来源：艺术世界

“合声”艺术节于2013年4月29日至5月1日在朱家角举行。艺术节邀请了DoraVideo（日本），柳汉吉（韩国），杨嘉辉（香港），盛洁（北京），陆正（深圳），卖卖（上海），照骏园（上海），殷漪（上海）8位艺术家在上海朱家角古镇进行3天的现场声音表演。正如艺术节名字使用“合”而不是“和”，艺术家们在3天的演出中除了表演个人的独奏作品外，还会即兴合作，共同为当代实验动画作品进行现场即兴配乐。在“合声”艺术节中你会见到吉他或单簧管，但已经不是通常的演奏模式了。你也会看到艺术家使用机械闹钟的零件进行表演。你还会看到艺术家用自制的电子乐器控制声音和影像。这些艺术家都在使用西方音乐/科技形式和语言进行创作的过程中自觉寻找属于他们自己的发声方式和声音美学。亦如他们拥有共同的地理/文化背景——东亚。用通常意义上的“音乐节”去指称这次艺术家的聚会是过于简单了。这次相聚定会“和而不同”，亦会“和合而生”。

杨嘉辉访谈

请先回顾一下已经历时近十个月的“声音下寨”项目？

我觉得，到目前为止进行得很好，双方都开始知道对方在做什么。香港的声音艺术家之前也很少有相互的交流，通过这样的项目，他们也看到了不同的可能性。声音艺术在香港是非常小众的，虽然不少公众也对声音好奇，还有不少当代艺术家对声音这块也很好奇，但是从事声音艺术创作的艺术家并不多，所以这个情况也许在许多地方也都是差不多的，艺术家很孤独，如果我们把更多的城市的资源汇集到一起的话，对艺术家的工作是有帮助的。

你觉得两地的艺术家的区别在哪里？

杨嘉辉：好像上海的艺术家用电脑工作的多一些。香港的声音艺术家的情况是，做现场表演是他们工作的一部分，他们通常也都还做一些展览、一些新媒体、一些当代艺术的作品。可能因为我的背景的关系，所以在香港学院派里做电子和实验的比较知道我们在干嘛。在和上海的艺术家交谈的过程中，我觉得上海的声音艺术家对于“声音艺术”这个概念有比较多的考虑，香港的艺术家他们通常很少考虑这个。

香港的声音艺术创作的生态是怎样的？

杨嘉辉：现在慢慢地活动多了起来，当代艺术也开始接纳声音艺术，也有一些艺术家开始在做称为声音艺术的东西，其实他们并不明确这个是什么，是时间性的那种表演，还是和画廊，博物馆有关的那种经验，但是他们有一种实践的愿望。这点在我教课遇到的学生也碰到，他们受到声音的触动和启发，然后说，想要成为声音艺术家。这个现象在五、六年前是没有的。这个变化我觉得是从香港文化发展局开始资助Sound Pocket开始的。在香港从事声音艺术的差不多有这样几个来源，第一，是从音乐次文化过来的。有几个很老的厂牌，他们做了很多噪音的出版，也做很多的演出；第二，是当地一些活跃的艺术家。他们关注声音的东西，包括一些新媒体的艺术家；第三，是从音乐学院里过来的。他们搞那些学院的东西搞腻了，看到有声音艺术，于是就过来玩。他们之间的活动和交流不算很多，但是慢慢地他们之间也开始有一些交集。

对之后的工作你有什么打算？

杨嘉辉：我觉得，保持现在这个状态挺好的，一定要有持续性，做得再深入一些。不是非要把它做大的，小众也没有关系。我和殷漪说过，我们应该要做文献的东西。我们每次都做一些纪录，并且每次的演出之后都有一些评论在网络上。我想，只有我们坚持几年持续性地去做这件事情之后，到时回过来看，我们会知道声音艺术到底是怎么一回事。现在其实没人说的清声音艺术到底是怎么一回事，这个可能和那些当初还没有被当代艺术收编的艺术的状态类似，比如一开始的Performance Art，观念艺术。它现在还是很模糊，很不确定，这种状态是很令人兴奋的，也许它被当代艺术收编之后，就变得无趣了。

聊一下你的个人作品的方向吧？

杨嘉辉：我其实做一些很不同的东西。因为我是学作曲出身的，所以我一直还持续写一些传统的作曲，给管弦乐团。比如说，我接下来要做的一个作品是，在香港和深圳之间是由一条铁丝网隔开的，我要用接触式麦克把它的震动录下来。这个可能是年底会去做。然后，我也做声音的装置。但是，我做的所有的工作都和我的作曲的训练有关。你知道，作曲的训练是十分窄的，它给你造成一个奇怪的世界观。我总说，我是在“排毒”。可以说，我是在把我接受的毒放大，我在错误阅读传统音乐，所有的这些训练的经验成为我的创作的源头。

简单说一下去年你在Ars Electronica上获奖的作品吧？

杨嘉辉：那个作品叫《我在一个房间里思考，与你听到的那个不同》，是向Alvin Lucier致敬的作品。Alvin Lucier在六十年代做过一个脑电波的作品，那时的科技还没有现在这么发达，所以作品也很简单，将脑电波变成音乐，当然在那个时候非常了不起了。他还有另一个作品是叫《I Am Sitting in a Room》。我的那个作品有点像这两个作品的想法加在一起。也是用了脑电波，脑电波技术现在已经是很普及了。我的作品要求我的大脑专注到一定的强度，探测器会读出设定好的0至100之间的参数，在超过40之后，它就会使边上的马达运动演奏起乐器来。我越是专注，马达就动得越快。可是当我听到音乐响起来，我又被分心了。所以我在表演的时候会有一个谱子让我知道什么时候应该多专注。观众看表演的时候不仅是看马达如何运动，还会看我的精神状态。我的整个过程在一个回路里面，尝试不断的专注，同时又被分心。这个作品开始的想法是和古典音乐的表演者有关的。古典音乐对于演奏者的要求就像体育比赛中的运动员，它要求你能够完全驾驭你的身体，同时这样你才可以忘记它。但是，我对完美的演奏者并没有什么兴趣，我感兴趣的是演奏者的炫技是和一种失误的可能联系在一起的，单纯完美的表演通常是很无聊的，然而我们一般只看到演奏者成功的表演，而没有看到他的失败。所以我想创造一个情景，就是我的一个成功的表演是建立在我的失败上的。观众在过了五，六分钟之后一般就会知道我在干嘛，他们会看到我的表情，看到我在专注的使乐器动起来，而乐器又还不动，这是使他们感到有趣的。

你能说一下声音与科技的关系吗？

杨嘉辉：我觉得声音一直是勇于，并且乐于和科技发生关系的艺术形态。这一百年来声音科技对我们影响最大的可能就是录音技术的发展吧。通过录音我们第一次把声音与它的出处分开。我觉得，整个声音艺术的发展就和录音技术的发展很有关系。可以说没有录音技术就没有声音艺术，因为我们不能把声音变成一个材料。当然，现在声音科技很强大，它们是十分强大的工具，只有具有很好的技术你才能驾驭这个工具。

你觉得科技的发展能够促成一种新的美学吗？