浅谈“空间”与形式

许晟

本次“频率现场艺术”将重点放在了“空间”上，具体来说，就是不以主题来限定作品，而是让作品与展览现场的空间自由地发生关系。唯一的主题在于，作品如何让自己置身空间之中。这其实回到了一些最基础的问题，但对这些问题的梳理恰恰是今天的新媒体艺术最需要的。

作品与展览空间的关系，首先是一个布展范畴的问题。在特定空间里为作品选择位置，以及相应的摆放方式，由此引导观众在空间中的观感，并暗示作品之间的联系和展览意图，都是一个好展览必须注意的因素。这是基于参展作品已经确定的情况的，在这种情况下，布展的主导无疑是策展人。而对于这次展览来说，策展人不再选择艺术家的作品，而是让他们根据现场的空间情况来创作；那么实际上，每位艺术家都有了直接让作品面对整个展览空间的自由。而另一方面，伴随这一自由而来的，就是艺术家的作品不能在参展空间确定之前完成，而必须根据参展空间来创作了。由于策展人不再介入空间的协调，作品之间是有可能在空间中互相干扰的。这种干扰也是展览无法预知并令人好奇的一部分。

其次，作品对空间的介入，其实一直伴随着新媒体艺术的发展。装置，影像，行为等作品，在很大程度上都对展览空间有着严格的要求。新媒体艺术本身就讲究空间的介入，它的基因里就带着作品与空间的关系，这也是新媒体艺术与架上艺术的最基本区别之一。每一件新媒体作品都必须以某种方式统摄，或者逃离，或者创造一个空间。如果脱离了这一关系，作品将欠缺基本的完成度。一个好的新媒体艺术家，在创作一件作品的时候，都需要事先设想符合这件作品的展示空间。从严格的意义来说，不仅是空间，从采光到线路安装的各种细节，都是作品的一部分，就像画布上的每一笔一样。因此，一个新媒体艺术家的基本修养，不仅体现在方案的设计，更大的部分在于实施的细致程度。当然，这一问题已经超出了本文的讨论范畴了。

在今天讨论“空间”的重要性在于，重新让新媒体艺术回到对“形式”的关注上。在新媒体艺术的萌芽期，媒介本身就能代表艺术家的立场，而观念也常常取代形式的表达。在今天，随着新媒体艺术的发展和作品的累积，一切媒介——包括尚未产生的媒介——都不可能再是“新”的。根本原因在于，一切媒介都只会是手段，而不再是立场本身，“新”已经没有意义了。也就是说，新媒体艺术之于架上艺术的“先天”优越性已经消失了，一切又回到了艺术最核心的部分。在那里，作品的形式必须是一切观念的结果和高级概括，而不再是观念的表达渠道。

吴承典再次提出“空间”的问题，不仅回到了新媒体的基本要素，还借助这一要素，提示了对“形式”的讨论。“空间”是最综合的“形式”，处理作品与空间，需要艺术家对空间的感知能力，归纳能力，和基于这种归纳的形式创造力，以及对作品效果的直觉把握。这些能力全是抽象的，但抽象的感知与表达是一个艺术家最需要具备的。在中国的学院教育中，形式常常被归纳为“语言”这个概念；如果这一概念能够成立的话，就必须建立在一个前提之上：语言就是艺术的全部。

这一概念的澄清意味着观看方式的转变。对这次展览来说，也许最有趣的部分，就在于艺术家如何理解和感知展览的场地，用何种方式对其进行抽象或者提纯，又用何种作品形式来表露自己的动机。这是一次难得的，有关空间感知的命题，它就像一次集体冥想，或者一次形式练习，它可以让我们变得更加敏锐，发现一个普通空间中所蕴藏的无尽可能性，直到把一个实在的空间变成一个精神的世界。如果用这种方式观看这次展览，我们才能够发现每件作品的闪光点与问题所在。

就像笔者一位友人曾说的，“时间是历史的规劝和我们的怀旧，而空间是我们的自由和野心。” 要想在新媒体艺术中获得那曾经被许诺过的自由，就应该学会驾驭空间。空间就在那里，但它依然是抽象的。