来源：雅昌艺术网
艺术家张恩利
致谢张恩利工作室，香格纳画廊和豪瑟&沃斯画廊
这几日，张恩利正为他的个展做最后的准备。3月22日，他将在chi K11美术馆带来三组作品，其中，作品《工作室》曾于去年在英国皇家艺术研究院的驻地项目展示过。据悉，这是艺术家对九十年代工作室的记忆与还原，菱格纹的地板、被扩大无数倍的“屠夫”，一些散落的画材都在其中得以展示——在没有市场的90年代，张恩利正是在这样的环境中创作作品。
除《工作室》外，本次展览还将带来两组作品《墙面》与《无题（地砖）》，均是张恩利在美术馆空间中完成的新作。
将绘画走出画布，移植到地面、墙面，乃至整个空间，是张恩利十多年来的绘画实践之一。2007年，在比利时安特卫普的双人展《循环，没什么可看》中，他第一次挑战空间绘画，整面展墙被涂成土黄色，仅在部分区域留白，如同物件在那里摆放过的痕迹。“我关注痕迹，但这并不是对旧物的留恋。相反，物不是重点，隐匿在背后的‘痕迹’才是。”张恩利曾告诉雅昌艺术网。
比利时项目的成功，让张恩利看到了新的可能。他开始挑战难度更高，面积更大的空间。在一次ICA的驻地项目中，他曾挑战约达1000平方米的空间，“当时我们花了十二天，我看到空间很兴奋，但最初也不知自己能否完成。”他曾回忆。
2014年5月，他曾在香港K11艺术基金会Pop-up空间举办个人项目“空间绘画”。整个“空间”高达两米，由200只纸箱粘合而成，内部墙体则被其自由笔触的油画填满。“这件作品就是‘香港’。它很拥挤，有时令人压抑。因此它不高，纸箱也处理得不那么平整。在这个密闭空间里，你能够逃避外界的压力，去畅想自己想要的世界。”张恩利曾对雅昌艺术网说。
正是一次次的绘画实践，张恩利对于绘画的认知也在不断更新。去年，在豪瑟沃斯纽约的个展中，他那些为人熟知的树、绳、容器等物体被一些近乎抽象的形态取代。对于此次转变，张恩利表示：“绘画不是传统意义上画的内容，也不是画得像不像，它不是艺术家信手捏来，也不是苦思冥想。”
三十多年，张恩利的创作还在继续。
对话张恩利：
雅昌艺术网：能与我们“剧透”新展的作品？
张恩利：这次展览分为三个部分，《墙面》《工作室》和《无题（地砖）》。我想借这个展览探讨“什么是绘画”。绘画有很多种含义，它不是传统意义上说的画的内容，或画得像不像，绘画有时候是隐藏在细节中的，不是靠艺术家苦思冥想，或信手捏来的。我画了很多年的画，必然会有很多绘画的经验，但我想尽量把这种经验压到最低。
《墙面3》（2019）
墙面水性颜料
230 x 782 cm
致谢张恩利工作室和chi K11美术馆，欧家成摄影
《墙面3》（2019）
墙面水性颜料
213 x 327 cm
致谢张恩利工作室和chi K11美术馆，欧家成摄影
雅昌艺术网：做《墙面》时，是否产生一些对绘画认知或感悟上的新体验？
张恩利：有一点点。我曾在工作室里试验过几张，当然尺幅没这么大，周围也比较“乱”，有很多生活和工作的痕迹。这次在美术馆完成的尺寸，完全符合我之前的想象。这个空间除了白墙没有任何痕迹，淡淡的痕迹就显得很协调，这和我在工作室的实验效果产生某种反差。
我挺喜欢在非商业空间里完成这一类型的作品，因为它不能卖，你可以排除背后的商业属性，表现一种非常自由的状态，而这种东西可能触发很多新的作品。
雅昌艺术网：如你所说，是否在某一时刻触动你创作新作？
张恩利：我还没办法想太多，也无法预设。每一次做这样的项目，只有完成后，才能想下一件事。
《工作室》
彩、亚麻布、多层板
木箱：282 x 256 x 304 cm
画布1：260 x 202 cm
画布2：253 x 199.8 cm
致谢张恩利工作室和chi K11美术馆，欧家成摄影
雅昌艺术网：《工作室》曾在伦敦展出过，当时观众的反应是怎样的？
张恩利：在英国皇家艺术研究院驻留时，是边开放，边工作的状态。有趣的是，国外观众以为这是艺术家想象出来的样子，而这却是我们曾经的真实体验。现在《工作室》到上海，会有更多的熟悉感。所以，这里是“现实”，那里是“舞台”。
总体来说，《工作室》还原了我1994年、1995年生活和工作的地方。当时，公寓的一半用来居住，一半用于创作。那里很旧，地面也很破，我就铺上三夹板，用丙烯颜料在上面画格子，不过当时是黑红格子，我想给房间带来一点生气。那时我画《屠夫》系列，尺幅在是1米到1米6。那批作品与现实处境相关，是在反映人的弱小和外界的强大，有一定的预言性。
做这件作品时，我很感动。回望过去，很多经历的确忘记了，但复制和还原时，会唤醒年轻时走过的路。它是对整个九十年代艺术家的面貌和状态的再认识，也反映着社会变迁给城市带来巨大的改变，人的命运也就此不同了。
chi K11美术馆张恩利新展 展览现场 《无题（地砖）》
致谢张恩利工作室和chi K11美术馆，欧家成摄影
雅昌艺术网：在去年纽约豪瑟沃斯的个展上，我们发现你的画中物更“肆意”了，与大多数人熟悉的绳子、箱子、皮球和容器有明确的不同。
张恩利：视觉本身不是最重要的。我是想展开对于形象的认识、人对于物的定位的思考——说再直接一点，对于“形”的判断。比如，为什么桌子是桌子而不是沙发？我是想改变一种认知的边界，所以看起来有些抽象。这是对现实的一种反思，当我说这几条线是鹦鹉的时候，大家是怎么想的？
雅昌艺术网：大多数人梳理你的创作脉络时，总是以《屠夫》开始，到之后的“物”——皮球、容器、绳子、树等，你认可这种划分的方式吗？如今有了比较明确的变化，是否代表开始了下一个创作周期？
张恩利：人到一定年纪，不是一定要去定义，有时候停下来，可以慢慢想——我现在就是这个阶段。人活到五十岁，对于所经历的、看到的、读到的、听到的，都会有一种重新的体会和认识。因为，对于有些东西，年轻时的认知是激荡的、片面的、简单的，当然，现在还可以是简单的，但你会有反复思考的余地。
雅昌艺术网：所以现在“出手”已经比较谨慎了？
张恩利：比较谨慎。谨慎是一种对经验的排除。当你工作三十年，你的手、你的眼睛（会有惯性），可能一下子就画出来了。所以我每个十年，都会有一个（明确要）变化的概念，为此，我需要停顿。人的思维惯性是很可怕的，我们其实没有所谓的成熟，只是有很多的经验和执行力。惯性是艺术家的敌人。
雅昌艺术网：如今你收获了很多认可，学术的和市场的，那对于自己作为艺术家的定位，有没有更明确的规划？比如，有些艺术家选择扩大团队，甚至开公司进行企业化运营。你的态度是？
张恩利：我不需要。我不需要打造一个公司形象。我一直是非常本分的画家形象，很多事都在亲历亲为。从长远来看，这是保证大家对我的认可，也是对市场的有效保护。一旦成立公司，作品的量必然大幅增加。现在，我每天都还在工作，之前有过一年画五十张，现在放慢节奏后，一年画十多张。如果你有二十个助手帮你画，一年不会少于两百张。但我不希望大量通过助手完成概念作品。我希望流通市场的任何一件作品，都是我画的，哪怕它不是一件最好的、最能代表我的作品，但还是我亲手画的，这点我非常坚持。
雅昌艺术网：这几年，你的个展和项目都比较多，为什么决定放缓节奏？
张恩利：每个人都有个爆发期。这两年，我慢了一点，可能是“懒”了。另一方面，我的空间项目比较多，这比较耗体力，我得保护一下自己的体能，毕竟不是三十岁了。我觉得，艺术家不是拼命到底的职业 要学会保证自己的工作状态。
雅昌艺术网：最后探讨一下艺术家与社会和公众的关系。很多人认为，当代艺术是小众的，即便在业界颇有建树的艺术家，面对庞大公众群体，可能还有很长的路要走。你如何看待这问题？
张恩利：如果一个艺术家让大家都了解，那当然是很了不起的，比如莫奈、毕加索，即便稍微“小众”一点的塞尚，都有很高的公众知晓度。我觉得，世界上最优秀、最伟大的艺术家，它的话语权是大众的，而不是靠两、三个专家——策展人、美术馆馆长等来判定的。举个例子，如果你的一项科研发明，突破某个领域形成重要贡献，你只要几个专家就可以判定，但艺术不同，它是视觉的东西，我相信，没有任何一个专家能轻易判断谁是这个世界上最伟大的艺术家。艺术的话语权在大众手上。
雅昌艺术网：谢谢。
