来源：Cc主义  文：林霖

近日，在德国柏林的格罗皮乌斯堡博物馆举行的一场名为“无边的世界”（Welt ohne Außen：Immersion Spaces since 1960s）的展览，这是一场关于“灯光艺术”的展览，却用了耐人寻味的“Immersion Spaces since 1960s”之名，也即策展人认为时下火热的“浸没式”体验的展览，在上世纪60年代就有了。

策展人Thomas Oberender和 Tino Sehgal将灯光艺术的概念拓展了，不仅仅是具象的装置，也涵盖了行为、先锋实验、3D电影，甚至是气味装置等。所以，可以说虽然是以时间轴串联的回顾展，却立足于当下、打破艺术史的藩篱而将展览设计成一种“穿越”的体验。除了梳理历史，展览还呈现有当下的作品和工作坊，以“浸没式”的展出方式邀请观者互动并参与到工作坊的日常项目中来。

联想起这两年火遍全球的主打浸没体验的展览，无一例外是搭乘最时髦的技术快车而得以实现；这之中最重要的手段就是光——无论是龙美术馆的James Turell展还是近日在余德耀美术馆展出的兰登国际大展“万物与虚无”，除了众所周知的“雨屋”，其他五组装置无一例外都是与光有关的装置。

那么，上世纪60年代的灯光艺术（Light Art）是怎么回事呢？

街头的霓虹灯闪烁、迪厅的光怪陆离、嘉年华的张灯结彩……这些都是日常所见的灯光，但它们不能称作艺术——或者反过来说，为什么灯光会被称为艺术？

犹记得那句呐喊——“向我照射吧，骄傲的光，狂野的光，把我淹没。”包豪斯巨头、灯光艺术的奠基人拉兹洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）在1917年曾这样描述他对光的崇拜。

那时候有一群人就是这么干的：拿根灯管放到展厅就是一组作品了。

当时可不像现在，利用新技术做作品就是噱头了。结合那个著名年代的背景来看，那个年代就是崇尚打破、打破、打破——打破一切传统和固见的束缚，以狂放激情之姿，以自由无畏之态。对于灯光艺术来说，简而言之，它所带来的变革是让空间不再只是“作品-观众”这一线性的维度，而是创造一个空间，让观众可以在空间里做些什么。

灯光艺术最初是极少主义的重要流派，他们认为灯管是构成工具，不牵扯任何情绪化的内容，竭力避免形式和媒介的任何表现意义。因为光本身也是一种物质，可以用来雕塑空间。

代表团体有1958年的“零”艺术社（Zero Group），由艺术家海因茨·马克（Heinz Mack）和奥托·皮内（Otto Piene）创建。奥托·皮内的《光芭蕾》（Light Ballet）系列作品，让光穿过编织的球或打孔的金属板，在黑暗的房间甚至剧院内翩翩起舞，可以说是最早的浸没式空间体验。

而被视为灯光艺术先驱的是美国极简主义艺术家丹·弗莱文（Dan Flavin），他利用空白墙面为基底，利用霓虹灯管围成画框或栅栏的形状而名声大噪（是的，Tracy Emin的霓虹灯管装置是有借鉴之师的）。

与马塞尔·杜尚一样，弗莱文在自己的艺术作品中使用日常物品，但他将这些材料构成新形式。当灯管烧坏之后，会被替换掉，因此颠覆了一件原创作品的概念。

工业材料和朴素的几何形状，这是极简主义艺术的标志。

奇怪的是，丹·弗莱文的作品尽管是廉价的工业生产的霓虹灯，却有一种肃穆的灵性。在几十年后的当代艺术家James Turell身上，我们又看到了这种气质。

艺术家对于光的探索和运用一直在进行着。人类与生俱来对光的依赖和仰慕情结，即便是随着科学和技术日新月异地发展依旧是深埋在骨子里的。这就是为什么浸没式展览能风靡的原因。

那些明明灭灭的光和影，来自古老柏拉图洞穴的魅惑，一种虚实之间的迷离与逃避，一种无处不在、弥漫日常的梦境之感。就像英格玛·伯格曼《假面》的平行空间和矛盾的自我，最终都以戏剧化的场景和冲突消解了困惑和矛盾。

如格罗皮乌斯堡博物馆的这场“无边的世界”浸没体验展，也将声音作为一种重要的体验元素：Thomas Proksch的“LE_GO”作品就是一件声音导览装置，需观者参与而共同完成。