来源：艺术世界ArtWorld

Easy Ride, 2019, 布上丝印油墨、油漆、搪瓷和喷漆, 191 x 244 x 4 cm | 75 x 96 x 1(1/2)in, 摄影：Stan Narten/JSP Art Photography © Eddie Martinez; Courtesy of the artist, Perrotin, and Mitchell-Innes & Nash, New York

顾莹∣采访整理

贝浩登∣图片提供

艾迪·马丁内斯（EddieMartinez） 1977 年生于美国康湼狄格州，现居纽约布鲁克林区，绘画风格糅合具象与抽象，笔触灵巧豪迈。他的创作混合不同媒介，包括油彩、瓷釉、喷漆、树叶、图钉，甚或婴儿湿纸巾，作品率真奔放，别具质感。

对于很多艺术家，纸本绘描只是前奏，对马丁内斯则是恒常习惯和创作主轴，是观照生命的重要工具。他不少纸本都是在工作室以外地方完成，例如火车、餐厅、等候室、会议期间等，贯彻了他随时随地画素描的习惯。马丁内斯的画作，很多是把原有绘描放大，以丝网印到画布上，再以独特色彩丰富作品内涵。飘浮的头像和大眼睛人物，成为马丁内斯独有的视觉语言，显示艺术家如何巧妙运用线条。此外，弯曲的轮廓，明快的笔触，尽是挥洒自如，令人想到哈洛德·罗森伯格(Harold Rosenberg)所讲，画布是「行动舞台」。画布上的豪迈奔放，用马丁内斯的说话，旨在传达一片童心，以及其广阔可能性。

马丁内斯的雕塑，是他对线条、构图与色彩探索的立体呈现。他把日常平凡物品铸造成铜件，并以色彩赋予生命，从而带出组装和现成物运动的作风，是对物质和物质文化的探索。

对话艾迪·马丁内斯

ArtWorld：平时您经常会画一些随笔，周围的环境和物体都会成为画面具体表现的物件，但在创作中您是如何对表现物象进行删选的呢？

马丁内斯：我其实没有删选。正如我的工作室一样，我的纸绘也有自己的活力。如果看到重复的主题，都是在创作过程中表现出来。（关于画画、创作的激发对象）所有喜欢映照卡通或荒诞具象的画家，都曾甚至依然为菲利普·加斯顿(Philip Guston)的作品着迷。这个是理所当然、避不开的关系，要自己越过。

Futuristic Plant of Past, 2019, 布上丝印油墨、油漆、喷漆、丙烯和瓦砾, 183 x 152 cm | 72 x 60 in,摄影：Stan Narten/JSP Art Photography © Eddie Martinez; Courtesy of the artist, Perrotin, and Mitchell-Innes & Nash, New York

ArtWorld：在您以前的艺术作品中出现了例如大眼睛和头骨等意象特征，在之后的创作过程中您会有意识地去规避这些比较突出的个人语言（或是将其「隐」于画中）还是将其作为您个人的特点进行展示与（变形）重复？

马丁内斯：这个问题很有趣。我觉得连贯性的重复是传达想法的好管道，同时可以避免解释太多。对我来讲，艺术家的工作室有自己的生命力，我的行动都是经得它的容许的。

Landlord of the Flies, 2019, 布上丝印油墨、油漆、喷漆、瓷漆、丙烯和拼贴, 191 x 244 cm | 75 x 96 in, 摄影：Stan Narten/JSP Art Photography © Eddie Martinez; Courtesy of the artist, Perrotin, and Mitchell-Innes & Nash, New York

ArtWorld：您认为一幅作品离开工作室就会发生变化，能向我们解释一下其中发生的变化吗？

马丁内斯：发生变化的意思是它不再属于我。之所以称之为是我的作品是因为我创作了它，但一旦离开工作室，它作为物件已不再属于我，它的存在也不再由我掌控。

EMHK WOP14 (New Florida study), 2019, 纸上丙烯、水彩、蜡笔和瓦砾, 57 x 76 cm | 22 (1/4)x 30 in,摄影：Stan Narten/JSP Art Photography © Eddie Martinez; Courtesy of the artist, Perrotin, and Mitchell-Innes & Nash, New York

ArtWorld：在您过去的访谈中，您提到「to make a large painting feel like a painting」？您认为「drawing」和「painting」之间有何区别？以及您是如何理解这句话的。

马丁内斯：一方面，我觉得布面和纸本在创作思考时没有本质区别；另一方面，它们的确是两种媒介，所以两者各自独立又相互联结。

EMHK WOP3, 2019, 纸上丙烯、水彩和喷漆, 57 x 76 cm | 22 (1/4)x 30 in, 摄影：Stan Narten/JSP Art Photography © Eddie Martinez; Courtesy of the artist, Perrotin, and Mitchell-Innes & Nash, New York

ArtWorld：因为绘画是一件非常私人的事情，有时候情感的传递并非想象的简单，但是您对线条和颜色的运用通过画面直接传达给了观者，给人以生命力的感动，您认为您是如何做到的？在这一过程中，除了从创作者的角度进入画面，您会从观者的角度出发吗？

马丁内斯：我不确定，至少我没有希望透过作品里的动感表达特定的概念。整体而言，我的作品承载了我的个人情感，毕竟我在创作的时候会纳入不同的元素。比如说，我画的花瓶看似静好，背后蕴藏的黑暗，可能跟累叠的头骨旗鼓相当。

艾迪·马丁内斯于贝浩登（香港）个展《EMHK19》现场, 2019, 摄影: Ringo Cheung © Eddie Martinez; Courtesy of the artist, Perrotin, and Mitchell-Innes & Nash, New York

ArtWorld：您的创作中出现了以白色覆盖画面色彩，但却保留了线条，在色彩上覆盖白色是否意味着生命里的剥离，您是如何理解这种做法的。

马丁内斯：就是作画。我会在画布上把原本用以描绘主体的部分涂上白色，之后也不再添笔。这个系列是留白的一个尝试，令我不断将原本会补充的部分留白，甚至将已经画好的范围用白色的颜料覆盖。但我觉得，即使作品系列不同，表达的主题也可以吻合。

艾迪·马丁内斯于贝浩登（香港）个展《EMHK19》现场, 2019, 摄影: Ringo Cheung © Eddie Martinez; Courtesy of the artist, Perrotin, and Mitchell-Innes & Nash, New York

ArtWorld：您目前的作品游走于两种形式：具象及抽象。对您来说，这两种形式有何不同？你以前的作品偏向具象，转至抽象的过程，有没有经历过挑战？

马丁内斯：我不认为抽象与具象是两种不同的形式，只是不同结果。从具象至抽象这个转变已经是七年前的事情，我在过程亦遇上一些挑战，但我一直忠于自己的创作。在艺术里，没有一成不变，比如现在，我又开始走往具象。

艾迪·马丁内斯于贝浩登（香港）个展《EMHK19》现场,2019, 摄影: Ringo Cheung © Eddie Martinez; Courtesy of the artist, Perrotin, and Mitchell-Innes & Nash, New York

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有趣的是马丁内斯认为自己的作品甚至及工作室都是拥有自己的意识和生命力的，与艺术家本人都是平等的，甚至其本人的行动需要得到它的认可，因此工作室也是艺术创作的重要参与者。回到马丁内斯的创作上，他的作品中出现了大量眼睛和头骨的物象，现实生活中当观者接触到此类物品时第一反应会本能地把头别开，而马丁内斯把生命揉进双眼（无论是直观的双眼还是空洞的骷髅）并试图让观者与其直视，直视生命的力量。

马丁内斯作品中的色彩和线条是创作中生命力的来源，他并没有为此下定义。在询问马丁内斯对呈现的物象和颜色有没有自己的理解和定义时，马丁内斯并没有回答。可能这不应被定义，它们只代表真实自己的一部分，这里的自己不仅仅是艺术家个体，更包含了物象本身的自己，艺术源于真实。线条可将万物关联，颜色可使情感相通，艺术中的生命力源于自我。虽然马丁内斯没有希望通过作品表达特定的概念，但其仍为其创作的内容赋予了一定意义，只有被赋予主题的事物才有意义，而这种意义就是人类和作品的联系，或者说是人类与艺术的牵连。

艾迪·马丁内斯于贝浩登（香港）个展《EMHK19》现场,2019, 摄影: Ringo Cheung © Eddie Martinez; Courtesy of the artist, Perrotin, and Mitchell-Innes & Nash, New York