朱塞佩•伽贝洛尼 (Giuseppe Gabellone)
1973年出生于意大利布林迪西
现生活和工作于巴黎和米兰

作为新锐艺术家, 伽贝洛尼主要从事雕塑和摄影创作。他的出版人Charta这样形容伽贝洛尼的艺术:“他总是费尽心力地建筑一些结构, 或极小而光洁, 或土质的生物形态, 拍完照后便将他们销毁。这些留存的图片是对纪录摄影以及想法的在场/缺席的一种探索。”

朱塞佩•伽贝洛尼的创作多为非常耗时的大型雕塑。这些作品通常暗指着另外的时间和地点，并大致分为两类: 一种是“可折叠”(foldable)的雕塑，另一种是摄影化的雕塑。可折叠的或者双重雕塑, 是指在真实场所出现的在席雕塑, 它们可以折叠也可以展开，可以互相转化。而另一种则是一张大尺寸关于这些雕塑的打印照片。伽贝洛尼剥夺了观者从不同角度欣赏雕塑的权利, 而通过他满意的视角来呈现他的作品。

左一

伽贝洛尼的艺术总是在别处。凭借奇思妙想和巧手，伽贝洛尼的大型雕塑化身成为摄影作品，像从帽子里跳出来的兔子般重现生命。他的主体上不确定的创作方法似乎继承自20世纪70年代的“大地艺术”(Land Art) --- 无意间按下快门的简单动作，却使凹凸不平的犹他沙漠扁平化了。罗伯特史密森(Robert Smithson) 将美国犹他州大盐湖拍成了一部真正好看的电影“Spiral Jetty” (1970); Michael Heizer壮观的山丘现在有如压扁的雏菊出现在咖啡桌的书页上。雕塑如今必须与有着不可比拟的故事性的摄影竞争; 客体传统意义上作为纪念或墓志铭的记忆功能被篡夺。我们可能会得出结论，雕塑纪念碑，注定要渐渐沦为不为人知的遥远事物。





伽贝洛尼作为一个反作用力，为雕塑的残骸注入力量。作为一个意大利雕塑家，伽贝洛尼却强调艺术承袭问题对于当代艺术而言是一种障碍而非激励。加布罗恩的雕塑更多地揭示20世纪60年代工业化的伤疤而非展现十五世纪佛罗伦萨的大理石。一张2002年的摄影作品，内容是一个蓝色泡沫塑料电灯花雕塑孤零零地“长”在一个尘土飞扬的院子里; 这幅作品立刻显出现代而巴洛克的风格和一种轻度的精神失常和怪诞的兴旺。

和与他同时代的Paola Pivi，Diego Perrone和Lara Favaretto一样, 伽贝洛尼的作品擅长运用某些不可思议的方式：隐性劳动，精心构建活动制造离奇的现实。这样的作品关键在于使原本的观者变身成一个参与者, 进入到引人入胜的谜团里。

伽贝洛尼的首次个展是在法国巴黎的FRAC Limousin举行的。展览采用的空间是一个18世纪的宫殿，只展出了他大量作品中的10件, 但确实为他所关注的事物提供了一些线索。他的摄影作品得到了很好的展现，尽管相较近期的两个以及中期作品, 他早期从90年代中期开始的雕塑作品被忽略了。从赫耳墨斯神智学(hermeticism)的角度，伽贝洛尼的作品似乎传达的是我们对现实的直接体验的疏离 - 或者有人可能会说，通过与一个概念性的立场微妙联系的结构质疑现实本身这个观念。







伽贝洛尼的摄影作品多为技术完美的大尺寸彩色单张打印（除了一个新作，也许表明了他新的方向）。照片中的场景由艺术家希望显现的物体构成：七盆养在新鲜泥土里的仙人掌， 在一间车库拍摄； 一个方形盆，装有同样的粘土，装满了水靠着砖墙; 一个木栈道，类似俄罗斯山脉，这也是在室内拍摄。 这种内在和外部的不协调带来超现实主义的联想，但作品真实的魅力在于，拍摄的对象不再存在于现实并表现为纯粹的影像，或者更准确的说，成为复制品永远悬挂在纯粹虚拟的世界。 所有这些表明了青少年对摄影技术本身的崇拜，当然还有更多。 正如弗雷德里克保罗(Frederic Paul)在画册序言中所指出的，照片完美的技术就这样让他们消失，成为纯粹而透明一种沟通。

伽贝洛尼早期的稻草雕塑中的逻辑陷阱有一些类似的性质。 这些作品是他的第一个客观对象（他称他们为“双重雕塑”，假设其脱离两维主导逻辑），由于本身的大小和制作过程, 它们不能完全被展示。这些清晰三维展现的客观对象，同时也脱离正常的理解，因此完全以阐明其实现自己的模式为基础，它存在的程度取决于组装它的劳动。 加布罗恩似乎很感兴趣反思客观对象的本体论状态，无论“双重”与否，图像或事物本身。

伽贝洛尼在Greengrassi的展览(2008)更多地运用了历史喻意手法进行作品的展示。 L’Assetato (The Thirsty, 2007)是伽贝洛尼在Arturo Martini的雕塑Thirst(1934) 基础上加入了更多现代主义态度的作品。

这张《无题》的雕塑照片意在让人们怀念过山车, 实物被陈列在一个不对外开放的空间。








维也纳Martin Janda画廊举办了加布罗恩个展(2009)展出的9件彩色摄影作品粘贴在金属框架上，让摄影作品具备了装置艺术的属性。