来源：巴塞尔艺术展 ArtBasel
梁慧圭
韩国艺术家梁慧圭（Haegue Yang）以使用日常生活中的普通物品营造多重感官的艺术氛围而闻名。百叶窗、暖炉、工业扇叶和聚光灯等都是她作品所运用到的材料，艺术家凭着对世界的好奇和不懈试验精神，借助物品具象化深刻而难以言喻的观念，同时也赋予物品不同的意义。
《In the Cone of Uncertainty》展览现场，2019，图片来自巴斯艺术博物馆
梁慧圭在2019年的三个博物馆展览就说明了她创作的多样性及探讨主题的跨度之大。艺术家受纽约现代美术馆（The Museum of Modern Art）委托为Marron Atrium中庭创作了由六件几何式雕塑组成的《Handles》，从本土工艺传统到前卫派艺术，从深奥的精神哲学到当代政治议题，梁慧圭将这些看似迥然不同的叙述融入到自己独特的艺术语言中，为现代主义提供了一种批判性的解读；同样是委托创作，在新加坡国家美术馆（National Gallery Singapore）展出的装置作品《Forum for Drone Speech – Singapore Simulations》受美术馆的建筑、新加坡的殖民历史和移民社会构建所启发，以人造大理石、全息打印和机器人的声音为元素，表达历史和当下处于不断变化的浪潮中，从而引发关于身份认同和归属感的思考；而在迈阿密巴斯艺术博物馆（The Bass）的大型个展《In the Cone of Uncertainty》则展示了梁慧圭过去十年的精选之作，除了呈现艺术家富有表现力的抽象雕塑外，还凸显了她融入动态、声音和嗅觉元素的创作手法，刺激多感官体验的同时揭示关于时间、地点、人物和经历转瞬即逝的内涵，将既有的感知延伸至新境界。
《Sol LeWitt Upside Down onto Wall – Maquette for 1 x 2 x 2 Half Off, Expanded 62 Times》（2016），梁慧圭，图片由Greene Naftali艺廊提供
作为巴塞尔艺术展的常客，梁慧圭在2019年香港展会带来了标志性的百叶窗装置作品，而在2018年巴塞尔展会上，她和其首个主题展览《ETA 1994-2018》的策展人Yilmaz Dziewior在“与巴塞尔艺术展对话”座谈会进行了一次深入对谈，分享了这位驻柏林艺术家多产的艺术生涯和鲜为人知的一面。
《Knotty Spell in Chunky Forest》（2016），梁慧圭，图片由Chantal Crousel艺廊提供
Yilmaz Dziewior：我很高兴能为你在科隆路德维希博物馆（Museum Ludwig）的主题展览《ETA1994-2018》策展。和我们说说这个展览的名字吧？
梁慧圭：“ETA”是“估计到达时间”（Estimated Time of Arrival）的英文首字母缩写，我觉得很适合用来介绍我的作品，因为这个词组同时包含了时间、空间和旅途因素。我们在日常生活用“ETA”来表达从A地到B地的过程，还能从中得知和你有约的那个人在哪里。我在展览的名字中加入了年份1994和2018，但故意不提旅途的起点和目的地 — 这和我的工作方式、个人经历，以及几乎每周都于世界各地奔波的生活方式有关！
《Sonic Fabric over Copper Plated Web》（2014）（左）；《Upstream Swimming or Parachuting?》（2017）（右），梁慧圭，图片由Kukje艺廊和Tina Kim艺廊提供
Dziewior：你是怎么平衡在工作室的创作以及现场创作项目的工作？对于艺术家来说，去举办展览的地方感受场地的气氛和周遭文化很重要。一方面，你对如何构想观点有着清晰的概念，另一方面，你对将作品和环境建立联系持有非常开放的态度。
梁：我不想将自己定义为使用某种特定创作方式工作的艺术家，我希望通过多种途径创作。有时我的作品是在特定场域创作的，即使那是一件以调查为基础的作品；有时我则使用更传统的方式创作。我在工作室里每天都处理不同的事、做不同的决定，对于艺术语言、工作方式，甚至是创作媒介，我希望是充满矛盾、难以界定的。我是个控制欲很强的人，但我也允许自己享受一些自由。
《The Intermediate – Sea Urchin Dragon Dance》（2016），梁慧圭，图片由Greene Naftali艺廊提供
Dziewior：你曾在首尔念书，1990年代初辗转德国法兰克福的施泰德艺术学院（Städelschule）继续求学，当时你并不懂说德语。我很喜欢你早期作品的一个原因是，观赏者能够从中感受到你是如何应对新环境和新文化的。
梁：在《ETA 1994-2018》中，我们安装了一个小柜子，里面装满了来自1994年至2018年间不同媒介的物品，有石膏做的东西、书籍、印刷材料、传单和图像作品。展览的空间十分普通，或许对于熟悉我作品的人来说显得陌生。我想通过这种效果让人知道我从哪里来、我怎么开始艺术创作和我的学习过程。当我来到德国的时候，我是在学习但没有接受我学的东西，这是一个痛苦的过程。在这个展厅的所有物品都有着同一种幽默感、忧郁感，以及我对语言不通的挣扎，这反映了我当时的心理状态。与其成为一个文化的翻译者，我希望通过一种属于我自己的方式表达我的处境，而对日常物品的运用是一种很有力的途径。
《Windmill – Trustworthy Sparky Celebration #356》（2018），梁慧圭，图片由Greene Naftali艺廊提供
Dziewior：我们来谈谈相对大型装置作品例如百叶窗《Sol LeWitt Vehicle》，那些比较少人知道却也代表你艺术实践的作品吧。例如，对白立方式的展览空间和艺术市场体系提出质疑的《Storage Piece》。我很少这样形容一件作品，但是我觉得《Storage Piece》十分激进。
梁：《Storage Piece》创作于2004年伦敦，那段时间在经济和艺术创作上都十分艰苦，我对生产和艺术行业的生态充满质疑。艺术作品在工作室或特定场域被创作，然后被展出，之后被打包、运输、储存直至下一次展出才被打开包装。我想，有多少我的作品值得被再次展出？我的大多数早期作品长期处于储存的状态，对于一个年轻艺术家而言这是一种负累。那段时间，我的储存空间达到极限，我甚至也没有置身之地。所以我将这些作品用很经济的方式堆叠在同一个地方— 把它们都放在托盘上，于是《Storage Piece》诞生了。值得留意的是这些作品像普通储存物那样挤压堆叠在一起，你并不能看到每一件作品本身，这既是一种贮藏也是一种展示。《Storage Piece》是对艺术市场倾销现象的回应 — 你可以一口气拥有一个艺术家的所有作品，但却不能看到你到底买了什么。
《Sonic Sphere with Enthralling Trio – Diagonally-ornamented Brass and Nickel》（2016），梁慧圭，图片由Chantal Crousel艺廊提供
Dziewior：《Storage Piece》在柏林的一个艺术展上被一位收藏家买下，但他根本不知道自己买了什么。他后来为了一次展览寻求你的帮助来“拆解”这个作品。
梁：这是发生在《Storage Piece》上最棒的事情之一，不仅因为这带来了彻底的改变，还因为这个举措带有一种真挚感，反映了藏家想要看组成《Storage Piece》不同作品的渴望。
《Sonic Rotating Line Type A - Nickel Plated #12》（2013），梁慧圭，图片由Greene Naftali艺廊提供
Dziewior：我们在路德维希博物馆策展的时候也做了相同的事情。我们逐步把《Storage Piece》中的作品一件件取出来，并在展示《Storage Piece》旁边的一个展厅中展出。我认为这件作品以一种幽默的方式对艺术体系作出评论，并对价值观提出疑问。这和你每次呈现内容都有所不同的《VIP’s Union》有异曲同工之妙 — 你向各展览城市里来自金融、文化和教育等领域的“贵宾”们借出家具并在展览期间展出，椅子、桌子、沙发之类的。《VIP’s Union》有趣的是它凸显了不同展览地方的社会多样性，展现了一个地区的文化和语言，及等级和性别的分布。
《Sonic Clotheshorse – Dressage #6》（2019），梁慧圭，图片由kurimanzutto艺廊提供
Dziewior：你在2007年巴塞尔艺术展巴塞尔展会的“艺创宣言”首次展出来自《Vulnerable Arrangements》系列中的《Seven Basel Lights》。我记得我一看到这件作品马上就被它吸引住。这件作品后来被汉堡美术馆（Hamburger Kunsthalle）收藏了，《ETA 1994-2018》还是从他们那里借来这件作品的。和你的其他作品类似，《Seven Basel Lights》的材质非常脆弱，其中的不同部分来自不同城市，所以筹备的过程一点都不容易。
《Electric Chirpings - Trustworthy #360》（2018），梁慧圭，图片由Greene Naftali艺廊提供
梁：《Seven Basel Lights》在科隆打开了“雕塑长廊”的大门，展示了我于2007年至2018年间创作拟人式雕塑作品的演化历程。作品是一组由粗细不一的彩色电线及闪烁的彩色灯泡组成的雕塑。灯泡和电线都不是传统的雕塑媒介，作为一个接受传统美学教育的人，我想从以前熟悉的艺术语言中找到出口。我很清楚知道我不想再用陶土、石头和模型这些从学校学到的媒介，在某种程度上，这些非传统、来自日常生活的物品更容易进行试验，而我也很喜欢它们的张力。
《The Intermediate - Ikebana Dragon Ball》（2016），梁慧圭，图片由Kukje艺廊和Tina Kim艺廊提供
梁：这个系列的雕塑以《Seven Basel Lights》为首，随后发展出近期的《Sonic Sculptures》和用人造稻草做的《The Intermediates》系列。因为我用非传统的创作材料，所以我需要摸索我能做出怎样的雕塑，所以当我创作时，我让材料和作品本身的物质感引领我，整个过程是顺其自然而且令我舒心的。
