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巴塞尔艺博会参观者在303画廊的展位上称赞汉斯-彼得·菲尔德曼（Hans-Peter Feldmann）的作品。图片：致谢FABRICECOFFRINI/AFP/Getty Images

全球艺术品的顶级市集——巴塞尔艺博会上的作品常常像变色龙一样。一件看起来简单的艺术品可能非常复杂；看起来古朴的艺术品可能是前沿作品，或者是你学到了一张照片并不总是一幅摄影作品。我们在这里选出几件具有深度和富有历史内涵的作品，算是我们对那些在艺博会上认真驻足、倾听、悉心学习的参观者的奖励。

SARKIS
Nathalie Obadia画廊（巴黎）

1938年，萨基斯（Sarkis Zabunyan）生于伊斯坦布尔，是亚美尼亚一位屠夫的儿子。在年轻时候，他看到了爱德华·蒙克的《呐喊》的复制品，从而决定投身于艺术。他曾经在法国学习艺术，然后专注于观念艺术，并且也在探寻市场中关于身份差异的问题。当时，他的故乡正在残酷的亚美尼亚大屠杀中挣扎，这是一段土耳其政府至今都不承认的暴行。对于这个经历，他在艺术上的处理方式是用简单的颜料——按上自己的指纹——指代着政治的重量。在艺博会上，萨基斯呈现了一个真正意义上以重量来衡量的艺术品：在一个精美的木盒里，一架精密的天平的两端上“放着”两枚指纹（一个红色，一个绿色），天平显示着这两枚指纹等重。

萨基斯被认为是当下最杰出亚美尼亚裔的土耳其艺术家之一，他也曾经作为2015年在威尼斯双年展上亚美尼亚馆成员之一，赢得了金狮奖，这个国家馆当时是以大屠杀百年纪念为策展主题。这位艺术家平时工作生活于巴黎，不过最近在为法国普罗旺斯艾克斯一家教堂创作“指纹窗户”——这些指纹都是他从脏玻璃获取的，这个系列的其中2件作品在艺博会上出售，每件售价3.1万美元。

MARGOT BERMAN
Corbett vs. Dempsey画廊（芝加哥）

已经年逾八旬，艺术家Margot Berman却迎来了职业生涯晚期的复兴。上世纪50年代，她曾在芝加哥艺术学院学习，那是她的创作发展出新的方向，她买来跳蚤市场上的风景画，在家里挂够足够长的时间，从而揭开隐藏其中的身份特性，然后再其基础上添加面孔。有时候是漫画风格，有时候就是鬼脸，这些作品为她赢得了一些肯定——她从芝加哥艺术学院赢得了The Purchase大奖。70年代，她的作品被纽约艺术品经纪人艾兰·史东（Allan Stone）代理。近几年，Berman生活在芝加哥，工作于纽约，每年在两地各待半年。而她也在母亲、妻子和独立艺术家的身份之间转换。不过，家人的去世让她的艺术家生涯终止，并让她回归到家庭。

90年代的中期，当孩子们都已长大，Berman开始重拾画笔。她和芝加哥Corbett vs. Dempsey 画廊合作已经超过十年了，在这个期间，她将风格从二手商店的画作产生了转变：她邀请一位助手进入到她破旧狭小的工作室，并在画布上留下一些痕迹，接着她在上面反复勾勒，直到创造出一种全新的构图。创作的关键（让人联想到了AsgerJörn的作品）是以一个符号为开端，在已有的语境中，即兴进行创作。她的艺术经纪人认为，这与这位艺术家在70年代“不走寻常路”去做一名母亲是有相似之处的。

Berman丰富的画作令人陶醉却又神秘莫测，纽约艺术品经纪人AntonKern在一场群展中看到后就成为了她的粉丝，他位她举办了个展。如今，芝加哥现代艺术博物馆已经开始收藏她的作品，而洛杉矶艺术品经纪人Susanne Vielmetter将很快将她的个展带到西海岸。时至今日，Berman依然延续她的高产风格，每周都会通过电子邮件给她芝加哥的经纪人寄送一张新作的图片，再加上一句“爱你的，Margaret”。这是当然是一件好事。在艺博会上，除开两幅作品之外，她的所有作品都在周四下午售出，价格在7000至2.5万美元之间。

KLAUS RINKE
柏林Kicken 画廊

行为艺术家Klaus Rinke很有影响力，早在60年代晚期就开始用他的身体作为一种雕塑的形式，用他修长的身材和一簇棕色的头发摆着不同的姿势，然后再记录下来。这个作品以及他在1970年在里森画廊的行为艺术摄影作品，都充满了那个年代自由创作的灵魂；在一个朴素的白色画廊空间里，他在地面摞上一堆木板，让自己的身体姿势与墙面相呼应，摆出不同姿势模仿成为钟表的指针——这是他作品中反复出现的主题。Rinke对于身体作为雕塑的命题被许多人强烈认同：他于1973年在纽约现代艺术博物馆（MoMA）举办个人摄影展览，策展组织方却是雕塑部门。

几十年来，艺术家都在杜塞多夫的艺术学院工作，将艺术理念传承给下一代。今年，巴塞尔艺博会上，柏林的Kicken画廊将他的作品分配于两个不同单元，一个在主展区展位上的最显眼位置（售价为9万美元），另一个在“意象无限”单元（Unlimited），在这组照片中，艺术家围绕头部挥舞着他的手臂，意为“112种上半身的姿势。”

EDWARD KRASIŃSKY
Foksal（华沙）

Edward Krasiński是波兰前卫先锋的艺术家，他与这次艺术运动中的领导者Henryk Stażewski曾经共享一个位于华沙的工作室。Edward Krasiński对于在现代主义大师（如毕加索和布拉克等）的作品上进行拓展创新非常感兴趣，目的是进一步从平面图像基础上解放绘画带他们进入空间的世界。在上世纪60年代中期，他创作出了自己的突破性作品：将一幅画布绘成暗黑色，将中间切开一个月牙形缺口，然后将其弯曲折成一件雕塑。还在画面上加入红色顶端的长钉——就像血腥的尖牙——还有一个辫状物鞭打着画面的中心。

看起来，就像一个原始形态而又超现实的捕食者，追逐着一种原生质。这件作品名为《空间构成》（Composition in Space，1964），是艺术家创作中一件具有转折意义的作品。后来他完全转换了风格，不过同时也与三维建筑环境有着密切关系，他用长长的蓝色的胶带装置了一组抽象几何绘画，并认为这是一种复杂的“介入”。他的作品很受不少策展人的认可。Krasiński已经于2004年去世，一个回顾展将在阿姆斯特丹市立博物馆举行，接下来还回巡展到泰特利物浦美术馆。

看起来有点像通过原生质，艺术品跟踪一个超现实主义的重要天敌，在空间（1964）的题组成，是显著房过渡的一年，艺术家。他会去那里完全交换他的风格，同时还与三维建筑环境搞的，通过安装他通过蓝色透明胶带长条连成复杂的“干预”抽象几何绘画的群体。他的作品现在被广泛策展人珍贵和Krasiński，谁逝世于2004年将是职业生涯回顾展在本月开幕市立的拍摄对象，然后参观泰特利物浦。

郝量

维他命艺术空间（北京）

维他命艺术空间的展厅很受藏家欢迎，这幅精细的画作就像中国艺术史的黄金年代的珍宝一样——但是这只是表面现象。事实上，并不是作为一位消失在时光里的瘦弱的大师作品，这个作品是一位名叫郝量的年轻艺术家创作的，他被是中国当代艺术界一颗冉冉上升的新星。

当其他同年代的艺术家正用最新的技术和其他非主流的艺术形式做实验时，33岁的郝量——被同行称为“学者”的艺术家——将自己沉浸在中国艺术史绚丽的技巧里。他将这种艺术风格推及到主体，与西方历史创立了一种戏谑的链接。

例如，这幅画是对法国画家安格尔（Ingres）于1856年创作的杰作《泉》的趣味回应。《泉》的画面是一位裸体年轻女子的肖像，在肩上托着一壶水往下倾泻，这幅作品也是描绘女性丰韵的身材，暗示生育能力的代表画作。不过郝量却决定把这幅作品转译至中国传统语境中，而且绘出了相反的情境：一位年老虚弱的老人坐在岩石上，望着开阔的水面。

除此以外，还有其他的颠覆：郝量在丝制画布上创作，用极小的笔刷创作出多层次的一抹抹颜色，他所采用的是传统中国画中的技法。但是中国画会将人物置于更大的景致中，使人物成为画中一个微小元素之一，郝量这里却让画面集中于人物身上。

郝量的这幅肖像作品也名为《泉》，标价为10万美金。中国艺术市场的一些观察者认为这位艺术家的职业生涯才刚刚起飞。纽约大都会博物馆刚刚购入了他的作品，此外，威尼斯双年展军械库展区也可以看到他的一幅12尺长的丝制风景画。

文：artnet新闻主编Andrew Goldstein

译：Juni Junran Jia