Hans-Peter Feldmann汉斯彼得菲尔德曼
“本年度他们最喜爱的展览”来自artforum的原贴，用“艺术家推荐艺术家”的方式来给2010年做一个回顾。参与推荐活动的艺术家都是谁？他们来自哪里？他们喜欢什么？小编特开此帖，挨个介绍——
链接：本年度他们最喜爱的展览
艺术家背景资料
翻译：王慧
Gerhard Richter：
Gerhard Richter出生于1932年，出生在德累斯顿的一个中产阶级家庭。像许多同时代的德国人那样，他的家庭也卷入了纳粹运动；他舅舅鲁迪去世时还是一名年轻的纳粹官员，而Richter患脑疾的姑姑曾被关在一个希特勒安乐死营地。当Richter还是个孩子时，他就养成了缜密的思想意识，身边接二连三的死亡一直伴随着他的成长，这些也许造成了他对任何思想体系的厌恶，并为无任何价值观趋向的自然对其的吸引力奠定了基础。
母亲的鼓励让他在十多岁的时候想要成为一名艺术家，他在共产主义东德的德累斯顿艺术学院开始接受古典教育。几年后，就在柏林墙建立的几个月前，他与妻子只带着一个手提箱逃离去了西德的杜塞尔多夫。自1961年至1964年，里克特在杜塞尔多夫国立艺术学院师从于Karl Otto Gotz。
链接：Gerhard Richter 超级资料！！
Gerhard Richter所推荐的展览：
里克特：不存在的线条
绘画中心
35 Wooster St., (212) 219-2166
至11月18日
杰尔哈德·里克特(生于1932年)正在绘画中心举办一场纸上作品五十年回顾展。当你走进这座绘画中心时，你会觉得自己走入了一场严肃的绘画展览。展览中主要的41幅石墨、水墨或水彩(简洁的组合)抽象绘画作品被陈列在带有白色厚垫子的木质画框中。除了一组最大的四画幅作品，自2005年起，这些作品就被放置在深灰色墙面前的白色架子上，高低不等。这确实是一场精彩的展览。但是装置可能具有欺骗性。当你走出展览的时候，你会发现所有的严肃消失殆尽，并没有太多东西在期待着你。
这场回顾展是在美国第一次为里克特先生举办的展览，由来自英国米德尔斯布勒现代艺术研究所的Gavin Delahunty策划，展览也是最初在那里成形。展览的标题是“不存在的线条”，但是它更确切应该是“不存在的绘画”。因为这些作品并没有展示任何可以被认为是绘画的实质性的东西。
这些“绘画”包括一系列模糊的图像，泼溅，污斑，抹擦痕迹，点和乱画(也分别有一座山、一个人类骷髅和一个裸体的形象)。它们暗示许多种不同的艺术风格：印象派，极简艺术，无意识和学院自然主义。
但是在这场展览中，标志被积累而不是创作。举个例子，这些标志中的一些被适用于一支绑在钻孔机器上的铅笔。里克特先生并没有太多对于绘画语言的感觉，他不知道如何将能量、重量、形式和张力赋予线条、色彩和色调。他也不希望这样做。随意、模棱两可和不善辞令——正是由于这些特质使他饱受赞誉——是他最终的目标。不要被装置的优雅与天花乱坠所愚弄，这场展览只不过是一个人在艺术创作中所保有的公正无私的41个记录。
链接：本年度他们最喜爱的展览
艺术家背景资料
翻译：王慧
Gerhard Richter：
Gerhard Richter出生于1932年，出生在德累斯顿的一个中产阶级家庭。像许多同时代的德国人那样，他的家庭也卷入了纳粹运动；他舅舅鲁迪去世时还是一名年轻的纳粹官员，而Richter患脑疾的姑姑曾被关在一个希特勒安乐死营地。当Richter还是个孩子时，他就养成了缜密的思想意识，身边接二连三的死亡一直伴随着他的成长，这些也许造成了他对任何思想体系的厌恶，并为无任何价值观趋向的自然对其的吸引力奠定了基础。
母亲的鼓励让他在十多岁的时候想要成为一名艺术家，他在共产主义东德的德累斯顿艺术学院开始接受古典教育。几年后，就在柏林墙建立的几个月前，他与妻子只带着一个手提箱逃离去了西德的杜塞尔多夫。自1961年至1964年，里克特在杜塞尔多夫国立艺术学院师从于Karl Otto Gotz。
链接：Gerhard Richter 超级资料！！
Gerhard Richter所推荐的展览：
里克特：不存在的线条
绘画中心
35 Wooster St., (212) 219-2166
至11月18日
杰尔哈德·里克特(生于1932年)正在绘画中心举办一场纸上作品五十年回顾展。当你走进这座绘画中心时，你会觉得自己走入了一场严肃的绘画展览。展览中主要的41幅石墨、水墨或水彩(简洁的组合)抽象绘画作品被陈列在带有白色厚垫子的木质画框中。除了一组最大的四画幅作品，自2005年起，这些作品就被放置在深灰色墙面前的白色架子上，高低不等。这确实是一场精彩的展览。但是装置可能具有欺骗性。当你走出展览的时候，你会发现所有的严肃消失殆尽，并没有太多东西在期待着你。
这场回顾展是在美国第一次为里克特先生举办的展览，由来自英国米德尔斯布勒现代艺术研究所的Gavin Delahunty策划，展览也是最初在那里成形。展览的标题是“不存在的线条”，但是它更确切应该是“不存在的绘画”。因为这些作品并没有展示任何可以被认为是绘画的实质性的东西。
这些“绘画”包括一系列模糊的图像，泼溅，污斑，抹擦痕迹，点和乱画(也分别有一座山、一个人类骷髅和一个裸体的形象)。它们暗示许多种不同的艺术风格：印象派，极简艺术，无意识和学院自然主义。
但是在这场展览中，标志被积累而不是创作。举个例子，这些标志中的一些被适用于一支绑在钻孔机器上的铅笔。里克特先生并没有太多对于绘画语言的感觉，他不知道如何将能量、重量、形式和张力赋予线条、色彩和色调。他也不希望这样做。随意、模棱两可和不善辞令——正是由于这些特质使他饱受赞誉——是他最终的目标。不要被装置的优雅与天花乱坠所愚弄，这场展览只不过是一个人在艺术创作中所保有的公正无私的41个记录。
无题, 2007－09, 纸箱、彩色喷漆
Tony Feher
1956年出生于阿尔伯克，美国新墨西哥州
生活和工作于美国纽约
美国艺术家Tony Feher 把普通物品转成诗意的雕塑，同时不影响物品本质的样子。
Feher经常使用瓶子、盖子以及箱子，把这些物品堆起来、布置在室内外空间，引发观众用一个新的方式去观察它们。
20年前，Feher在东村一个玩具店里，看到阳光下有一个装满了弹子的鱼缸。“它的圆形、亮度、透明、质朴 ——都让我开心。我买了一把弹子，把它们放在我收集的蜂蜜罐子里，就变成我的雕塑。”
“我开始收集在路上找到的各种各样的东西，比如碎玻璃蓝宝石和红宝石。我把它们分类收藏在罐子里，然后在空间里布置它们。”
Aspen 美术馆展览现场
Western edition, ACME展览现场, 2007
Tony Feher 推荐的展览：
Zoe Leonard，Photographs | 摄影 ， 2009.12.9 - 2010.3.7
“摄影”是美国艺术家Zoe Leonard第一个比较完整的回顾展。除了早期作品之外，美术馆还增加了Analogue（相似）一个系列，从1998年到2009年创造的412张照片。这系列摄影关注全球化对城市风景和经济的影响和改变。
Leonard1961年出生于纽约Liberty，属于今天艺术平台的主要艺术家之一，最近几年她参与了许多国际展览比如Whitney双年展和Documenta. Leonard最近20年拍的摄影反映日常生活当中微妙的不合，透露自然和文化、生活和无常、当地和全球之间的矛盾。她的彩色和黑白摄影显示出善于观察细节、以及观察到平时容易忽略的东西的能力。
Zoe Leonard 关注摄影这个语境以及摄影的所有类型：航空摄影、科学记录、快照、时尚摄影、展览记录，等等。她利用不同的角度、距离、透视拍摄而让照片变成一个主观资料。她也用传统的方法洗照片，她不处理图片。她把底片的黑边以及灰尘的影子都留着。
展出摄影的时候，艺术家一直在观察空间布置。
策展人：Matthias Michalka
Analogue（相似） 系列, 1998-2009
Zoe Leonard, Image from Analogue, 1998-2009, Courtesy die Künstlerin und Galerie Gisela Capitain, Köln, © Zoe Leonard
Zoe Leonard, Image from Analogue, 1998-2009, Courtesy die Künstlerin und Galerie Gisela Capitain, Köln, © Zoe Leonard
Zoe Leonard, Image from Analogue, 1998-2009, Courtesy die Künstlerin und Galerie Gisela Capitain, Köln, © Zoe Leonard
Zoe Leonard, Image from Analogue, 1998-2009, Courtesy die Künstlerin und Galerie Gisela Capitain, Köln, © Zoe Leonard
Zoe Leonard, Image from Analogue, 1998-2009, Courtesy die Künstlerin und Galerie Gisela Capitain, Köln, © Zoe Leonard
早期作品：
Zoe Leonard, Anatomical Model of a Woman’s Head Crying, 1993, (Anatomisches Modell eines weinenden, weiblichen Kopfs), Courtesy die Künstlerin und Galerie Gisela Capitain, Köln, © Zoe Leonard
Zoe Leonard, Frontal View, Geoffrey Beene Fashion Show, 1990, (Frontalansicht, Geoffrey-Beene-Modenschau), Courtesy die Künstlerin und Galerie Gisela Capitain, Köln, © Zoe Leonard
Zoe Leonard, Mirror no. 2 (Metropolitan Museum), 1990, (Spiegel Nr. 2), Courtesy die Künstlerin und Galerie Gisela Capitain, Köln, © Zoe Leonard
Zoe Leonard, Niagara Falls no. 4, 1986/1991, (Niagarafälle Nr. 4), Courtesy die Künstlerin und Galerie Gisela Capitain, Köln, © Zoe Leonard
Charles Ray
翻译：王慧
查尔斯·雷（生于1953年）是一名来自洛杉矶的雕塑艺术家。他的那些奇形怪状难以理解的雕塑作品常常将观者的感知判断带入不和谐和出人意料的问题，他也因此而被人熟知。来自《洛杉矶时代》的柯里斯托弗·奈特曾这样写到，雷的“艺术家生涯……显然是最近二十年之中最重要的之一。”
查尔斯·雷出生于芝加哥。他于爱荷华大学获得了他的艺术学本科学位，并在Rutgers 大学的Mason Gross艺术学校完成艺术硕士课程。
他曾在爱荷华大学学习雕塑，师从于Roland Brener。 这位老师教授了雷许多现代主义雕塑的发展，特别是那些构成主义艺术家的美学观念，比如Anthony Caro和David Smith。在一次采访中，雷讲述了关于他的审美教育和早期受到的影响。“卡罗的作品就像是一个模板；我几乎将其视为是纯理想主义的。Brener教授的那些规范法则对我来说就是一种滋养。而在工作室中的实践，从某种意义上来说，就是印象。我的教育告诉我一件雕塑的完成也许仅仅只是告一段落。一件作品完成后，它将会被评论而后重新被置于废料堆中。这种工作方法教会我以一种雕塑的方式思考而不是思考一件雕塑。在我生命的此时，崇高的现代主义历史情境确实是我力所不能及的。我将卡罗视为超当代的。他的作品非常栩栩如生。它连接起了我心智的内部和外部。”
雷简要的描述了在他1971年的第一次展览中所表现出的二十世纪雕塑的许多发展，那次展览展出了一件名为“一站画廊”(One-Stop Gallery)的装置作品。展览包括了一组直接摆放在地上的小型雕塑收藏。其中的一些作品通过其对于材料的关注体现了极简抽象艺术（如罗伯特·莫里斯Robert Morris）的影响，而另外两件钢质雕塑则援引了他的老师，Brener的艺术传统；它们甚至被染成与卡罗的作品“一天清晨”(Early One Morning)(1962，泰特现代艺术馆)一样的红色。“一站画廊”预示了雷大部分作品的艺术基调，尽管这种艺术基调引导和重新阐释了二十世纪雕塑艺术的总则，而雷的作品本身却并没有被打上任何特定时代或风格的烙印。
Charles Ray, Ink Box, 1986, steel, ink, automobile paint, 36 x 36 x 36 inches
Charles Ray with his Fall '91, 1992, mixed media, 96 x 26 x 36 inches
Charles Ray, Family Romance, 1993, painted fiberglass and synthetic hair, 53 x 85 x 11 inches
Charles Ray, Hinoki, 2007, Japanese cypress
翻译：王慧
查尔斯·雷（生于1953年）是一名来自洛杉矶的雕塑艺术家。他的那些奇形怪状难以理解的雕塑作品常常将观者的感知判断带入不和谐和出人意料的问题，他也因此而被人熟知。来自《洛杉矶时代》的柯里斯托弗·奈特曾这样写到，雷的“艺术家生涯……显然是最近二十年之中最重要的之一。”
查尔斯·雷出生于芝加哥。他于爱荷华大学获得了他的艺术学本科学位，并在Rutgers 大学的Mason Gross艺术学校完成艺术硕士课程。
他曾在爱荷华大学学习雕塑，师从于Roland Brener。 这位老师教授了雷许多现代主义雕塑的发展，特别是那些构成主义艺术家的美学观念，比如Anthony Caro和David Smith。在一次采访中，雷讲述了关于他的审美教育和早期受到的影响。“卡罗的作品就像是一个模板；我几乎将其视为是纯理想主义的。Brener教授的那些规范法则对我来说就是一种滋养。而在工作室中的实践，从某种意义上来说，就是印象。我的教育告诉我一件雕塑的完成也许仅仅只是告一段落。一件作品完成后，它将会被评论而后重新被置于废料堆中。这种工作方法教会我以一种雕塑的方式思考而不是思考一件雕塑。在我生命的此时，崇高的现代主义历史情境确实是我力所不能及的。我将卡罗视为超当代的。他的作品非常栩栩如生。它连接起了我心智的内部和外部。”
雷简要的描述了在他1971年的第一次展览中所表现出的二十世纪雕塑的许多发展，那次展览展出了一件名为“一站画廊”(One-Stop Gallery)的装置作品。展览包括了一组直接摆放在地上的小型雕塑收藏。其中的一些作品通过其对于材料的关注体现了极简抽象艺术（如罗伯特·莫里斯Robert Morris）的影响，而另外两件钢质雕塑则援引了他的老师，Brener的艺术传统；它们甚至被染成与卡罗的作品“一天清晨”(Early One Morning)(1962，泰特现代艺术馆)一样的红色。“一站画廊”预示了雷大部分作品的艺术基调，尽管这种艺术基调引导和重新阐释了二十世纪雕塑艺术的总则，而雷的作品本身却并没有被打上任何特定时代或风格的烙印。
Charles Ray, Ink Box, 1986, steel, ink, automobile paint, 36 x 36 x 36 inches
Charles Ray with his Fall '91, 1992, mixed media, 96 x 26 x 36 inches
Charles Ray, Family Romance, 1993, painted fiberglass and synthetic hair, 53 x 85 x 11 inches
Charles Ray, Hinoki, 2007, Japanese cypress
艺术家Simon Starling
Shedboatshed (Mobile Architecture No 2) 2005
棚子船棚子（2号移动建筑）2005
Simon Starling
1967年出生于萨里，生活并工作于哥本哈根和柏林。
Simon Starling 对物品或物质的改变感兴趣。他制作物品、装置以及一些接近朝圣之旅的旅途，以便引起我们关注自然、科技和经济方面的问题。他描述自己的作品为“一个思考过程的物质表现”，透露一些隐藏的故事和关系。
在Tabernas Desert Run, 2004,Starling 骑着一个电自行车路过西班牙Tabernas沙漠。自行车唯一造的废料是水，Starling就用这个水来画一个仙人掌。这个仙人掌以及艺术家经历的体验的矛盾又好笑又深刻，强调这个地方的资源商业开发。
Shedboatshed (Mobile Architecture No 2) 2005 由同样的一个循环解构构成。Starling把一个棚子拆掉，把它做成一条船；然后他把这艘用棚子材料制作的船从莱恩开到巴塞尔，再把它拆了，重新搭成一个棚子。两个‘旅途’提供一种反对现代主义的压力、大生产和全球资本主义。
Simon Starling. Tabernas Desert Run, 2004. Fuel cell powered bicycle, vitrine, watercolour on paper 170 x 224 x 62 cm. Courtesy the artist & The Modern Institute, Glasgow.
Simon Starling: Tabernas Desert Run 2004
Fuel cell powered bicycle, vitrine, watercolour on paper. Detail of watercolour on paper
Courtesy the artist & The Modern Institute, Glasgow
Photo courtesy of Tate Britain
Simon Starling推荐的展览：
Michael Stevenson "On How Things Behave" Berlin Biennale
Michael Stevenson “事物有什么性质” 柏林双年展
Michael Stevenson的雕塑、装置以及电影来自于完整的历史研究。作品通过建造和模拟过程经常恢复一些奇怪的历史 遗迹. Stevenson对经济、政治和艺术之间关系的研究，给观众一种阴谋理论的感觉，因为作品中往往会出现一些国际政治人物、密室交易以及经济赌徒的冒险豪赌。“事物有什么性质”来自于 Manfred Gnädinger aka Man (1940-2002)模糊的、神话的故事。除了 Gnädinger文献被展出之外，计划通过Stevenson的录像关注“含糊”这个主题。
Michael Stevenson是一个新西兰艺术家，从2000年生活并工作于德国柏林。最近5年，Stevenson做了不同的个人计划，包括 “Introduccion a la Teoria de la Probabilidad,” 巴拿马艺术双年展 8, 巴拿马城市, “Lender of Last Resort,” Kröller-Müller Museum, Otterlo, “Persepolis 2530,” Arnolfini, Bristol, “Art of the Eighties and Seventies,” Museum Abteiberg, Mönchengladbach, “c/o The Central Bank of Guatemala,” CCA Wattis 当代艺术学院，旧金山, “The Smiles are not Smiles,” Vilma Gold, 伦敦. 他也参与了一些群展在多伦多的 The Power Plant, 伦敦的 Tate Modern, 雅典双年展以及巴塞罗那的 MACBA, 2003年Stevenson 被选择来代表新西兰在威尼斯双年展。
On How Things Behave, 2010
HD and 16mm transferred to DVD, 16:9 ratio, colour, sound
15 Mins 43 Secs
事物有什么性质，录像，15分43秒
Abraham Cruzvillegas
杰克蒂尔顿/安娜Kustera画廊很高兴地宣布，墨西哥艺术家亚伯拉罕Cruzvillegas的展览从2003年4月18日到5月24日，展览将包括雕塑以及安装件。
Abraham Cruzvillegas 出生在墨西哥，既是艺术家也是作家。他曾在墨西哥国立自治大学学习哲学和艺术，并与Gabriel Orozco一起进行研究工作。他后来成为一名教授，接着又在墨西哥国立自治大学教授艺术史和理论。
对于2002年的圣保罗双年展，Cruzvillegas写道：“显而易见，自己的艺术应当仍然存在，最重要的是，在所有的自然原始原料中，不稳定、物理、混沌和结晶状态的源材料：固体、液体、胶体和气态，是能量的喜悦。“这可以解释这类材料在他的作品中的使用。羽毛、香蕉叶、气球和海贝是用来表达他的概念雕塑的材料。
在主题和材料之间，Cruzvillegas呈现出有趣的主题。在空间里呈现的雕塑“那里”，凭借“那里”，材料之间成为相关、有趣的，值得一看。La Montanesa雕塑由黑珍珠河、摄影伞和钢丝组成。这件作品是由鲨鱼的嘴部，羽毛，鱼钩构成的。越是普通的材料，体现出更隐蔽的雕塑含义。
Abraham Cruzvillegas2002年6月与爱德华Aboroa和杰德迪亚凯撒一起出现在蒂尔顿/ Kustera画廊。此时他已经举办过8个个展和一系列的群展，Cruzvillegas的作品出现在墨西哥、德国、古巴、比利时、西班牙和美国。他的作品被列入2002年圣保罗双年展，也在威尼斯双年展展出。他参加了2003年11月在休斯敦举办的当代艺术博物馆的展览。
Abraham-Cruzvillegas-Study-Room-1
Abraham-Cruzvillegas-Study-Room-2
Abraham-Cruzvillegas-Untitled-1
Abraham-Cruzvillegas-Untitled-3
Abraham-Cruzvillegas-Untitled-4
ac
el_cometa
el_desnivel
el_triunfo
la_gloria
la_tarasca
p1923_cruzvillegas
杰克蒂尔顿/安娜Kustera画廊很高兴地宣布，墨西哥艺术家亚伯拉罕Cruzvillegas的展览从2003年4月18日到5月24日，展览将包括雕塑以及安装件。
Abraham Cruzvillegas 出生在墨西哥，既是艺术家也是作家。他曾在墨西哥国立自治大学学习哲学和艺术，并与Gabriel Orozco一起进行研究工作。他后来成为一名教授，接着又在墨西哥国立自治大学教授艺术史和理论。
对于2002年的圣保罗双年展，Cruzvillegas写道：“显而易见，自己的艺术应当仍然存在，最重要的是，在所有的自然原始原料中，不稳定、物理、混沌和结晶状态的源材料：固体、液体、胶体和气态，是能量的喜悦。“这可以解释这类材料在他的作品中的使用。羽毛、香蕉叶、气球和海贝是用来表达他的概念雕塑的材料。
在主题和材料之间，Cruzvillegas呈现出有趣的主题。在空间里呈现的雕塑“那里”，凭借“那里”，材料之间成为相关、有趣的，值得一看。La Montanesa雕塑由黑珍珠河、摄影伞和钢丝组成。这件作品是由鲨鱼的嘴部，羽毛，鱼钩构成的。越是普通的材料，体现出更隐蔽的雕塑含义。
Abraham Cruzvillegas2002年6月与爱德华Aboroa和杰德迪亚凯撒一起出现在蒂尔顿/ Kustera画廊。此时他已经举办过8个个展和一系列的群展，Cruzvillegas的作品出现在墨西哥、德国、古巴、比利时、西班牙和美国。他的作品被列入2002年圣保罗双年展，也在威尼斯双年展展出。他参加了2003年11月在休斯敦举办的当代艺术博物馆的展览。
Abraham-Cruzvillegas-Study-Room-1
Abraham-Cruzvillegas-Study-Room-2
Abraham-Cruzvillegas-Untitled-1
Abraham-Cruzvillegas-Untitled-3
Abraham-Cruzvillegas-Untitled-4
ac
el_cometa
el_desnivel
el_triunfo
la_gloria
la_tarasca
p1923_cruzvillegas
Pipilotti Rist
Pipilotti Rist出生于1962年，居住在苏黎世。自从她于上个世纪80年代中期进入到国际艺术影片领域后，她举办了无数的个人展和群展，现在她已经是全球最具名 气的视频艺术家之一。1977年，她在威尼斯双年展上以出色的音频和视频双连作品获得了Premio奖，作品名叫Ever is Over All。2005年，她代表瑞士出席了第51界威尼斯国际电影节。她最近的个人展品包括À la belle étoile（2007年，庞必度艺术中心，巴黎）、Gravity Be My Friend（2007年，Magasin 3 Stockholm Konsthall艺术馆，斯德哥尔摩）、YuYu（2008年，香川丸龟猪熊弦一郎现代美术馆，日本）、Pour Your Body Out（2008年至－2009年，当代艺术博物馆，纽约）、Elixir: the Video Organism of Pipilotti Rist（2009年，伯艾曼博物馆，鹿特丹）。她最近获得了2009年的米罗艺术奖（Joan Mirò Prize）。
Pipilotti Rist推荐的展览介绍：
Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger
瑞士装置艺术家Gerda Steiner 和Jörg Lenzlinger一直在创造幻想的环境和住宅，自1997年以来就开始迫使观众面对自己心灵的真实。他们的项目包括：“落在花园里的重重白日梦”（在2003年威尼斯双年展显示），一个功能的花园，波光粼粼的机油湖边，生长着芦荟植株，以及封闭式的圣人的洞穴。
他们所用的材料如下：塑料浆果（印度），牛垫（汝拉），废纸（威尼斯），猴面包树种子（澳大利亚），榉木、老人和玉兰的枝条（乌斯特），荆棘（阿尔梅里亚），尼龙花（一美元店），猪牙（印尼），海藻（汉城），橘皮（Migros店），化肥晶体（土生土长），白鸽'骨头（三Staë），丝绸芽（斯德哥尔摩），香蒲（Ettiswil），猫的尾巴（中国），芹菜根（蒙特利尔），男子气概的果皮（加勒比），野生刺孔（动物园），香蕉叶（穆尔腾），橡胶蛇（辛辛那提）。
在巴黎的文化中心二人呈现了他们的最新项目，题为“Comment rester fertile?”，由四个作品和视频组成。材料的运用包括空食品袋和水晶添加物。
brainforest06
brainforest09
brainforest11
Pipilotti Rist出生于1962年，居住在苏黎世。自从她于上个世纪80年代中期进入到国际艺术影片领域后，她举办了无数的个人展和群展，现在她已经是全球最具名 气的视频艺术家之一。1977年，她在威尼斯双年展上以出色的音频和视频双连作品获得了Premio奖，作品名叫Ever is Over All。2005年，她代表瑞士出席了第51界威尼斯国际电影节。她最近的个人展品包括À la belle étoile（2007年，庞必度艺术中心，巴黎）、Gravity Be My Friend（2007年，Magasin 3 Stockholm Konsthall艺术馆，斯德哥尔摩）、YuYu（2008年，香川丸龟猪熊弦一郎现代美术馆，日本）、Pour Your Body Out（2008年至－2009年，当代艺术博物馆，纽约）、Elixir: the Video Organism of Pipilotti Rist（2009年，伯艾曼博物馆，鹿特丹）。她最近获得了2009年的米罗艺术奖（Joan Mirò Prize）。
Pipilotti Rist推荐的展览介绍：
Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger
瑞士装置艺术家Gerda Steiner 和Jörg Lenzlinger一直在创造幻想的环境和住宅，自1997年以来就开始迫使观众面对自己心灵的真实。他们的项目包括：“落在花园里的重重白日梦”（在2003年威尼斯双年展显示），一个功能的花园，波光粼粼的机油湖边，生长着芦荟植株，以及封闭式的圣人的洞穴。
他们所用的材料如下：塑料浆果（印度），牛垫（汝拉），废纸（威尼斯），猴面包树种子（澳大利亚），榉木、老人和玉兰的枝条（乌斯特），荆棘（阿尔梅里亚），尼龙花（一美元店），猪牙（印尼），海藻（汉城），橘皮（Migros店），化肥晶体（土生土长），白鸽'骨头（三Staë），丝绸芽（斯德哥尔摩），香蒲（Ettiswil），猫的尾巴（中国），芹菜根（蒙特利尔），男子气概的果皮（加勒比），野生刺孔（动物园），香蕉叶（穆尔腾），橡胶蛇（辛辛那提）。
在巴黎的文化中心二人呈现了他们的最新项目，题为“Comment rester fertile?”，由四个作品和视频组成。材料的运用包括空食品袋和水晶添加物。
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Luis Camnitzer
路易斯•加姆尼则（Luis Camnitzer），概念艺术家，1937年出生于德国，随父母移民乌拉圭。早年，在乌拉圭大学学习了建筑与雕塑专业，后在慕尼黑学院学习雕塑与版画制作（Munich Academy). 1964年移居美国并居住和工作到现在。
加姆尼则从上世纪60年代开始为一些艺术杂志写稿，1996年他出版了自己的首部关于艺术的书籍《古巴的新艺术》（NEW ART OF CUBA）
加姆尼则曾在美国，拉丁美洲和欧洲举办和参加过众多个展与群展。他在创作主要涉及版画与雕塑领域。
他是到目前为止最为著名的概念艺术家之一。在20世纪50到60年代加姆尼则做为概念艺术家就开始在美国艺术舞台上崭露头角。在过去50年中加姆尼逐渐发 展出自己独特，个性鲜明的概念艺术作品，他的敏锐才智，嬉皮与热情奔放特质，与极具讽刺与暗喻意味的艺术风格，以及对社会政治与经济的极大关注都融合在艺 术家独特的概念艺术品创作中。
路易斯•加姆尼则（Luis Camnitzer），概念艺术家，1937年出生于德国，随父母移民乌拉圭。早年，在乌拉圭大学学习了建筑与雕塑专业，后在慕尼黑学院学习雕塑与版画制作（Munich Academy). 1964年移居美国并居住和工作到现在。
加姆尼则从上世纪60年代开始为一些艺术杂志写稿，1996年他出版了自己的首部关于艺术的书籍《古巴的新艺术》（NEW ART OF CUBA）
加姆尼则曾在美国，拉丁美洲和欧洲举办和参加过众多个展与群展。他在创作主要涉及版画与雕塑领域。
他是到目前为止最为著名的概念艺术家之一。在20世纪50到60年代加姆尼则做为概念艺术家就开始在美国艺术舞台上崭露头角。在过去50年中加姆尼逐渐发 展出自己独特，个性鲜明的概念艺术作品，他的敏锐才智，嬉皮与热情奔放特质，与极具讽刺与暗喻意味的艺术风格，以及对社会政治与经济的极大关注都融合在艺 术家独特的概念艺术品创作中。
关于Rob Pruitt
1964年出生于华盛顿，生活并工作于纽约。
Rob Pruitt, 关注‘垃圾’文化，他主要作品包括帕丽斯·谢尔顿、熊猫的绘画， Eternal Bic (永久打火机 1999) 跟一个打火机被固定在一个桌子,他也办了一个展览，在地面铺满了镜子而在上面中间放一条可卡因让观众去吸。
跟操作作品一样，Pruitt也操作了他的事业和名声。1992年，他跟Jack Early 在Leo Castelli画廊做了一个很荒唐的展览——关于非洲和美国文化市场。10年之后可能这样一个展览会引起很多讨论，但当时因为‘立场正确’的趋势，所以展览和艺术家（两个白种人）马上被严重批判。他们被批评成“讽刺、种族歧视”而被艺术世界排斥了好几年。Pruitt 后来设计和卖服装。
Pruitt一直描述艺术为他的“教堂”，他因被排斥而身心交瘁。从某一个角度来说，他差不多花了20年时间再进入这个圈子。他前一段时间在Gavin Brown’s Enterprise （代理他的画廊）以及Maccarone画廊办了展览。
左：“流浪的依云纸箱“，2002，雕塑
右：“依云喷泉”，2000，依云纸箱，塑料纸，矿泉水，泵
Sculpture by Rob Pruitt: On left, “Un Carton d’Evian Nomad” 2002—glitter and enamel on carboard box, 2002; on right, “Evian Fountain” 2000—Evian cardboard boxes, plastic sheets, mineral water, hydraulic pump
Rob Pruitt 推荐的：
Lucky Debellevue (Burning Bridges, New York) – 2010年2月17日
1957年出生于路易斯啊那，生活并工作于纽约。
展览包括The Rabbit Goes in the Hole, Cheekwood Museum of Art, Nashville, TN (2004), Feature Gallery, New York (2000), Stephen Freidman Gallery, London (1999), Galerie Emmanuel Perrotin, Paris (1998), Ten in One Gallery, Chicago (1998).
Lucky Debellevue在艺术家Wade Guyton以前的工作室里展出了他最近的作品。
展览现场：
翻译：何华
艺术家：Rob Pruitt
艺术家Rob Pruitt在上周举办了一场别开生面的独立展览，展览灵感来自于美国基督教Amish派的传统Rumspringa（翻译为到处跑跑）, Amish教的一些年轻人在他们达到加入教堂的年龄之前可以尽情寻乐. Rob Pruitt 并不是当你联想到再洗礼派教徒的时会第一个想到的艺术家。你可能会沿着艺术家列表找到Mr. Pruitt，一个46岁欢乐狡猾的垃圾文化传播者,他以制造的大熊猫和巴黎希尔顿画出名，他用老式酒吧桌和比克打火机塑造了永恒火焰纪念碑，他也曾举行了一次非常简短的画展，展览只有一块被可卡因线平分的长地板玻璃，而参观者可以被玻璃摄入其中。
但Mr. Pruitt通过一个与Rumspringa相反的呈现他自身的流浪-回家的体验的作品而出名，这个作品塑造了他的事业和声誉。Mr. Pruitt在1992年和他的合作者Jack Early在Leo Castelli画廊一起举办了一个惹人注目的却充满了不敬的展览，意在探讨非裔美国文化的市场化。十年后可能这个问题都会是与审查相抗争的主题。在1992年那时，政治正确的潮流很快将这个由两个美国南部的白人男子举行的展览变成了煽动性的事件，他们被称为愤青，甚至是种族主义者，多年来基本上被艺术界所驱逐; Mr. Pruitt一段时间停止了卖时装，在这段时间内他思考了时装工艺的理念，并为Martha Stewart 的生存想出了独特的时装理念。
作为一个真诚地信服地将画廊世界描述成自己的教堂的人，Mr. Pruitt为自己被从其中驱逐而感到忧伤。从某种意义上说，他已经工作了近20年为了在忠实的艺术信徒中去赢回一个自己的位置。在他的新展览 “样式与堕落”中，Mr. Pruitt作品填补西村画廊的Gavin Brown公司超过13000平方英尺去展示他自己，他在附近的Maccarone 画廊进行着他最雄心勃勃的出价他似乎是想为自己做这个展览，既是一个观展的人，又是一个画展的执事和重要的艺术家。
关于展览：Lucky Debellevue (Burning Bridges, New York) – 2010年2月17日
“幸运的是我在纽约最喜欢的朋友和艺术家之一，昨晚他在前Wade Guyton艺术家工作室举办了一个很棒的关于他近期作品的单独展示。这个展览将持续一周，只接纳提前预约的参观者。”
艺术家：Rob Pruitt
艺术家Rob Pruitt在上周举办了一场别开生面的独立展览，展览灵感来自于美国基督教Amish派的传统Rumspringa（翻译为到处跑跑）, Amish教的一些年轻人在他们达到加入教堂的年龄之前可以尽情寻乐. Rob Pruitt 并不是当你联想到再洗礼派教徒的时会第一个想到的艺术家。你可能会沿着艺术家列表找到Mr. Pruitt，一个46岁欢乐狡猾的垃圾文化传播者,他以制造的大熊猫和巴黎希尔顿画出名，他用老式酒吧桌和比克打火机塑造了永恒火焰纪念碑，他也曾举行了一次非常简短的画展，展览只有一块被可卡因线平分的长地板玻璃，而参观者可以被玻璃摄入其中。
但Mr. Pruitt通过一个与Rumspringa相反的呈现他自身的流浪-回家的体验的作品而出名，这个作品塑造了他的事业和声誉。Mr. Pruitt在1992年和他的合作者Jack Early在Leo Castelli画廊一起举办了一个惹人注目的却充满了不敬的展览，意在探讨非裔美国文化的市场化。十年后可能这个问题都会是与审查相抗争的主题。在1992年那时，政治正确的潮流很快将这个由两个美国南部的白人男子举行的展览变成了煽动性的事件，他们被称为愤青，甚至是种族主义者，多年来基本上被艺术界所驱逐; Mr. Pruitt一段时间停止了卖时装，在这段时间内他思考了时装工艺的理念，并为Martha Stewart 的生存想出了独特的时装理念。
作为一个真诚地信服地将画廊世界描述成自己的教堂的人，Mr. Pruitt为自己被从其中驱逐而感到忧伤。从某种意义上说，他已经工作了近20年为了在忠实的艺术信徒中去赢回一个自己的位置。在他的新展览 “样式与堕落”中，Mr. Pruitt作品填补西村画廊的Gavin Brown公司超过13000平方英尺去展示他自己，他在附近的Maccarone 画廊进行着他最雄心勃勃的出价他似乎是想为自己做这个展览，既是一个观展的人，又是一个画展的执事和重要的艺术家。
关于展览：Lucky Debellevue (Burning Bridges, New York) – 2010年2月17日
“幸运的是我在纽约最喜欢的朋友和艺术家之一，昨晚他在前Wade Guyton艺术家工作室举办了一个很棒的关于他近期作品的单独展示。这个展览将持续一周，只接纳提前预约的参观者。”
艺术家：MARY ELLEN CARROLL
MARY ELLEN CARROLL 是一位观念艺术家，居住和工作在纽约和休斯敦。CARROLL是获得过许多荣誉，其中包括波拉克/ Krasner奖，古根海姆奖学金，洛克菲勒研究员和麦克道威尔殖民地院士等。
2007年春天，CARROLL被邀请参加西班牙电信基金会的一个展览，并且是第一个被邀请在阿根廷进行艺术家居留计划的艺术家。这个项目名为“Nothing，”卡罗尔只带着她的护照在阿根廷度过了五个星期——没有钱，没有信用卡，在她走出她纽约公寓大门的那一刻之后，她随身携带的东西除了护照，就只有她的衣服。她从纽约机场总统俱乐部商务中心偷来了纸和笔，记录她的一切。
卡罗尔授教于休斯顿赖斯大学建筑系。今年11月11日，她在休斯顿执行一个艺术作品，一个居住地和周围的土地将被旋转180度，它会成为一个可持续发展和适宜居住的被改造的结构。
Carroll_PrjImage_2010
Because. Mary Ellen Carroll 2010#2
MARY ELLEN CARROLL 是一位观念艺术家，居住和工作在纽约和休斯敦。CARROLL是获得过许多荣誉，其中包括波拉克/ Krasner奖，古根海姆奖学金，洛克菲勒研究员和麦克道威尔殖民地院士等。
2007年春天，CARROLL被邀请参加西班牙电信基金会的一个展览，并且是第一个被邀请在阿根廷进行艺术家居留计划的艺术家。这个项目名为“Nothing，”卡罗尔只带着她的护照在阿根廷度过了五个星期——没有钱，没有信用卡，在她走出她纽约公寓大门的那一刻之后，她随身携带的东西除了护照，就只有她的衣服。她从纽约机场总统俱乐部商务中心偷来了纸和笔，记录她的一切。
卡罗尔授教于休斯顿赖斯大学建筑系。今年11月11日，她在休斯顿执行一个艺术作品，一个居住地和周围的土地将被旋转180度，它会成为一个可持续发展和适宜居住的被改造的结构。
Carroll_PrjImage_2010
Because. Mary Ellen Carroll 2010#2
艺术家：NICOLE WERMERS
NICOLE WERMERS 1971年出生于德国的Emsdetten，1999年就读于汉堡艺术大学艺术学院，她在伦敦的中央圣马丁艺术与设计学院获得了美术硕士学位。从2003年到2004年，她获得了一个德菲纳信托工作室的伦敦艺术家居留计划。目前，NICOLE WERMERS生活和工作在汉堡和伦敦。
NICOLE WERMERS 的作品通过拼贴和装置，探讨美和人工的诱惑。她经常从汽车组件、奢侈品、香水和葡萄酒广告中，创造立体的作品，与现代生活的结合所收集的经验，展现优雅的形式。她的作品唤起的是审美和当代现实。
NICOLE WERMERS 1971年出生于德国的Emsdetten，1999年就读于汉堡艺术大学艺术学院，她在伦敦的中央圣马丁艺术与设计学院获得了美术硕士学位。从2003年到2004年，她获得了一个德菲纳信托工作室的伦敦艺术家居留计划。目前，NICOLE WERMERS生活和工作在汉堡和伦敦。
NICOLE WERMERS 的作品通过拼贴和装置，探讨美和人工的诱惑。她经常从汽车组件、奢侈品、香水和葡萄酒广告中，创造立体的作品，与现代生活的结合所收集的经验，展现优雅的形式。她的作品唤起的是审美和当代现实。
Saâdane Afif national, red, white and blue items of clothing, 2002.
Saâdane Afif, Lost World, 2006 vue de l'exposition Notre Histoire,
Saâdane Afif, This is the way you and I measure the world
Saâdane Afif, Black Chords plays Lyrics, 2007
艺术家：Saâdane Afif
Saâdane Afif 的艺术实践是多样的。他不是雕塑家也不是画家也不是音乐家，而是一种展览创造者。他从几年前开始反映社会、文化、地理环境，同时关注不同的现象如Andre Cadere关于棍子、音乐、现成品以及收藏概念的方法论。
他也利用他跟其他人的合作以及朋友关系。像一个摇滚乐队的头一样， Saâdane Afif 叫不同能够介入的人来参与作品制作以及‘歌词’的写作，这个作为他最近这几年的主要计划。想法是让人按照他的戏剧写歌词。作者在写歌词的过程当中很自由。后面歌词在胶带上被写上去，然后让一些专业或越狱音乐家利用这些资料来做歌曲，以及录音和刻成一个由艺术家出的光盘。 Saâdane Afif 通过这种方式对展览概念感兴趣。他玩时间概念，开幕的时候做作品歌曲的演出以及展览期间的录音。他通过造一些真正的平台玩戏剧的特性，舞台也属于展览的一部分。
这种强调性也属于艺术家关注的其中一个问题。他探索观察的责任以及通过不同的解释去造同一个作品，不同的角度就影响作品的形式。
Saâdane Afif 不是在重复一个作品或一个系列，而是在研究它的完整性，也在研究作品的不同解释。
艺术家：Simon Dybbroe Møller
编译：鲍静
Simon Dybbroe Møller 是一位丹麦艺术家，1976年生于丹麦的奥胡斯。
1999-2001年，他就读于杜塞尔多夫的Kunstakademie，他在那里跟随Magdalena Jetelowa 学习。2001-2005年，他就读于法兰克福的Städelschule美术学院，在那里他跟随Tobias Rehberger 学习。目前他生活和工作在柏林。
"理性神秘主义", 现代主义和犯罪小说, 奥古斯特•斯特林堡(August Strindberg)以及走音吉他.
西蒙•戴伯罗•莫勒(Simon Dybbroe Möller)的创作方法为艺术史提供了另一种愉悦的思考方式, 使其不再是有如让读者望而生畏的条例森严的公立图书馆, 而更像是, 对他来说, 摆放随意又独具特色, 可以任意浏览的二手书店. 这些偏僻的角落, 神秘主义与观念艺术, 流行音乐和具象诗共存, 正是他恣意创作最好作品的地方.
在去年柏林的艺术论坛上, 戴伯罗•莫勒建造了一个画廊站台,看上去像是悉心构思且应用了现代主义教条的群展, 即新事物的建立需要相对应的破坏. 其中一面廉价的分区墙被锯穿大致做成罗伯特•莫里斯2004年的《拍手》(Slap, R.Morris, 2004), 画廊主和她的来访者则坐在复刻的超级工作室(SuperStudio)昆得纳桌(Quaderna table)旁边的低劣仿造里特•维尔德的Z字椅上. 每件家具被起了一个诗性的名字并带有《因为我们不是成天说话》(Because we didn’t talk all day )(2004)里的一句台词. 从地上这件东扭西弯但仍能使用的取名为《像那摞蕴藏我曾坚信的真理的纸》(皱巴巴地置于角落, 2001年1月21日)(Like those sheets of paper containing absolutes once believed )(2004)的Dan Flavinesque荧光灯具看起来, 这些物品像极了是世界上最马虎了事的艺术搬运公司忙中出乱的杰作. 这里边最淡定的元素莫过于宁静系列的折纸《张开你的梦》(Unfold your Dreams)(2004) - 很像是复古几何抽象艺术的标本.
戴伯罗•莫勒的作品里会出现各种各样的参考, 引用和二度创作, 但多半会被设置在陌生的场景里以制造一种好比置身一个除了主人所有人都互不认识的聚会的效果. 比如《事件2》(Occurrence #2) (2004), 由玛丽•希金斯•克拉克(Mary Higgins Clark)的平装本犯罪小说《只让她知道》(While My Pretty One Sleeps)(1989)组成, 书本摊开放于基座上, 像似一件提供某种启发的重要证据. 打开的书页一边的对角线处已破损,于是这一页的文字连续出现在了下一页,其中的这样一段糅合的段落还用钢笔加注了红点. 看似巧合的,文章给人感觉一个句子的开头同时是另一个完全不同的句子的结尾. 上面写道:"尽管我们无法掌握完美的和谐和宇宙间绝对的平衡, 然而宇宙里的每一个事物(每个形状)都受制于和谐的法则. " 此后文字开始被拆散变得词不达意起来: "这种平衡在观察随着他们散播沿路粉末...". 书页之间潜藏的秘密"信息"实际上是一次处心积虑的仿造, 插入了凡•杜斯堡《新造型艺术》(Neo-Plastic Art) (1924)原理的一段引语.
戴伯罗•莫勒沉迷于纸本的物理属性- 书页, 潦草的注释, 卡本唱片封套和海报. 柏林街头的任何一个人想必都看过他近期个展的阴暗海报《一致1》(In Concert #1) (2004), 后来被他撕下来装框挂在画廊. 海报上写道: "理性神秘主义-我们是神秘主义者而非理性主义者因为我们并不依靠逻辑得出结论. "在根本缺乏更多信息的情况下, 谁知道路人们会作何结论呢? 这段引语事实上是组合自戴伯罗•莫勒最重要的灵感来源之一 - 瑞典作家奥古斯特•斯特林堡(August Strindberg)的作品和索尔•勒维特(Sol LeWitt)的一句话,后者稍有改动,将其格言的主语由观念艺术家换成了"我们". 展览取名《ABABCB》(2005), 不是对阿巴乐队(ABBA)口齿不清的致敬, 而实际上是指一首流行歌曲的基本构成: 主歌, 副歌以及过门. 大字印刷的 《奥尔胡斯, 1993年冬》(Aarhus, Winter 1993) (2004), 表现的是一支用心摆出欣喜若狂的姿势的摇滚乐队的黑白画面,然而他们身体和乐器的轮廓正好拼成"机会"这个并不太具有可视性的双关词.
戴伯罗•莫勒不时将流行音乐和观念艺术的系统程序与形式结合的做法让人不禁想起斯蒂芬•普利纳(Stephen Prina), 乔纳森•莫克(Jonathan Monk) 以及大卫•阿伦(Dave Allen)的作品. 他在智慧和意义精准度上的品味也与他们相似.拿《偶尔无题,无封,未完成(盛放)》(Untitled, Uncovered and Incomplete by Chance (in Bloom)) (2005)来说, 包含涅槃乐队(Nirvana) 《盛放》封面唱片的同名歌曲, 吉他演奏则按照斯特林堡随性定调的原则不讲究音准.唱片封套装在一个缩小到7英寸的仿造索尔•勒维特《未完成的开口容器变体》系列(Variations of Incomplete Open Cube’ series)(1974) 的立方开口容器里. 很显然, 戴伯罗•莫就是喜欢用极为理性的过程巧妙达到令人大为惊叹的神秘效果.
Simon Dybbroe Møller, Gamma Cephei
Simon Dybbroe Møller The Demon of Noontide Installation View
Simon Dybbroe Møller Simon Dybbroe
编译：鲍静
Simon Dybbroe Møller 是一位丹麦艺术家，1976年生于丹麦的奥胡斯。
1999-2001年，他就读于杜塞尔多夫的Kunstakademie，他在那里跟随Magdalena Jetelowa 学习。2001-2005年，他就读于法兰克福的Städelschule美术学院，在那里他跟随Tobias Rehberger 学习。目前他生活和工作在柏林。
"理性神秘主义", 现代主义和犯罪小说, 奥古斯特•斯特林堡(August Strindberg)以及走音吉他.
西蒙•戴伯罗•莫勒(Simon Dybbroe Möller)的创作方法为艺术史提供了另一种愉悦的思考方式, 使其不再是有如让读者望而生畏的条例森严的公立图书馆, 而更像是, 对他来说, 摆放随意又独具特色, 可以任意浏览的二手书店. 这些偏僻的角落, 神秘主义与观念艺术, 流行音乐和具象诗共存, 正是他恣意创作最好作品的地方.
在去年柏林的艺术论坛上, 戴伯罗•莫勒建造了一个画廊站台,看上去像是悉心构思且应用了现代主义教条的群展, 即新事物的建立需要相对应的破坏. 其中一面廉价的分区墙被锯穿大致做成罗伯特•莫里斯2004年的《拍手》(Slap, R.Morris, 2004), 画廊主和她的来访者则坐在复刻的超级工作室(SuperStudio)昆得纳桌(Quaderna table)旁边的低劣仿造里特•维尔德的Z字椅上. 每件家具被起了一个诗性的名字并带有《因为我们不是成天说话》(Because we didn’t talk all day )(2004)里的一句台词. 从地上这件东扭西弯但仍能使用的取名为《像那摞蕴藏我曾坚信的真理的纸》(皱巴巴地置于角落, 2001年1月21日)(Like those sheets of paper containing absolutes once believed )(2004)的Dan Flavinesque荧光灯具看起来, 这些物品像极了是世界上最马虎了事的艺术搬运公司忙中出乱的杰作. 这里边最淡定的元素莫过于宁静系列的折纸《张开你的梦》(Unfold your Dreams)(2004) - 很像是复古几何抽象艺术的标本.
戴伯罗•莫勒的作品里会出现各种各样的参考, 引用和二度创作, 但多半会被设置在陌生的场景里以制造一种好比置身一个除了主人所有人都互不认识的聚会的效果. 比如《事件2》(Occurrence #2) (2004), 由玛丽•希金斯•克拉克(Mary Higgins Clark)的平装本犯罪小说《只让她知道》(While My Pretty One Sleeps)(1989)组成, 书本摊开放于基座上, 像似一件提供某种启发的重要证据. 打开的书页一边的对角线处已破损,于是这一页的文字连续出现在了下一页,其中的这样一段糅合的段落还用钢笔加注了红点. 看似巧合的,文章给人感觉一个句子的开头同时是另一个完全不同的句子的结尾. 上面写道:"尽管我们无法掌握完美的和谐和宇宙间绝对的平衡, 然而宇宙里的每一个事物(每个形状)都受制于和谐的法则. " 此后文字开始被拆散变得词不达意起来: "这种平衡在观察随着他们散播沿路粉末...". 书页之间潜藏的秘密"信息"实际上是一次处心积虑的仿造, 插入了凡•杜斯堡《新造型艺术》(Neo-Plastic Art) (1924)原理的一段引语.
戴伯罗•莫勒沉迷于纸本的物理属性- 书页, 潦草的注释, 卡本唱片封套和海报. 柏林街头的任何一个人想必都看过他近期个展的阴暗海报《一致1》(In Concert #1) (2004), 后来被他撕下来装框挂在画廊. 海报上写道: "理性神秘主义-我们是神秘主义者而非理性主义者因为我们并不依靠逻辑得出结论. "在根本缺乏更多信息的情况下, 谁知道路人们会作何结论呢? 这段引语事实上是组合自戴伯罗•莫勒最重要的灵感来源之一 - 瑞典作家奥古斯特•斯特林堡(August Strindberg)的作品和索尔•勒维特(Sol LeWitt)的一句话,后者稍有改动,将其格言的主语由观念艺术家换成了"我们". 展览取名《ABABCB》(2005), 不是对阿巴乐队(ABBA)口齿不清的致敬, 而实际上是指一首流行歌曲的基本构成: 主歌, 副歌以及过门. 大字印刷的 《奥尔胡斯, 1993年冬》(Aarhus, Winter 1993) (2004), 表现的是一支用心摆出欣喜若狂的姿势的摇滚乐队的黑白画面,然而他们身体和乐器的轮廓正好拼成"机会"这个并不太具有可视性的双关词.
戴伯罗•莫勒不时将流行音乐和观念艺术的系统程序与形式结合的做法让人不禁想起斯蒂芬•普利纳(Stephen Prina), 乔纳森•莫克(Jonathan Monk) 以及大卫•阿伦(Dave Allen)的作品. 他在智慧和意义精准度上的品味也与他们相似.拿《偶尔无题,无封,未完成(盛放)》(Untitled, Uncovered and Incomplete by Chance (in Bloom)) (2005)来说, 包含涅槃乐队(Nirvana) 《盛放》封面唱片的同名歌曲, 吉他演奏则按照斯特林堡随性定调的原则不讲究音准.唱片封套装在一个缩小到7英寸的仿造索尔•勒维特《未完成的开口容器变体》系列(Variations of Incomplete Open Cube’ series)(1974) 的立方开口容器里. 很显然, 戴伯罗•莫就是喜欢用极为理性的过程巧妙达到令人大为惊叹的神秘效果.
Simon Dybbroe Møller, Gamma Cephei
Simon Dybbroe Møller The Demon of Noontide Installation View
Simon Dybbroe Møller Simon Dybbroe
艺术家：Michael Stevenson
1964出生于新西兰的英格尔伍德。目前生活和工作在德国柏林。
迈克尔史蒂文森被描述为“先锋派人类学家”。他的作品常常并且调查传说，以及所谓的'艺术世界'有争议的事件。史蒂文森在这些传说和历史之间的奇怪事件里精心构建关系。例如，史蒂文森把毕加索绘画、伊朗的第一个当代西方艺术馆藏展和1979年伊朗人质危机连接在一起。
史蒂文森是一个跨越绘画、雕塑和视频媒体等一系列成就的艺术家。在最近的许多作品中，他已经把这些不同的媒体结合在一起，观众始终是被放置在一个不确定的位置，与艺术家提供的事实与虚构之间构成错综复杂的关系。
迈克尔史蒂文森代表新西兰在2003年参加了威尼斯双年展。他还参加了2002年悉尼双年展'，以及2004年的'柏林诺德，汉堡火车站展览。
View Michael Stevenson artist Video (6 minute 56 seconds)
Enlarge Michael Stevenson 1994 Chartwell Collection, Auckland Art Gallery
1964出生于新西兰的英格尔伍德。目前生活和工作在德国柏林。
迈克尔史蒂文森被描述为“先锋派人类学家”。他的作品常常并且调查传说，以及所谓的'艺术世界'有争议的事件。史蒂文森在这些传说和历史之间的奇怪事件里精心构建关系。例如，史蒂文森把毕加索绘画、伊朗的第一个当代西方艺术馆藏展和1979年伊朗人质危机连接在一起。
史蒂文森是一个跨越绘画、雕塑和视频媒体等一系列成就的艺术家。在最近的许多作品中，他已经把这些不同的媒体结合在一起，观众始终是被放置在一个不确定的位置，与艺术家提供的事实与虚构之间构成错综复杂的关系。
迈克尔史蒂文森代表新西兰在2003年参加了威尼斯双年展。他还参加了2002年悉尼双年展'，以及2004年的'柏林诺德，汉堡火车站展览。
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Enlarge Michael Stevenson 1994 Chartwell Collection, Auckland Art Gallery
艺术家：Clegg & Guttmann
迈克尔克莱格和马丁古特曼
Clegg & Guttmann生活和工作在纽约和维也纳。
他们的工作往往侧重于公众对自己作品d 互动，以及如何转变传统的正式机构，例如艺术画廊和图书馆。人们被邀请使用其作品，触摸它们，将它们移动。
1991年，迈克尔克莱格和马丁古特曼进行了他们第一次的开放图书馆项目，其主要点是暂停了图书馆社会制度的根本性质。他们把不受保护的书柜放置在城市，没有监视，没有限制，取消所有的行政条款和行为，邀请大家使用，并给出了格拉茨艺术协会的电话号码，可以要求进一步的资料。
在2004年-2005年的“Sha'at'nez, or The Displaced Library”项目，是一个“流离失所者图书馆”，艺术家设计了西格蒙德弗洛伊德在维也纳的博物馆。弗洛伊德于1938年逃到维也纳，他的图书馆被毁。克莱格和古特曼从维也纳、伦敦和纽约首次将弗洛伊德的精神分析书籍带回来。体现弗洛伊德作为一个流离失所者的个人命运和时代的混合形式。
迈克尔克莱格和马丁古特曼
Clegg & Guttmann生活和工作在纽约和维也纳。
他们的工作往往侧重于公众对自己作品d 互动，以及如何转变传统的正式机构，例如艺术画廊和图书馆。人们被邀请使用其作品，触摸它们，将它们移动。
1991年，迈克尔克莱格和马丁古特曼进行了他们第一次的开放图书馆项目，其主要点是暂停了图书馆社会制度的根本性质。他们把不受保护的书柜放置在城市，没有监视，没有限制，取消所有的行政条款和行为，邀请大家使用，并给出了格拉茨艺术协会的电话号码，可以要求进一步的资料。
在2004年-2005年的“Sha'at'nez, or The Displaced Library”项目，是一个“流离失所者图书馆”，艺术家设计了西格蒙德弗洛伊德在维也纳的博物馆。弗洛伊德于1938年逃到维也纳，他的图书馆被毁。克莱格和古特曼从维也纳、伦敦和纽约首次将弗洛伊德的精神分析书籍带回来。体现弗洛伊德作为一个流离失所者的个人命运和时代的混合形式。
艺术家：Sterling Ruby
Sterling Ruby1972出生于德国的Bitburg，是当代美国艺术家，现居住和工作在美国加利福尼亚州洛杉矶。
Sterling Ruby首先就读于宾夕法尼亚州的艺术与设计学院，2001年，他获得了美国芝加哥艺术学院学士学位。2003年，他迁往洛杉矶，并在就读帕萨迪纳艺术中心设计学院的硕士课程。
Sterling Ruby是一个多学科的艺术家，艺术形态非常丰富，比如陶瓷釉面、大型喷漆油画、聚氨酯雕塑、各种形式的拼贴和录像作品。2008，纽约时报艺术评论家罗伯塔史密斯称其为“出现在本世纪最有趣的艺术家之一”。
他从广泛的来源，包括边缘化的社会、高度设防监狱、现代主义建筑、文物和古迹、涂鸦、战争的机制，以及城市帮派里建造他的主题。他的作品经常被引用作为简约手段，以揭露相关制度和社会权力结构。
Sterling Ruby1972出生于德国的Bitburg，是当代美国艺术家，现居住和工作在美国加利福尼亚州洛杉矶。
Sterling Ruby首先就读于宾夕法尼亚州的艺术与设计学院，2001年，他获得了美国芝加哥艺术学院学士学位。2003年，他迁往洛杉矶，并在就读帕萨迪纳艺术中心设计学院的硕士课程。
Sterling Ruby是一个多学科的艺术家，艺术形态非常丰富，比如陶瓷釉面、大型喷漆油画、聚氨酯雕塑、各种形式的拼贴和录像作品。2008，纽约时报艺术评论家罗伯塔史密斯称其为“出现在本世纪最有趣的艺术家之一”。
他从广泛的来源，包括边缘化的社会、高度设防监狱、现代主义建筑、文物和古迹、涂鸦、战争的机制，以及城市帮派里建造他的主题。他的作品经常被引用作为简约手段，以揭露相关制度和社会权力结构。
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