的陶瓷器物及雕塑闻名，她曾在纽约新美术馆坐诊免费“诊所”（设有瑜伽和普拉提工坊，还提供艾滋病筛查服务），现场进行针灸以及引导关于“Black Lives Matter”的冥想。西蒙·利的作品只触及部分人群，艺术家对此有清晰的认识：创作过程中，她便构想自己的观众是黑人女性。历史上，美国的艺术机构倾向于迎合白人男性的喜好，在语言上和展陈中都有所表现；而西蒙·利的创作，正是在勇敢地打破这种现状。

意外的是，西蒙·利的批判性视角竟然成就了她在更广泛观众群中的名气。今年10月，古根海姆美术馆授予西蒙·利 Hugo Boss 艺术大奖。此前一个月，她的首个个展在纽约重量级画廊 Luhring Augustine 开幕，其中惹人注目的雕塑《橱柜 VIII》（Cupboard VIII, 2018）高逾三米。这件雕塑呈现出一个伟岸的女性形象，褐色石头构成她的躯干、双手和头颈；雕塑的脑袋则是一只开口的罐子；一条层层叠叠的拉菲草裙向外扩散，直径达三米。展览期间，这件装置始终保持自己的“隐私”——观众可以围绕巨大的草裙结构行走，但禁止往里窥探。西蒙·利常常在作品中设置令人不安的女性头部造型：脸上没有眼睛，或者眼睛的位置是两个洞。通过这种去细节化的方法，西蒙·利指向更普遍的身份问题。这些雕塑的神话意义大于现实意义，重要的是，她们明显都是黑人女性。

大卫·霍克尼肖像。由 Julien Jourdes 为 Artsy 独家拍摄

2018年，大卫·霍克尼正式取代杰夫·昆斯，成为最贵的在世艺术家。就在上个月，霍克尼的标志性作品《艺术家肖像（泳池与两个人像）》【Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)，1972】以9031万美元（含佣金）在佳士得成交。这幅绘画创作于霍克尼刚刚结束恋情之际，画中的两个人物因此引起广泛争议——到底是穿着夹克的霍克尼在看着水中的前任，还是霍克尼的前任在看水中的新欢，抑或作品跟二人的分道扬镳毫无联系（据霍克尼的前任所言）。不管画中故事真相为何，这幅作品都结合了霍克尼最擅长的两种元素：亮晶晶的游泳池和双人肖像，霍克尼的双人肖像总是能从容而坦然地捕捉两个个体之间的心灵共振。

“大卫·霍克尼：绘画中的新东西（以及摄影）【甚至还有印刷】”展览现场，2018。©2018大卫·霍克尼，图片致谢佩斯画廊

2017年，霍克尼的全球巡回回顾展先后巡展至伦敦泰特不列颠美术馆、巴黎蓬皮杜艺术中心以及纽约大都会艺术博物馆，创下了参观人数纪录。此后，这位英国画家持续发力，仍在创作中探索着新方向。近年，霍克尼的创作聚焦于动力关系、倒置的透视以及不规则的画布，他甚至将触角延伸到了摄影。2018年夏，霍克尼在伦敦皇家艺术学院举办了摄影展，展出了他的摄影拼贴作品，这些拼贴画是霍克尼大尺幅肖像绘画的微型版本；而此前，霍克尼的绘画也曾在此展出，由英国艺术家格雷森·佩里（Grayson Pery）担纲策展。

今年春季，霍克尼的两件大尺幅摄影作品在佩斯画廊的纽约空间展出，同时展出的还有一系列色彩张扬的绘画——艺术家位于好莱坞与约克郡的住宅出现在了六边形的画布上；当然，展览也少不了他最著名的蓝色跳板。与此同时，霍克尼的巡回展览（聚焦他为别人创作的肖像）“82幅肖像与1幅静物”（82 Portratits and 1 Still-Life）于洛杉矶郡立美术馆揭幕。这个阳光充沛的城市多年来为霍克尼色彩明快的绘画带来源源不断的灵感，将其设为巡回展第一站再合适不过。

吴曾肖像。图片致谢柏林 Isabella Bortolozzi 画廊

艺术家吴曾的影像作品取材于现实生活，但她在其中融入了自己丰富的想象，探索着被忽视的历史：那些扎根在地下酒吧与俱乐部的群体、酷儿人群的爱情故事、在压迫中全力争取创作自由的表演者。在吴曾的突破性作品《荒野》（Wilderness，2012，艺术家本人也开设有一间名为“荒野”的俱乐部）中，她将发声权交给了洛杉矶麦克阿瑟公园历史悠久的同性恋酒吧“银盘”（Silver Platter）：背景旁白中，酒吧以第一人称讲述着一直以来为边缘人群提供庇护的故事。这里曾是拉丁裔人群的聚集地，近年成了 LGBT 艺术家的据点。吴曾也邀来银盘的跨性别顾客出演录像《Damelo Todo/Odot Olemad》（2010—2015），作品讲述了一个萨尔瓦多少年因内战出逃祖国、最后抵达洛杉矶的故事。录像于2017年在英国诺丁汉当代艺术中心展出。

吴曾在当代艺术和平权运动中始终占有一席之地，今年更是拿下了麦克阿瑟“天才奖”（MacArthur Genius Award）；她在纪录片中融入创新媒材，模糊着现实与虚构的界限；她同时也是非二元性别艺术家中一个尖锐有力的声音。吴曾的影像作品并不局限于非传统性别社群，不同的时空与艺术门类也交汇在她的作品中。今年，她联手 Gucci 推出实验性纪录片《Into a Space of Love》，在今年5月的纽约弗里兹艺术周期间揭幕。影片探索了1980至1990年代浩室音乐在纽约的发展史，同时也审视着士绅化现象和对纽约酷儿社群的文化挪用；在吴曾实验性的镜头下，不同时代的代表性夜店表演者一同现身。