来源：artnet
Pipilotti Rist, 《像素森林》（Pixel Forest），2016。图片：Museum of Fine Arts，Houston；© Pipilotti Rist
在辞旧迎新之际，artnet新闻向艺术圈内一些知名策展人、艺术家、博物馆馆长和画廊主提出了一个问题：无论是否最终成真，2018年你最想看到什么样的展览？有些人非常希望能看到已经去世很久的艺术家再次回到公众的视线，有些人则期待由计算机生成的展览。以下，是来自这些人的奇思妙想：
Nancy Lim，旧金山现代艺术博物馆
绘画与雕塑部助理策展人
梦想展览：Jerome Caja 回顾展
Jerome Caja，《无题》，约1990。图片：© Estate of Jerome Caja；courtesy of SFMoMA
我会很想看到旧金山传奇性行为艺术家、画家、雕塑家Jerome Cajad的首个回顾展，他于1995年死于艾滋病并发症。他的表演包括在像Uranus俱乐部这样的地方，经常以一个变装舞者的形象出现在俱乐部的酷儿之夜上，而且他也会用同一套化妆工具制作很多东西。他的作画工具并不是油画颜料或丙烯，眼线笔、唇膏、指甲油、闪粉他都信手拈来。他的画布也不是常见的油画布，而是在瓶盖、烟灰缸和开心果壳上创作。看起来都很微小却很精细。
Lisa Le Feuvre，Holt-Smithson基金会执行总监
梦想展览：“电影隧道”
（Film Tunnels，关于实验电影的实验性呈现）
Stan Brakhage，选自《Dante’s Quartet 》（1987）的画面，Canyon Cinema: Film
我有一个可能可以实现的美妙想法。想象一下，如果所有大陆上的城市和偏远地区能够混合起来，在一个展览中进行呈现。想象一幅隧道的画面——一条被弃用的铁轨，一条不知通向何方的地下人行道，以及一栋大楼上的某个紧急出口。然后挑个数字：1000。再想象下，如果一部关于即兴的、不按时间顺序进行的实验电影历史在这些隧道里播放1000个小时。隧道可以提供完美的条件：既避免日晒雨淋，光线又被完美阻挡。在政治氛围复杂的环境中，它提供了安全之处。一年中的这1000个小时内，不同语言和来自不同时期的电影先后上映。每部电影都将探索人们认知和观察的角度会有怎样的不同标准。这一项目的入场是免费的，座椅会很舒服但还不至于让你觉得昏昏欲睡。而在每场活动后，都希望进行相关的热烈讨论。当然，食物和酒水饮料也会在现场等候着大家。专业的电影放映员将通过崭新的机器播放最新修复的电影。
想象一下，我们能看到、听到、学习多少有意思的东西，想象一下多少想法会受到挑战。我已经随时准备好了，就等你了。
艺术家Brendan Fernandes
梦想展览：一场舞者、艺术家和
其他文化工作者之间合作的“反常”展
芝加哥Graham 基金会2018年“Brendan Fernandes: 大师与形式”的现场。设计：Norman Kelley。舞者： Satoru Iwasaki、Yuha Kamoto、Andrea de León Rivera、Antonio Mannino、Leah Upchurch。图片：Brendan Meara
将和其他人进行合作作为一种创作方式，一直是我艺术实践中的一个部分。作为一名舞者，我一直在一个团队间相互合作、互相支持的氛围中进行创作。我理想的展览是邀请艺术家、舞者、音乐人、编舞师、文化工作者和学者一起，在一个被“打破常规”的空间中进行一些无法定义的创作。展览注重的是过程中每个人的付出，所以创作者们将聚集在一起在展览进行中做出些什么，一些很难被定义的东西。从那些非常规的、处于不断变化的展览中，我发现了美，每个转瞬即逝的时刻就是艺术本身。我们如今所处的时代，有关想象的概念、如何创造未来的可能性和我们共同的未来这一点，都处于一片模糊中。我脑海中的展览将把人们聚集成一个群体，在艺术创作的过程中去孕育、去协作、变得更为慷慨和包容；去质疑艺术的形式、去触及意料之外的可能性。参加展览的艺术家、舞者、音乐人、编舞师、文化工作者和学者包括：Tricia Brown 舞蹈公司、Will Rawls、David Hammons、Helen Molesworth、Solange Knowles、Ralph Lemon、Rujeko Hockley、Nat Trotman、Juliet Bellow、Taisha Paggett 以及Kimberly Drew。
艺术家Deborah Kass
梦想展览：“立方体展，战后雕塑简史”
左起：Piero Manzoni的《世界的基座》（Base of the World，1961）；Jackie Winsor，《Bound Square》，1972。图片：Courtesy of MoMA；Paul Thek，《 Meat Piece with Warhol Brillo Box 》(1965)；Janine Antoni《Gnaw 》(1992）；Jim Isermann 《Utopia Now》以及 Tara Donavan《无题（牙签）》（Untitled , Toothpicks），2004
想象下站在古根海姆美术馆的顶楼，一边沿着旋梯拾步而下一边观看一场战后雕塑艺术的历史展，而作品的组成物都是一个小小的立方体。参展艺术家会有：Piero Manzoni、Tony Smith、唐纳德·贾德（Donald Judd）、理查德·塞拉（Richard Serra）、索尔·李维特（Sol Lewitt）、拉里·贝尔（Larry Bell）、Paul Thek、安迪·沃霍尔、Eva Hesse、Jackie Winsor、Felix Gonzalez-Torres、Janine Antoni、Rachel Lachowicz、Rachel Whiteread、Charles Ray、Jim Isermann、草间弥生、罗尼·霍恩（Roni Horn）、Rebecca Warren、Cornelia Parker、Tara Donovan、艾未未以及Urs Fischer。当然，应该还有更多的名单。
Kaywin Feldman, 明尼阿波利斯艺术馆馆长及主席
梦想展览：焦虑和同理心的年代
（Ages of Angst and Empathy）
比尔·维奥拉（Bill Viola），《The Quintet of the Astonished》，2000。图片：Courtesy of the Broad
我会愿意从同理心和同情的角度出发，做一场有关十九世纪末到二十世纪初的展览。同理心（empathy）这个词的起源和定义来自19世纪末正处于时代更迭之际的欧洲。尽管这个词的历史应该和人类的历史一样悠久，但直到上世纪末我们才真正意识到需要为它作个定义。这个社会到底发生了什么，需要我们为这个20万年来都不曾需要用到的词来下定义？而我们又该如何看待这个时代的艺术所反映出的这种需求？
十九世纪末的欧洲，焦虑感弥漫在政治、哲学和社会等各个层面，由新一轮工业革命引发的城市化进程让城市生活变得具有疏离感。整个欧洲社会都充满了对曾经熟悉的生活逐渐远去而产生的恐惧感，以及对未来的悲观情绪。同时，对于新世纪的到来和可能的希望，对那个被快速的变化烙上时代特征的未来，人们又充满了期待。
100年后，我们不断在未来看到新的机遇，而同时也在经历全球贫穷问题减少、科技创新不断、科学和医疗领域大步前进的时期。我们所处的当下，也为当代艺术家们所捕捉。日渐退化的文明、专政暴政、极端个人主义、全球化、移民、城市异化、悬殊的贫富差距、气候变化，这些仅仅是当代焦虑中的一小部分，也让我们充满恐惧和悲观。
文：artnet News
译：Zini Zhao
来源：artnet
我想要看到的“完美展览”？来自艺术圈人士的回答出乎意料（下）
John Smith，罗德岛设计学院博物馆
（RISD Museum）馆长
梦想展览：Omega工作坊出品
Roger Fry，《Nina Hamnett》（1917），裙子由Venessa Bell设计并在Omega制作。图片：© University of Leeds Art Collection and Gallery；courtesy of the Public Catalogue Foundation
我的梦想展览之一就是做一场由Omega工作坊出品的作品所组成的大型展览。这个伦敦的艺术和设计小组由Venessa Bell、Roger Fry和Duncan Grant在1913年成立。他们当初创立的目的，是向他们认为在艺术和装饰艺术间形成的错误区分进行挑战。六年间，这些艺术家和同事们一起打造了一个非常扎实的以艺术家设计的布料、陶器、地毯、家具和其他装饰物为主的市场。
随着如今艺术和手工艺之间的界线逐渐消融，很多艺术家也在探索时装、布料、瓷器和家具的可能性。因此，这会是一个非常适时的展览，来重新审视这群在一个世纪前挑战了传统的前卫艺术家们。
艺术家Betty Tompkins
梦想展览：Domenico Gnoli和Betty Tompkins
左：Domenico Gnoli，《条纹裤》（Striped Trousers, 1969）；右：Betty Tompkins，《阴部绘画#26》（Pussy Painting #26，2016）。图片：Courtesy of PPOW Gallery, New York
2012年Domenico Gnoli在Luxembourg & Dyan画廊进行展览时，当时在那儿工作的Alissa Bennett对我说，如果我和他两人的作品放在一起，会是一场很好的双人展。从那时起，我就一直在考虑这件事情了。Luxembourg & Dyan画廊会是个很好的展示空间，本身就可以引出十分紧张热烈的视觉讨论。
Omar Kholeif
芝加哥当代艺术博物馆Manilo高级策展人
Global Initiatives项目负责人
梦想展览：Marwan Kassab Bachi，
Huguette Caland和Alberto Giacometti
左起：Marwan的《丈夫》（The Husband，1966），图片：courtesy of the Barjeel Foundation; Huguette Caland, 《出口》（Exit, 1970）；图片：courtesy of the artist；阿尔伯托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti），《安妮特半身像 X》（Buste d’Annette X，1965）
我会非常想看到一场由在德国生活工作的叙利亚表现主义艺术家Marwan Kassab Bachi、黎巴嫩抽象画家及设计师Huguette Caland以及贾科梅蒂三人作品组成的展览。从整体来看，这些作品都通过形状和扭曲的动作讲述了有关身体的历史：身体会被如何延展，被抽象化，从而让我们思考自身和其他生物的关联？或许某天，我将有幸将这场展览真的组织起来。
SITE Santa Fe总监Irene Hoffmann
梦想展览：“Eva Hesse近作/新作展”
（或Ana Mendieta、Robert Smithson、
Gordon Matta-Clark，或Yves Klein）
Ana Mendieta，《Untitled (Silueta Series)》，1978。图片：© Ana Mendieta, courtesy of the Guggenheim Museum
在考虑什么是我梦想中的展览时，我想到了真的是完全不可能实现的展览：死时过于年轻的艺术家（大约都在35岁左右），但却留下了伟大的作品并在今天依旧对艺术的发展轨迹有着重大的影响。如果他们现在仍活着，会创造出什么样的作品？
Michelle Grabner
艺术家，FRONT International：
克利夫兰当代艺术三年展策展人
梦想展览：示威牌
2017年1月21日，华盛顿特区进行的女性大游行过后，抗议者们将示威牌留在了白宫附近。图片：Courtesy of Mario Tama/Getty Images
公共机构在美国公民们变得集体紧张、急躁的年代该扮演什么的角色，使得我有了一个做一次持续几场展览的想法，在公共图书馆内展示从当代政治游行中挑选而来的海报标语、展示牌、横幅等。这不仅是因为展示牌是政治语言、反讽语言、诗歌和设计的最佳实践，同时它们最重要的是体现了业余人士的拼贴实践。艺术史学家George Baker在写到有关当代拼贴实践时提到，这些朴实的手工艺品“加强了示威牌的临时感和手工感，但又有一种无穷无尽的意味——用马克笔、纸张和剪贴所展示的公共政治想象，可以随意地激增。
Line Clausen Pedersen
丹麦Ny Carlsburg Glyptotek博物馆策展人
梦想展览：大理石佳作，
米开朗基罗的《哀悼基督》
米开朗基罗，《哀悼基督》（Pieta）。图片：Wikipedia
能够围绕米开朗基罗的《哀悼基督》做一场展览，对我来说就是美梦成真了。这件来自梵蒂冈的经典作品，无视任类别流派，从任何角度来看都极为古怪。艺术家受到古希腊雕塑的影响，用兼具哥特式和文艺复兴元素的白色大理石创作了作品的主体。尽管作品的叙事看上去很抽象，但雕刻的手法却很“现实主义”——尤其是对脸部的雕琢，十分写实，甚至有可能是艺术家的自画像。这件作品曾被米开朗基罗自己和他人都复制了很多次。我想把所有复制的版本都收集到展览里，另外还有一些希腊雕塑以及罗丹的一些大理石作品。他也是米开朗基罗的仰慕者，从风格到技法上都模仿了米开朗基罗。
展览将以再现米开朗基罗工作室的方式进行组织，展品包括他一些学生的作品、卡拉拉市的几块大理石、工具、铺满一地的草图、黏土、大理石碎片、旧布料以及用来保持光亮白色表面的蜡。这就会引发一系列的问题，如连续性、创作和原创、长时间存在的材料以及米开朗基罗极端的工作技巧。罗丹将在介绍米开朗基罗作品重要性时，起到关键作用，当然几个早期现代主义的艺术家如摩尔、布尔乔亚、阿尔普等人也将有作品展出。另外，也欢迎有用大理石创作的当代艺术家。《哀悼耶稣》会是展览的中心展品，作品以首尾相连的模式设计成了一个圈，就和艺术本身一样。观众将会前前后后地来回走，让眼睛搜索和连接各种事件、艺术家和主题不同的艺术。这件作品能够改变人的一生，任何看到这件作品的人都会被记录下，永不离开。
Julien Lombrail
Carpenters Workshop画廊联合创始人
梦想展览：艺术之光：威廉·透纳，克劳德·莫奈，马克·罗斯科，詹姆斯·特瑞尔
Art Ligth：William Turner，Claude Monet，
Mark Rothko and James Turrell
左：透纳，《帆船和船的海景》（Seascape with a Sailing Boat and a Ship，c.1825–30。图片：© Tate；右：莫奈《Rouen Cathedral：The Portal （Sunlight） 》，1894。图片：Courtesy of the Metropolitan Museum of Art
左：马克·罗斯科，《#10》，1952。图片：© Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society （ARS），New York ，Paul Macapia；右：詹姆斯·特瑞尔，《Aten Reign 》，2013，图片：Guggenheim Museum， New York © James Turrell；David Heald © SRGF
透纳的海景有海浪、天空、船和阳光。接着，阳光变得和船、海浪一样的存在，所有的描述都消失了。莫奈受到透纳在伦敦展览的影响，也运用了这一概念。之后，罗斯科将画笔下的光视为灵魂的图像，而特瑞尔则雕刻了光。
藏家、艺术家Anne Spalter
梦想展览：“第八天”
我们能通过计算机程序作出比
人类艺术家更好的艺术作品吗？
顺时针方向：Desmond Paul Henry，1964; Ben Laposky《Oscillon 520》 ，1960。图片：© The V&A Collection; Manfred Mohr《P-1273 16627 》（2007/8）; Jean-Pierre Hébert《quantic notations》 ，1989
这场展览意在对“创造力是一种人类在生物学上独有的”这一假设提出质疑。展出的作品都是在机器的帮助下完成：从Ben Laposky的示波器图像、Desmond Paul Henry的绘画机器，以及Max Bense程序化美学理论的追随者们Manfred Mohr和Jean-Pierre Hebert将最新的AI和算法研究应用到艺术上。展览会对有史以来用算法进行创作的艺术家进行梳理，比如从黄金矩形和其他一些算法无缝演进到完全计算机化的创作。
Elsa Longhauser
洛杉矶当代艺术研究院执行总监
梦想展览：Harald Szeemann，“参照性领域”
左：Emery Blagdon的《无题》，选自《Healing Machines》（约 1955-86）。图片：courtesy of the John Michael Kohler Arts Center Collection；：Emma Kunz，《无题》
1995年的夏天，Harald Szeemann构思了一场分为四个部分的展览，名为“参照性领域。”第一和第二部分将展示32位自学成才的美国素人艺术家作品，8个大型美国素人艺术的生存环境模型，5位欧洲重要的原生艺术大师的油画、绘画和雕塑作品以及6个大型的欧洲环境模型。
第三部分里，Szeemann加入了Arnulf Rainer、杜尚、波洛克、Christian Boltanski以及Jean Tinguely的作品；另外还有关于“冲突”的两两对比群展，比如亨利·达吉（Henry Darger）以及Pier Paolo Pasolini；Heinrich Anton Müller和杜尚；Clarence Schmidt 和弗兰克·盖里；Emery Blagdon 和 Emma Kunz以及Thornton Dial 和杰克逊·波洛克。
第四部分是像Harry Everett Smith （约1957年）拍的专题节目《天堂和地球的魔法》（Heavenand Earth Magic）一样，展示一个由令人着迷的图像和影片组成的电影项目。
在这份出色的展览策划中，Szeemann写到“第一到第三部分像是呼吸的起伏，所以展览本身就会成为一件作品——一个充满参照性的国度。尽管Szeemann是一位优秀的知名策展人，但这个展览却从来为能实现。
3月14日，Elsa将在ICALA讲述这个从未实现的展览。
文：artnet News
译：Elaine
